jueves, marzo 29, 2012

‘Drive’; desgarradora película urbana

 
drive12
Pensé que podríamos irnos de aquí. Si quisieras. Podría ir contigo, podría cuidarte”.
 

La ciudad, la selva de cemento. El lugar donde millones de personas vivimos nuestras alegrías y tristezas. La ciudad, vibrante de día y tremenda de noche, alberga a muchos seres distintos, a muchas almas solitarias, a gente trastornada que vive de sus motivos, buenos o malos, egoístas ó desprendidos. Todo esto que les intento decir es la maravilla de una cultura, la cultura urbana y donde todo el tiempo se dan la mano las artes más mundanas: el teatro, la música, la pintura, la escultura, el cine…

Nunca podré cansarme de decir lo que significó para mí escuchar la música de Velvet Underground, con unas letras desgarradoras de drogas, delincuencia y psicodelia; música urbana sin paliativos. Creo que lo mismo se puede decir de ‘Drive’, que es una película urbana completa: con gente caminando por los senderos de la muerte, de la soledad, del crimen. En estos puntos y en esta ocasión además de vistos 12 años de esta década (y siglo), me aventuraré a decir que este film ha conseguido los propósitos que buscaba: retratar a gente peculiar (como millones de nosotros) en situaciones límite y sin salida, haciéndola la mejor película de su estilo en este naciente siglo XXI.

No sé que le habrá pasado en su mente a Ryan Gosling, cuando sintió en la conciencia que podría ser más que un actor y más que una simple estrella masculina de películas más o menos exitosas. Quiero suponer que pensaba en crear una carrera más allá de las líneas comerciales que los estudios imponen a sus empleados, quiero pensar que en cierto momento vió un guión en ‘Drive’ y no sólo le interesó, sino que pensó que podía hacerse música, poesía, acción, dolor, sufrimiento y redención. Quiero pensar que ‘Drive’ es eso, el legado de un hombre enamorado de su ciudad y a través de él nosotros homenajeamos a las calles, a los edificios, a los autos, al desorden, a la noche, a los problemas, a la subsistencia, en fin, a la vida.

 

drive11

El conductor sin nombre

Cuentan las referencias, que los productores y el guionista empoderaron a Gosling para que defina el estilo visual y narrativo de la película. A cambio Ryan ofreció cobrar un sueldo moderado (no olvidemos que es Ryan Gosling, que si le da la gana se lanza de presidente y ganaría la elección) y para acometer con el mandato usó la historia del libro de James Sallis sobre un conductor anónimo con una doble vida: de día apoyando como doble de escenas de acción con autos; y de noche trabajando en encargos menos que legales. Ryan se reunió con el director Nicolas Winding Refn para la preparación y la preproducción; según dicen, las conversaciones eran tensas intentando definir el tono narrativo, la fotografía y la forma de presentación de las tomas en la película, hasta que una noche Gosling le invitó a dar una vuelta nocturna en auto por Los Angeles y presenciando la gran ciudad pusó la radio justamente en estaciones que tocaban canciones electropop de los 80s como Kavinsky, como Electric Youth. Le dijo a Nicolas que ése era el simbolismo de lo que deseaba mostrar en esta película. Dicho y hecho; el director trasladó esta historia tan sencilla, tan pulp, tan de los 80’s y tan de serie B en ‘Drive’.

Porque el personaje de Ryan no tiene nombre en el film, al parecer tampoco los demás personajes se han percatado o interesado en ese dato, es simplemente ‘el conductor’. Como ya dijimos, alguien con muchas ocupaciones, mentalmente ágil con los autos y con una personalidad introvertida capaz de contener millones de emociones en la seriedad de Gosling. La construcción de su personaje, un joven parco, serio, centrado, carente de emociones verbales, profundo en la mirada y determinado en las resoluciones; es una obra de arte de la actuación y que un actor tan popular como Ryan se haya cargado con esta interpretación en una película de bajo presupuesto y sin la maquinaria promocional de Hollywood, es simplemente, para aplaudir.

Casi sin ningún diálogo, el conductor arriesgará un trabajo que debía ser uno más de los tantos que realizaba, pero con la condición adicional de ayudar a la familia recién unida de la chica que le gusta. Aquí es donde entra en escena esa excelente actriz en la que se ha vuelto Carey Mulligan (cuya única mancha y lo digo de manera personal fué ‘Wall Street 2’) y ella interpreta a Irene, madre que ha criado a su pequeño Benicio y que finalmente se reúne con su esposo ex convicto llamado Standard. Pero al recién llegado las cosas no le van bien, es perseguido por el pasado, por la estructura de mafias que existen en todas partes del mundo. El conductor querrá apoyarle, para apoyarle indirectamente a ella y a su hijo. Todo sale mal, todo se estropea. Nuestro conductor deberá bajar a los infiernos y volverse un héroe o dejar que la única cosa a la que está apegado por amor y cariño le sea arrebatado.

 

drive13

La próxima película de culto

Ahora que ‘Drive’ ha triunfado en todo el mundo cabe rescatar varios logros en el campo técnico. La acertada dirección de Winding Refn unido a un trabajo de sus técnicos logra imprimir un ritmo pausado y expectante a la película.  Los océanos de tranquilidad quedan bruscamente cortados por las escalofriantes, violentas y a la vez grandiosas secuencias de acción. Todo un ejemplo de altísima edición. Las actuaciones de los actores cumplen con los propósitos minimalistas que se buscaban desde el principio y si bien Mulligan no destaca en un papel tan plano, sí podemos esperar lo mejor de gente tan legítima en sus papeles como Albert Brooks ó Ron Pearlman., Los malos son siempre malos a pesar de la sociedad. El conductor sin nombre lo sabe; tiene bien aprendido la fábula del sapo y el alacrán. Misericordia cero.

Un sonido mezclado y diseñado al milímetro (injustamente su única nominación al Oscar), además de una música ocasional célebre, con grupos como Kavinsky y Chromatics, con un encargado de la banda sonora como Cliff Martínez que pone notas de suspenso capaz de congelar un desierto. Una fotografía fincheriana exprimida al límite, con un contraste de luces y sombras que además rodean a los colores más vivos en un mismo plano y que sorprende más que en producciones mucho más caras. Una edición que logra un doble milagro: alargar una historia aparentemente sencilla y volverla poderosa además de acortar un relato sólo a los hechos más importantes dando como resultado 100 minutos de cine urbano, de las mejores escenas de romance y acción en mucho tiempo (el beso del ascensor, es por no decir otra cosa, bellamente trágico) y de narración contenida.

Son todos estos aciertos realizados en la humildad de una producción lejana a los grandes estudios y con el riesgo asumido para todo lo que se desea mostrar; los que son capaces de conectar con un público cansado de ser insultado con cada película mediocre. El secreto de los orígenes de los personajes y el misterio de todo lo que rodea la figura del conductor hacen de esta propuesta algo memorable, una experiencia profunda y triste, una lección de heroísmo silencioso y de la (cuestionable) justicia por mano propia. Que lo haya logrado un muchacho llamado Ryan Gosling y todo un equipo trabajando en silencio sólo acreditará más su valor en el tiempo. Aquí está la próxima película de culto.

 

Opening de la canción: ‘Nightcall’ de Kavinsky

domingo, marzo 25, 2012

‘La chica del dragón tatuado’; el mal con el mismo mal será expulsado

Cómo una chica de 23 años puede ser una protegida del estado.
- Soy mentalmente incompetente y no puedo mantener una vida diaria normal.
- Y desde cuándo dicen eso de ti?
- Desde que tengo 12.
- Algo pasó cuando tuviste 12? Uhm… lo siento. No es de mi incumbencia.
- Traté de asesinar a mi padre. Le quemé vivo, cerca al 80% de su cuerpo.”.
(Mikael y Lisbeth)

Preferí esperar mucho tiempo, tras el visionado de la última película de David Fincher allá en enero de este año para tener una mejor idea de esta propuesta, la adaptación americana de ‘Los hombres que no amaban a las mujeres’ de Stieg Larsson. Tuve miedo y temor y cuidado para no intentar compararla con aquella interesante y oscura versión de Niels Arden Oplev. No me metí en las comparaciones que siempre se arman cuando una obra extranjera sea versionada en los Estados Unidos y de aquellas voces que decían que la última moda europea tuvo sus remakes mas o menos necesarios. Soy de los que piensa que cada película debe ser suficientemente autónoma para no apegarse a su versión original, a su anterior intento, a no dejarse opacar por su génesis, me gustaron tanto la americana ‘Let Me In’ y me gustó su original ‘Let the right one in’.
Pero estamos hablando de David Fincher, uno de los mayores genios del cine de los últimos 20 años, ya tenía una carrera recorrida en los mundos de la maldad humana (‘Seven’), y de los crímenes horrendos (‘Zodiac’), pudo ver como nadie las deformaciones de la ambición de los hombres (‘The Game’) y nunca perdió su visión aún para explicar un combo de traiciones, mentiras y talento (‘La red social’). Porqué había aceptado dirigir el remake? en las entrevistas dice que le gustó el libro y así puso las distancias con las películas de Suecia. Contrató a Daniel Craig, trajo un elenco americano profesional y de ascendencia europea como Stellan Skarsgaad y Christopher Plummer, volvió a usar a sus montadores habituales (muy a su pesar porque deseaba trabajar con técnicos europeos, pero Angus y Baxter ganaron el Oscar) y no dejó que otros pusieran la música a no ser que se llamaran Trent Reznor y Atticus Ross. Este frío mecanismo que es Hollywood y que es tan implacable con el dinero se decidía a que Fincher colocase su visión de Lisbeth Salander (ah cierto… y quien sería Lisbeth Salander?) y él pensó no cambiar las coordenadas del libro fuente: la historia de una hacker bisexual, andrógina, huérfana, tenebrosa, compleja e inteligente en su lucha contra la violencia a la mujer.
Señoras, señores, es para mí un placer hablarles sobre una chica con el dragón tatuado en su espalda, versión de David Fincher.

Karen O de Yeah Yeah Yeahs–Inmigrant song

Después de esta gran introducción bondiana y que declara todo el estilo que veremos (fíjense en el latex negro, el fuego, la destrucción de los moldes, las flores, el alquitrán y el vuelo del insecto) aún después de todo eso seguiremos sin conectar por ese simbolismo que juega con nuestras mentes, para entrar en la historia de Mikael Bloomkvist. El afamado periodista de Millennium que ha caído en desgracia de acusar a un corrupto industrial europeo. Si, toda la producción es americana pero no se han cambiado los lugares ni los personajes. Porque a Mikael le siguen las injusticias, así es con los hombres valientes a quienes no les gustan que los poderosos dicten mal la vida de otros. Ahogado en pleitos legales encuentra un trabajo lejos de la ciudad, en un paraje alejado de lo urbano, donde reina la nieve y la nieve cubre los oscuros secretos de la familia Vanger, los industriales más grandes de Suecia y cuyo patriarca desea conocer el destino de una de sus nietas: Harriet.
La desaparición de Harriet involucra la investigación periodística de Mikael pero necesitará ayuda. Mientras que Lisbeth debe sobrevivir en la ciudad dada su condición de dependiente del estado, pero el abuso y el machismo no le dejan. Un cruel custodio desea aprovecharse de ella. Lisbeth contrataca, urge su liberación y pronto trabajará con Mikael en su caso motivada obviamente, por su sentido de castigo (y no de justicia) hacia los hombres que propiciaron no sólo la desaparición de la Vanger, sino de su género.


Lisbeth Salander, ícono de nuestros tiempos
Será que ha servido para su proyección mundial, pero es que la labor de Noomi Rapace como la Salander de las películas originales me pareció icónica. Luego me enteré que para la versión americana el proceso del casting iba a ser todo menos placentero. Fué doloroso y más que eso y ya conocemos las actrices –algunas lo rechazaron y otras viajaron para el papel --- que se dejaron la piel para ser Lisbeth Salander y la lista es para lanzarse de un edificio: Kristen Stewart, Keira Knightley, Eva Green, Mia Wasikowska, Ellen Page, Natalie Portman, Scarlett Johansson y Carey Mulligan (quien estuvo a milímetros de adjudicarse el papel). Rooney Mara no tenía nada que perder, la chica de Mark Zuckerberg en ‘La red social’ era su último currículum. Audicionó, lo hizo de nuevo, se superó a si mismo. Cuando Fincher (ojo al talento que tiene) notó que podía con la carga le aconsejó, le presentó el precontrato y le dijo que el papel cambiaría su vida y no precisamente para bien, pues Rooney lo pensó y aceptó! Aquella hermosa chica universitaria de la película del facebook, la muchacha hogareña que ya tenía asegurado su futuro como heredera de los negocios deportivos de su padre, podía hacer lo que quisiera con su vida, pero no, ella aniquiló su pasado y no quedó rastros de esa Rooney, se convirtió en la nueva Lisbeth Salander.
Y es que es justo decir que ‘La chica del dragón tatuado’ es la cruzada de Lisbeth contra el machismo instalado, estructurado, organizado e infiltrado en un sistema capitalista contaminado. Pura hipocresía que oculta redes corporativas y clandestinas de violencia a la mujer. Siempre soñamos con vengadores públicos ó anónimos que hagan frente a tanta injusticia, a tanto horror y a tanto poder. Por eso animamos la aparición al margen de la legalidad de una Lisbeth. Comprendemos lo que le ha pasado y su justicia torcida es la nuestra cuando se enoja. Su sensualidad con mujeres y hombres no hace más que magnetizar la pantalla. Su corazón parece lejano a ser descubierto y su fragilidad es tan evidente y oculta tras las capas de tanta tecnología y frialdad. Deseamos su victoria más que nada.


Técnica y estilo sobre una historia de misterio
Tonto que soy, pensaba que Fincher usaría algunos planos y estilos ya empleados en sus anteriores películas para este film. Pero no, el se propone otra óptica y ya no estamos viendo una película a lo ‘Seven’ ó ‘Zodiac’. Conciente de su capacidad de innovar nos presenta una historia de amistad de dos personas complementarias: el maduro y valiente Mikael junto con la inteligente y contenida Lisbeth. Da en el clavo con sus secundarios (en especial ese actorazo que es Plummer) y dirige a sus actores con la paciencia que es habitual en él para no detenerse en cosas triviales.
De Jeff Cronenweth es obligatorio que cualquier aspirante a cine vea su labor de fotografía y lo que es capaz de hacer con las luces nocturnas en esas calles adoquinadas, y cómo captura la nieve sobre la misma nieve en esa mansión tétrica de los Vanger. De Trent Reznor no sé que más decir, que un artista de su talla no sólo ofrezca tal producción de música de ambiente, de atmósfera misteriosa, pues es para ir a descargar el álbum a toda prisa (son 39 tracks monumentales). Y si la canción ‘inmigrant song’ de Led Zeppelin no te llega a tus sentidos tras escuchar ese intro (video arriba) de Karen O y arreglada por Reznor, es que tenemos gustos diferentes, amigos. Nada de eso es gratuito, vean las letras de la canción.
Ahora sobre el guión, creo que podía mejorarse en dos partes importantes: al presentar al villano (cara de culpable desde un inicio) y también en el final donde el giro de los hechos es forzado, claro, no es una película perfecta pero es una propuesta de cine sobre personas de nuestros terribles tiempos y sobre problemas actuales. Eso ya es mucho.


El especial de David Fincher:
'La Red Social'; el genio creando su imperio
La Red Social’, testimonio de una generación
David Fincher; el director de videos musicales
'El Curioso Caso de Benjamin Button’;
‘Zodiac’;
‘Panic Room
‘El Club de la Pelea
‘The Game’
‘Alien3’ la incomprensión

El miniespecial de cine sobre la saga Millennium, versión sueca:
‘La reina en el palacio de las corrientes de aire’
‘La chica que soñaba con una cerilla y un bidón de gasolina’
‘Los Hombres que no amaban a las mujeres’

viernes, marzo 23, 2012

Escenas inolvidables: los títulos en ‘Los Infiltrados’

 

losinfiltrados1

Recordaremos brevemente una de las mejores intros que veíamos allá por 2006, cuando Scorsese se reciclaba asimismo adaptando una película de Hong Kong – que por cierto al fin pude ver y que me gustó muchísimo, pronto la reseña – de un éxito enorme. Aquella se llamaba simplemente ‘Infernal Affairs’ ó que viene a ser llamado como los ‘problemas infernales’, que no tiene el mismo significado desde un punto de vista cristiano. Viniendo de Hong Kong, la película original retrata creencias propias del lugar y en este caso del Budismo, existiendo sus propias definiciones de infiernos, que en mi humilde opinión, son de mayor realismo e importancia que las que me enseñaron de niño.

Volvemos al fin ganador del Oscar a mejor película, tras que Billy Costigan es aceptado como un chico pobre graduado de la academia de policía le viene una entrevista dura y terrible con el capitán Queenan y el Sargento Dignam, quienes recurren a la trágica historia de la familia para así convencerle de servir a la ley y el orden. Este juego psicológico y la voluntad de redención de Billy (un altísimo nivel de Leonardo Dicaprio) le lleva a tomar la decisión de convertirse en el infiltrado de los policías en la mafia de Boston, debiendo ir a la cárcel como parte de su tapadera. Mientras tanto el jefe de la mafia, Frank Costello (un desatado Jack Nicholson) ha movido ficha años atrás y ha criado a Colin Sullivan, un muchacho con estrella, para que se convierta en su topo en la oficina policial.

Gran introducción, directa, con un movimiento lateral de cámara que refleja la suerte echada para Billy y el promisorio futuro de Colin, amigos, estamos frente a mucha tensión, nervios, estrés y corrupción, estamos en ‘Los infiltrados’.

 

Créditos youtube bergurhallgrims

martes, marzo 20, 2012

Bruce Willis; The very best of

 

bruce willis4

El actor nacido como Walter Bruce Willis acaba de cumplir 57 años. Quién diría que este pedazo de actor, lleno de carisma y de presencia, haya contribuido al cine de acción y de otros géneros en los últimos 25 años de una manera sencilla, cumpliendo en el cine de entretenimiento y siendo valiente en el cine en general. Aquí no hablaremos de su vida privada, pueden buscar blogs del corazón o de la farándula para conocer más de esos detalles. Aquí intentaremos  trazar algunas de sus mejores interpretaciones, algo en el que fracasaremos porque, como muy pocos sabemos; se consagró con anterioridad en la televisión (con Cybill Sheperd en ‘Moonlight’) e incluso tuvo una canción top 40 (‘Respect yourself’, 1988).

Debutó en el cine comercial con la nostálgica ‘Sunset’ del legendario Blake Edwards, para luego ser un actor de acción dentro de la saga ‘Duro de matar’, un actor de suspenso con ‘El sexto sentido’,un actor cómico como en ‘Hudson Hawk’ e incluso incursionar en el cine erótico con ‘El color de la noche’. Su carrera también ha conocido terribles fracasos pero pocos de ellos atribuibles a su actuación sino a esas decisiones tomadas por guiones mal ejecutados: ya sea por una búsqueda de seriedad artificial como la terrible ‘The Siege’ (que también lastimó por buen rato la carrera de Denzel Washington) o ya sea por buscar la gloria inmediata como la patética ‘North’, Willis ha demostrado que trabajar es lo suyo. No será un maestro del melodrama y creo que no le hace falta, como ya dije antes, muy pocos actores de Hollywood tienen un carisma tan potente y donde sólo hace falta una mirada ó un gesto para salvar los créditos.

Veamos sus mejores actuaciones:

bruce willis1

10. ‘El último boy scout’. (1991) Grandiosa película de aventuras de Tony Scott y toda una lección de actuación sobre un hombre que se pierde el respeto a sí mismo, llegó después del desastre de ‘Hudson hawk’ y permitió aliviar los sentimientos de la crítica hacia un Willis renacido.

09. Sin City (2005). Excelente trabajo estético. El personaje de Willis se difunde y se pierde en unas viñetas propias del trabajo de Miller. Su relación con el personaje de Jessica Alba aún conmueve y emociona.

08. El Quinto elemento (1997). Incomprendida de principio a fin. Su taxista del futuro y la aventura que le toca vivir van más allá de lo que muchos quisieron ver. Una película sobre la búsqueda de la identidad ayudando a gente más extraña que uno mismo. Hasta Gary Oldman sale soberbio en una comedia espacial, esas dos palabras siempre irán juntas al recordar este film.

07. Unbreakable (2000). Segunda colaboración con M. Night Shyamalan y toda una expresión de misterio y ficción, daba misterio desde el principio, dió sorpresa la revelación de la vida del personaje, imprescindible, sencilla y contundente.

06. Duro de Matar 2 (1990). Si alguien no ha visto la mejor película navideña de acción, pues ya se están tardando. Claro que si ahora la vemos diríamos frases como exagerada, fantasiosa, desproporcionada e inverosímil. Pero es que necesitamos de John Mclane, nos quedamos tras su espalda y deseamos que tunde a los malos. Me dan miedo los aeropuertos en navidad.

05. Armaggedon (1998). Cliché 101%. El padre inmaduro que sobreprotege a su hija y está al mando de gente tan alocada como él y a quienes Michael Bay y la NASA les encomendaron taladrar un meteorito rumbo a la Tierra. Vamos, no se ve un Harry así todos los días.

bruce willis3

04. 12 Monos (1995). Obra cumbre de Terry Gilliam. Ver sufrir a Willis para detener el destino horrendo que le aguarda a la humanidad sin saber que todo eso pasa por su propio destino, su mancuerna filosófica con el gran personaje de Brad Pitt y la atmósfera de pesimismo que se respira en cada escena hacen de ‘12 Monos’ una de las mejores películas de los 90s.

03. El Sexto sentido (1999). Primera colaboración con MNS. Su papel tranquilo, analítico y colaborador como psicólogo del niño que ve fantasmas queda siempre en retina. Difícil de creer que tanta contención, tanto autocontrol y tamaña actuación no hayan sido recompensados con alguna nominación a los Oscar. Si hay cosas injustas!

02. Duro de Matar (1988). La película definitiva sobre héroes accidentales. Un John McTiernan en estado de gracia y un Alan Rickman potente y desatado. Es el personaje que siempre acompañará la figura de BW: su John Mclane que ha sido señal de la justicia violenta frente al terrorismo y que en esta primera película define décadas de acción. Por eso harán su 5ta. película, no es más.

01. Tiempos Violentos (1994). Qué quieren que les diga. Está en un rol secundario, no es ni el protagonista principal de esta obra cutre, de tanta tortura pulp y sanguinaria. Pero su Butch es tan humano, tan simple y a la vez tan atrevido, que uno no es capaz de ser conciente de lo que está viendo: su pelea de box arreglada, su íntima conexión con el padre, sus nervios por escapar de ese pueblo terrible (como cualquiera en este mundo) y su frialdad a la hora de la venganza (o era justicia por mano propia, no sé) hacen avergonzar a todo aspirante a actor de cemento. Él pudo hacerlo y Quentin Tarantino pudo dirigirlo, es algo que Vin Diesel o The Rock no harán en mucho tiempo.

bruce willis2

No sabremos lo que le espera a Bruce, capaz de agradar y conmover como en la preciosa ‘In country’ y capaz de hacer el ridículo como en ‘La muerte le sienta bien’, queda claro que los últimos años sólo ha vivido de pequeños papeles y cameos con sus coterráneos.  Por lo pronto tendremos que verle en un papel de militar por enésima vez en ‘GI Joe 2: retaliación’ y más expectantes por ver cómo queda ‘The Expendables 2’; esperemos que siempre sea lo mejor.

Felicidades Bruce!

domingo, marzo 18, 2012

Brad Bird: ‘Misión Imposible: Protocolo fantasma’

 
mi41
El secretario está muerto. Nosotros cuatro somos todo lo que queda de la MIF. No tenemos respaldo, ni resguardo ni posibilidad de extracción… volveremos con nuestro objetivo, o no volveremos.”
- Ethan Hunt.

 

Hay algo que debemos establecer siempre que hablamos de Tom Cruise, ese algo es su sentido comercial y sin llegar a dudarlo podemos afirmar que debe ser el actor mainstream más autoexigente en esto de producir, actuar y seleccionar colaboradores. Creemos que a estas alturas de su vida (tendrá 50) ya sólo desea pasarla bien y equilibrar los desastres que ha provocado por publicitar su vida privada, en este blog hemos reconocido que la saga ‘Misión imposible’ ha sido suya en todos los campos, es decir, en lo artístico y técnico. Y para bien o para mal ha entretenido en función de la época que le tocó vivir.

Es probable que nunca se vuelva un director y que estando ahí logre resultados tan envidiables como Sean Penn ó George Clooney (sic), quizás sólo quiera mostrar poder al ser quien tenga la palabra final como productor y elegir de esta manera a los directores con quienes desea trabajar, en esta saga ya han pasado un director clásico como Brian De Palma, un director de la acción de Hong Kong establecido en tierras americana como John Woo y un poderoso director de televisión casi calificado de visionario (yo creo que sólo actualiza las primeras obras de Spielberg) como es J.J. Abrams.

Pues le habrá gustado tanto la labor de Brad Bird que tras saber que éste se quedaba sin su proyecto ‘1906’ rápidamente le convenció (junto con Abrams) para que le dirija en la secuela de ‘Misión Imposible III’. Casi 5 años después de la anterior y con nuestras expectativas por saber si aún se podía maravillar con este ya de sobra, conocido concepto.

 

mi43

 

Ethan Hunt contra su verdadero enemigo: la gravedad

Ha pasado tiempo para todos y lo primero que vemos es una misión de rescate de la MIF en Rusia para salvar a Hunt. Así como lo oyen. Está de prisionero y tras salir de la cárcel deberá asumir la misión de su infiltración. Pero un científico sueco se le adelanta y ocasiona una gran ataque terrorista en el Kremlin. Toda la unidad está puesta en cuarentena y de forma oficial deben ser marginados. Mientras que Ethan debe armar su equipo nuevamente y aceptar la llegada intempestiva del agente Brandt, el científico Hendricks moverá ficha, para bloquearle viajarán por Moscú, Dubai y Mumbai. Pobres agentes sacrificados.

Algo que se puede decir sobre esta trama y que puede ayudar a situarnos es el buen gusto estético – con mucha iluminación y resaltado del azul – que se pregona en la fotografía. De esa manera sentimos las cuevas en Rusia como los espejos en el edificio Khalifa en Dubai. Y también existe una excelente dirección de efectos especiales, todo lo que pasa en ese edificio y la lucha física de Cruise contra la gravedad y las condiciones de la infraestructura y en el terrible clima de los Emiratos Arabes (con tormentas de arena gigantescas) son escenas que dejan boquiabierto al expectador. Todos estos accesorios distraen al expectador de un guión clásico, con las trampas y triquiñuelas que nos encantaban de cualquier misión que parecía imposible. Si, es una película muy televisiva, adaptada a los tiempos que vivimos, muy entretenida y muy cercana a la tradición de su nombre, tal vez, la más cercana de todas las películas de la saga.

mi42

El toque Bird?

Me temía mucho –sigo temiendo—que la moda de encargar a directores especializados en animación para blockbusters en películas con actores de carne y hueso pueda dañar tanto la propuesta cinematográfica como la trayectoria del director. Recuerden a Andrew Adamson (‘Shrek’, ‘Shrek 2’) y esa bonita película familiar que fué ‘Las crónicas de Narnia: el león, la bruja y el ropero’ y luego recuerden al mismo Adamson en ‘Las crónicas de Narnia: el príncipe Caspian’. Acabo de ver ‘John Carter’ de Andrew Stanton (‘Wall-E’) y mis temores siguen.

La dirección de actores de Bird es una grata sorpresa, descartando a Cruise (que le da nuevas vueltas a su consabido personaje) todos sus demás compañeros en el equipo cumplen con nota alta: el carismático Simon Pegg, el intrigante Jeremy Renner y la sensual Paula Patton. En cambio Michael Nyqvist, Anil Kapoor y Tom Wilkinson slen desaprovechados, poco que comentar.

En el guión escrito temía por que la intrincada historia de la misión acabara en poco o casi ningún rastro de la personalidad de los personajes, pero la inclusión del personaje de Renner y su pasado relacionado con la vida de Hunt logran (al menos a quien suscribe esto) sorprender con una terrible revelación. Hemos visto en estos años muy poco del interior de este agente, no sabemos porqué desapareció Nyah de su vida pero sabíamos cómo quería a Julia. Esto eleva el misterio, con lo poco que veremos creemos que basta ya que más metraje hubiera descompensado la propuesta y esencia de ‘Misión Imposible’. Tenemos el toque Bird y justifica su sabia elección, logrando la película de la saga con mayor éxito económico y de crítica y demuestra que con lo poco que se muestra es suficiente.

El especial de Brad Bird, por el momento, ha concluido.

Brad Bird: ‘Ratatouille’
Brad Bird: ‘Los Increíbles’

Brad Bird: ‘El gigante de hierro’

Brad Bird: dirigiendo a ‘Los Simpson’
Brad Bird: el joven animador de Disney
Brad Bird; narrador con mucha humanidad

El miniespecial de la saga ‘Misión Imposible’:

‘Misión Imposible III’: frenética y nerviosa
‘Missión Imposible II’: mayor exageración sí era posible
‘Misión Imposible’: la reinvención del cine de agentes

lunes, marzo 12, 2012

Oscar mejor canción 2011: ‘A man or a muppet’ por Walter y Jason Segel

 

themuppets2011

No me esperaba el triunfo de la canción de ‘Los Muppets’ en las última ceremonia de los Oscar, porque sencillamente creo que ‘Río’ es mejor película y su canción tiene mejor composición que ‘A man or a muppet’. Como todos saben, ya expresé mi opinión personal por toda esta mala autocampaña que la Academia ha hecho en esta categoría anteriormente estrella. Una vergueza, volveré a decirlo.

En ‘Los Muppets’ vemos a un teleñeco llamado Walter que ha visto pasar su vida adorando el show de sus amigos muppets y a lado de su hermano mayor Gary, pero se entera que ellos han caído en el olvido y al aprovechar el viaje de su hermano y su prometida (una demasiado correcta Amy Adams) a Hollywood buscará a su ídolo: la rana René y le ayudará a organizar un reencuentro improbable, fuera de época. Para la TV actual los muppets son clásicos y menos que populares, ya no son modernos.

Canción sencilla, que se presenta en una parte clave del metraje de la película, cuando Walter se cuestiona (musicalmente) si al haber acompañado toda su vida a Gary le vuelve un humano. Y lo mismo con Gary, que tras acompañar y apoyar a Walter debe decidir dejarle hacer su destino a lado de sus cuates. Una bonita pieza y un vídeo gracioso, más por el gran cameo del mejor actor cómico de la televisión actual: Jim Parsons.

 

Créditos youtube: mrholymoly
Oscar mejor canción 2010: ‘We belong together’ por Newman Randy
Oscar mejor canción 2009: ‘The weary kind’ por Colin Farrell y Jeff Bridges
Oscar mejor canción 2008: ‘Jai ho’ por A.R. Rahman
Oscar mejor canción 2007: ‘Falling slowly’ por Glen Hansard y Marketa Irglova
Oscar mejor canción 2006: ‘I need to wake up’ por Melissa Etheridge
Oscar mejor canción 2005: ‘It’s hard out here for a pimp’ por Three 6 Mafia
Oscar mejor canción 2004: ‘Al otro lado del río’ (‘on the other side of the river’) por Jorge Drexler
Oscar mejor canción 2003: ‘Into the west’ por Annie Lennox

Oscar mejor canción 2002: ‘Lose yourself’ por Eminem

Oscar mejor canción 2001: ‘If I didn’t have you’ por John Goodman y Billy Cristal

Oscar mejor canción 2000: ‘Things have changed’ por Bob Dylan

Oscar mejor canción 1999: ‘There you’ll be’ por Phil Collins

Oscar mejor canción 1998: ‘When you believe’ por el dúo: Whitney Houston y Mariah Carey

Oscar mejor canción 1997: ‘My heart will go on’ por Celine Dion

Oscar mejor canción 1996: ‘You must love me’ por Madonna

Oscar mejor canción 1995: ‘Colors of the wind’ por Vanessa Williams

Oscar mejor canción 1994: ‘Can you feel the love tonight’ por Elton John

Oscar mejor canción 1993: ‘Streets of Philadelphia’ por Bruce Springsteen

Oscar mejor canción 1992: ‘A whole new world’ por Peabo Bryson y Regina Belle

Oscar mejor canción 1991: ‘Beauty and the beast’ por Celine Dion y Peabo Bryson

Oscar mejor canción 1990: ‘Sooner or later’ por Madonna

Oscar mejor canción 1989: ‘Under the sea’ por Samuel E. Wright

Oscar mejor canción 1988: ‘Let the river run’ por Carly Simon

Oscar mejor canción 1987: ‘(I’ve had) the time of my life’ por Bill Medley y Jennifer Warnes

Oscar a mejor canción 1986: ‘Take my breath away’ de Berlin

Oscar mejor canción 1985: ‘Say you say me’ de Lionel Richie

Oscar mejor canción 1984: ‘I just called to say I love you’ de Stevie Wonder

Oscar mejor canción 1983: 'Flashdance... what a feeling' de Irene Cara

Oscar mejor canción 1982: 'Up where we belong' de Jennifer Warnes y Joe Cocker

Oscar Mejor canción 1981: ‘Arthur’s theme (best that you can do)’ por Christopher Cross

Oscar mejor canción 1980: ‘Fame’ por Irene Cara

Hasta aquí mis amigos con este especial, gracias por seguir todas estas hermosas canciones. Estamos preparando más momentos inolvidables y seguramente nuestros próximos rumbos serán los…. superhéroes.

miércoles, marzo 07, 2012

‘Los Vengadores’: altas y bajas expectativas

s48fbt

Comenzaremos un nuevo especial mis amigos, esta vez veremos si las expectativas tremendamente grandes sobre la saga filmográfica más costosa  de superhéroes en el cine merecen o no la pena. Aunque en desorden, bien podemos apreciar el mounstruoso proyecto que se han ido montando los de Marvel en su aventura ya iniciada en el 2008. Queda claro que deseaban llegar a mayo 2012 para presentar en el cine a ‘Los Vengadores’ ( ‘The Avengers’). Se adelantaron a sus rivales de la DC Cómics y han planificado este momento casi con pinzas. En el camino empero, han tropezado muchas veces, tantas que muchos esperamos que las debilidades de sus anteriores productos no se trasladen a la visión de Whedon sobre todos estos héroes juntos. Repasemos porqué debemos temer y porqué debemos tener esperanzas.

En Pro: mucha fanaticada identificada

El superhéroe es y se hace. La filosofía Marvel cubre a humanos cuyas vidas han sido tocadas por el peso del destino como por ejemplo, Peter Parker. Asimiso, existe una cobertura a seres míticos que se relacionan con los mortales y hasta les defienden, como Thor. Décadas y años de cómics, series de televisión y videogames han logrado una base en audiencia nada pequeña: los frikis, los geeks, los nerds y la gente común y corriente. Gente que se identifica con la soberbia de Thor, la valentía del Capitán América, el sarcasmo de Iron Man ó la tragedia de Hulk. Ellos y millones de personas más esperan con ansias ver desde distintos enfoques y por varios motivos:
  • Ver juntos a sus personajes de toda la vida: el azul del Capitán América, el verde Hulk ó el traje robotizado de Iron Man.
  • Muchos querrán ver al personaje y a su persona: Iron Man y Tony Stark, el héroe y el humano. Hulk y Bruce Banner: el mountruo y el atormentado.
  • Muchos querrán fijarse en la persona antes que al héroe: habrá gente que quiera ver a Robert Downey Jr. nuevamente en su versión live action como el rico empresario que es Tony Stark, las féminas querrán ver a los dos Chris, otros veremos si la Johansson calza bien el traje…. habrá de todo.
  • Y muy pocos, donde me incluyo, veremos el film para saber si se logra controlar semejante reparto de estrellas, si se ha escrito una historia al menos interesante, si se ha logrado elevar los estandares técnicos en los campos de la fotografía, sonido, efectos especiales, montaje, etc. Deseamos ver una mano firme y a la vez fluída, una mano que conduzca por momentos dramáticos y también cómicos, deseamos mucho es verdad, hay alta exigencia… Joss Whedon podrá hacerlo tan bien con tanto presupuesto ? podrá replicar su anterior triunfo obtenido con ‘Serenity’? Preguntas que no dejan dormir. 

    avengers

    En contra: malas decisiones en 4 años

    ‘Iron Man’ es una gran película de héroes, casi al nivel de las dos primeras ‘Spiderman’ de Sam Raimi y sólo por hablar de un producto Marvel. Con el actor correcto y desatado y un Jon Favreau sorprendente, dinámico, respetuoso de la historia que estaba filmando. Una película sobre adaptación personal, sobre quitar lo material y vestirse de héroe con las mismas armas que el poder intelectual de Stark había creado para otros (terribles) propósitos. Por eso no se entiende cómo ‘Iron Man 2’ y con el mismo equipo sea una película yendo a regular, con un Mickey Rourke desaprovechado, con tanta soberbia a la hora de presentar los desmanes del capitán Rhodes y el payaso de Hammer (no culpen al actor que Sam Rockwell es uno muy bueno) dejaron una sensación amarga. Aquí falló el guión.

    ‘Thor’ de Kenneth Branagh es una decepción de puesta en escena, donde Kenneth recuerda su estilo que le llevó a la silla de director cuando nos muestra el conflicto de la realeza de Odín, pero las malas actuaciones y locaciones en la Tierra y su poca y pobre acción dañan lo propuesto, una pena. Aquí falló el director.

    ‘Capitán América’ del irregular Joe Johnston no es mucho mejor, está lleno de clichés y de una historia forzada, una aventura poco profunda y con más giros en la historia mecánica que desaprovecha a Hugo Weaving de manera aún más vergonzosa que a Rourke, pero ofrece momentos divertidos y se puede rescatar su mensaje. Es casi una película de relleno para apresurar la llegada de ‘Los Vengadores’. Aquí falla el montaje.

    Hulk es un caso para echarse a llorar. Yo defiendo mucho al ‘Hulk’ de Ang Lee en cuanto a historia y profundidad emocional pero no la defiendo en sus torpes efectos especiales; en cuanto a ‘El increíble Hulk’ de Louis Leterrier me quedo con la actuación de Edward Norton, él sólo es capaz de darle credibilidad a una historia resucitada, parece que Norton salva la historia, las escenas clave y la dirección de la película en vez del infame Leterrier. Sabía en que se metía y supo conducir a un personaje tan complejo como Bruce Banner, dió pautas para las escenas de acción pero fué traicionado por un estudio que cortó mucho de sus aportes. Norton dejó dolido al personaje y Marvel recurrió al siempre regular (y eso es un cumplido) Mark Ruffalo. Me temo lo peor, espero equivocarme.

    avengersdatos

    Veamos números: hasta el momento y según la wikipedia se han invertido 750 millones de dólares en presupuestos y se han recaudado 2.290 millones. El héroe con mayor éxito económico es Iron Man (4 $ por 1 de inversión) y el menos exitoso es Hulk. En el campo de las críticas los puntajes más altos van para Iron Man y el Capitán América mientras que los más bajos son para Thor y Hulk. Los demás ‘avengers’: Black widow, Hawkeye y Nick Fury recién tendrán su verdadero aporte en el film de Whedon, el cual tiene el presupuesto más grande de todos: 220 millones de dólares. Sobre los enemigos aparentes a batir: tengo ganas de ver si Loki (Tom Hidleston, la mejor actuación dentro de ‘Thor’) y sus amigos alienígenas ponen la nota. Joss Whedon? este muchacho merece un análisis aparte.

    Ya volveré.

    domingo, marzo 04, 2012

    ‘Hugo’; Scorsese envidia a Miyazaki

     
    hugo4
    Ahora mis amigos, me dirijo a ustedes como realmente son: hechiceros, sirenas, viajeros, aventureros y magos. Vengan y sueñen conmigo”.
    - Georges Meliés.

     

    Cuando se informaba que el siguiente trabajo de Martin Scorsese después de la fallida ‘Shutter Island’ iba a ser la adaptación de la novela ‘Hugo’ (distribuido por acá como ‘La Invención de Hugo Cabret’) muy pocos nos imaginábamos cómo este maestro afrontaría su primer largometraje en un género que no era su especialidad. Pero recordemos bien, aunque su filmografía tiene momentos oscuros y sublimes dentro del antiguo noir urbano (‘Taxi Driver’, ‘Raging bull’), en documentales de su otro gran amor que es la música (‘Shine a light’) y en el cine de género y autor en especial en cuanto a la temática del poder y el crimen (‘Godfellas’, ‘Casino’, ‘Los infiltrados’) y encargos de cine clásico demasiado exitosos (‘La edad de la inocencia’, ‘El aviador’). Estamos hablando de un mounstruo, un genio del cine de los últimos 40 años, Martin Scorsese, maestro de maestros.

    Por eso no entiendo si pudo lograr estilo en ‘Hugo’.

    Un niño y un humanoide

    Hugo Cabret es un muchacho que desgraciadamente ha quedado huérfano de ambos padres y va con su tío a trabajar en la gran estación de ferrocarril de París. Estamos en 1931 y el chaval se ocupa, entre varias cosas, a dar cuerda a todos los relojes públicos de la estación, desde los más pequeños y poco notables hasta la gigantesca que gobierna la vista de una parte de la gran ciudad. Sabe todo sobre mecanismos y sabe mucho de la dureza de la vida, incluso llega a pensar en la ciudad y sus habitantes como piezas sofisticadas de un mecanismo más grande. Conoce a un viejo vendedor de chucherías dentro de la estación de nombre Georges y a su ahijada Isabelle, (una Chloe Moretz menos aprovechada de lo normal). Comienza a trabajar para él, para así completar de arreglar un humanoide con el que trabajaba con su padre. Poco sabrá de que todos estos pedazos de su corta vida están conectadas por una extraña magia de la nueva sociedad que pasa por sus ojos: la magia del cine.

    Pues sí, es otra película dedicada a homenajear a los primeros años del cine, hay numerosas referencias tanto históricas como reales y de ficción a clásicos del cine (demasiado clásicos diría yo) pero dentro de un contexto histórico traído al siglo XXI gracias al uso de la actual tecnología, de esta manera podemos ser privilegiados espectadores de una dirección artística, una fotografía y un vestuario bellísimos, no hay cómo discutir esta maravilla técnica que nos ofrece ‘Hugo’, aunque para ello se haya tenido que gastar casi 170 millones de $ en presupuesto.

     

    HUGO

     

    Sobre el elenco actoral tampoco hay grandes fisuras, este muchacho Asa Butterfield cumple raspando mientras Chloe, el gran Ben Kingsley y Christopher Lee ponen profesionalidad y credenciales. Menos afortunados están Jude Law y Sacha Baron Cohen (imagínense, jeje), cuyos personajes tenían más posibilidades en esta historia, uno como el padre de Hugo y quien le da las mejores instrucciones para que viva una vida y el otro por colocar la comedia dentro de esta propuesta que iba a dirigida a drama y que gracias a toques como su personaje puede virar a rumbos de cine familiar; pero reitero que no salen muy aprovechados. Con todo esto ‘Hugo’ justifica la gran maravilla técnica que es, justifica la preciosa nostalgia que quiere representar, es hacer cine actual homenajeando a épocas anteriormente gloriosas del cine y de la sociedad contemporánea, se entiende casi todo del éxito que tuvo entre críticos, pero la audiencia no se entusiasma mucho con ella, porqué?

     

    El maestro japonés y las estructuras que se notan en ‘Hugo’

    No conozco si alguna vez Martin Scorsese tuvo algún encuentro con Hayao Miyazaki pero me imagino que ha debido ver alguna de las películas de esta otra leyenda viviente que es el sensei japonés. Pero se nos ha informado otra cosa. Que ‘Hugo’ está basada como adaptación de la novela de Brian Selznick y el guión de John Logan (’Gladiador’, ‘El aviador’). Comparemos con la labor del director japonés. Sabemos que a Hayao Miyazaki le gusta adaptar varias novelas y relatos fantásticos especialmente europeos (‘El castillo ambulante’) tanto para él como para Ghibli. Entonces porqué habría de sorprender esta aparente similitud? La mayoría de los trabajos de Miyazaki cuentan con niños como protagonistas, escenarios bellamente visualizados y presentados, movimientos, un conflicto con alguna otra generación anterior, adultos y gente senil en problemas y unas historias secundarias interesantes que siempre giran como extensión a la propia película, éste es lo que hemos conocido como el gran estilo Miyazaki: ternura, drama, belleza estética y fantasía dentro de la realidad.

     

    hugo3

     

    Con ‘Hugo’ se nota a todas luces que Martin Scorsese quería hacer una obra como Miyazaki pero con actores de carne y hueso, con los mismos ingredientes: niños en aventuras, adultos en conflicto con el pasado, secundarios cómicos (como el oficial de Baron Cohen) y una dirección artística de alto nivel. Hay envidia, casi puedo asegurarlo, pero Scorsese es también humano y las lagunas y falencias de la película se notan de forma pronunciada: la ausencia de un villano y lo previsible del guión al final son lastres que no le suceden a Miyazaki pero que sí ocurrieron en ‘Hugo’. Claro que no son géneros que se puedan comparar, tanto la animación como los films normales suponen esfuerzos diferentes y separados, pero es que el presupuesto destinado me hace pensar que con un mejor guión y un Scorsese más genuino y menos mecánico se hubiese tenido una mejor película.

    Iba de aventura, quiso ser misterio y drama, terminó siendo homenaje. Hayao Miyazaki mete aventura, misterio, drama, homenaje y sensibilidad y uno (maravillado) no sabe cómo lo hizo, Martin tampoco.

    viernes, marzo 02, 2012

    La saga Millennium: ‘La reina en el palacio de las corrientes de aire’

      TGWKtHN3

    No hubieras entendido que tocarte, pudiera ser parte del tratamiento”

     

    La última vez que vimos a nuestra heroína estaba siendo masacrada ni más ni menos que por su propia familia, un padre cruel e inhumano y un hermanastro incapaz de sentir dolor. Lizbeth sobrevive de milagro y en una escalada de violencia va tras sus torturadores, ella queda atrapada al final y siendo recluída primero al hospital para luego afrontar un juicio que sus enemigos ya le tienen preparado. Mientras su padre enfrenta casi la misma situación, hospitalizado y a merced del grupo de poderosos corruptos que desean callarle, el rubio se las arreglará para sobrevivir y esperar el confrontamiento con Lizbeth.

    Todas las formas de la violencia a la mujer

    Hay una suerte de nostalgia en esta tercera parte de la trilogía millenium, y hay que darle mérito a todo el equipo de producción que hizo lo mejor que pudo basándose en un guión ya de por sí difícil. Porque hay que reconocer algo, si bien no me leí ninguna de las novelas (no me interesan ya que pienso que cada película debe ser autónoma y auto sostenible) se intuye que la mayor carga de este drama es la recuperación física de Lizbeth, la ayuda de parte de Mikael y su hermana y su enfrentamiento con sus enemigos que la desean recluir nuevamente en el lugar donde estuvo encerrada en sus años más difíciles.  Existe un desafío grande en esta nueva prueba que le prepara el destino a esa alma atormentada que es nuestra chica, y es que Salander ya ha visto lo que es capaz el hombre (el varón) en cuanto a la violencia física, cuando investigaba la desaparición de Harriett en ‘Los hombres que no amaban a las mujeres’. Ha visto y sentido el horror de la violencia familiar -yo diría odio familiar - tras enfrentar a su pasado en ‘La chica que soñaba con cerillos y un bidón de gasolina’. Ahora deberá enfrentar esa forma de violencia silenciosa, oscura y moderna, creada por los sistemas machistas en todos los países para apoyar a hombres inmorales y sin utilidad en la sociedad: la violencia legal. No debe haber justicia.

    salander-hospital

    Claro que Larsson y su historia debía tener una forma contestataria en la persona de la hermana de Mikael, abogada y comprometida con la causa que significa apoyar a Lizbeth. Annika personifica a la profesional correcta, humana, amiga y asesora de un juicio injusto impuesto por enemigos visibles e invisibles, a quienes siempre les afectará su naturaleza retorcida, existen debilidades incluso en los más perversos.

    Filmada con toda la belleza de Suecia, los planos y la fotografía presentados tienen una preciosa definición, las salas de hospital y las salas de los juzgados tienen oscuridades reales y tenues que sirven para no entorpecer la presencia de Salander en ningún caso. Empero, se hecha de menos un director con mayor firmeza, mayor manejo de actores. Daniel Alfredson en este sentido se nota más limitado que su hermano menor, consecuencia de ello es que tenemos una estética cercana a una serie televisiva, menor exigencia actoral, ligera y muchas visión ingenua de hombres muy malos pero torpes, con una edición demasiado extensa e innecesaria, eso explica la caída del ritmo y que la diferencia narrativa sea pronunciada.

    Hemos llegado amigos al final de este miniespecial, se rumorea que Stieg Larsson planificó una cuarta novela sobre nuestra chica con el dragón tatuado pero murió, no pudo ver cómo su obra (más allá de saber si es buena o mala, no las leí) se convertía en la novela moderna y la saga literaria adulta más famosa de los últimos años. Los europeos aprovecharon su fama y la acrecentaron con estas tres películas y que en estido sentido cinematográfico fueron decayendo en ritmo, suspenso y calidad. Talvez otro guión adaptado, tal vez otro director con mayores luces y talvez otro enfoque al problema legal que tanto daña a nuestras sociedades.

    TGWKtHN1


    Pero seguiremos hablando de Lizbeth, Larsson y su adaptación norteamericana, cómo no, de la mano del maestro David Fincher.

    La Saga Millennium: ‘La chica que soñaba con una cerilla y un bidón de gasolina’
    La Saga Millennium: ‘Los Hombres que no amaban a las mujeres’