jueves, diciembre 29, 2011

‘Missión Imposible II’: mayor exageración sí era posible

 
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No vas a disparar Sean!. No a ésta ‘perra’, porque ahora vale 37 millones de libras!!”.
- Nyah (Thandie Newton).

 

Para el año 2000 la noticia era la segunda parte del agente Ethan Hunt, nuevamente bajo la producción de Tom Cruise y Paula Wagner pero esta vez con una estrategia comercial acorde con los tiempos que se estaban viviendo. los inicios del nuevo milenio. Pero Tom Cruise seguía con sus aires de omnipotente y su orgullo le exigía cambiar radicalmente al personaje perseguido y calculador de la primera parte; se exigía un cambio radical, de mayor brillo y de mayor espectacularidad y vaya cómo lo consiguió.

Para semejante cambio y semejante alcance se necesitaba un director de acción. Y ése director era John Woo, el oriundo de Hong Kong tenía una vida curtida en el cine de acción de su país y su llegada al occidente estaba consolidada gracias a hits del género como la interesante ‘Código Flecha rota’ (1996) y la imprescindible ‘Contra Cara’ (1997), tenía un estilo que no era nada del otro mundo pero se basaba en el montaje fastuoso de escenas de acción con el abuso de la cámara lenta en situaciones extremas y con música de suspenso en alta tensión, fuera de eso también se le reconocía unas fotografías bien cuidadas y una buena dirección de actores. A pesar de su edad (tenía 55 en ese momento) era considerado un director moderno y firmó para dirigir a Cruise en MI2. No sólo eso! no pudo imponer toda su visión creativa y su patrón le exigió no preocuparse, porque él haría todas las escenas de acción.

 

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El guión era simple a más no poder y que casi se asemeja a un sobrante de cualquier film de James Bond: una compañía biofarmacéutica crea una enfermedad devastadora y su propia cura, entonces el científico que ha trabajado en este proyecto es engañado y el agente Sean Ambrose del MIF intenta robarlos para tener a su control tanto el virus como su antídoto. Como Sean era el reemplazo de Hunt en muchas misiones era obvio que Ethan ingrese a solucionar este conflicto y no sólo eso, para armar su equipo se le exige recrutar a Nyah (una preciosa Thandie Newton), anterior novia de Sean para lograr el mayor acercamiento posible. Créanme, un triángulo amoroso de cuyo desarrollo depende el mundo entero.

En lo personal me gustó ver un cambio en el comportamiento de Ethan, emocionalmente más involucrado y sentimentalmente preocupado por la situación de Nyah, quien a su vez me parece un personaje bien concebido y que Thandie Newton le da una sensualidad y carisma casi automáticos, muchos no lo vieron así, pena por ellos. De principio veremos la ambición del traidor Sean Ambrose (un sobreactuado Dougray Scott), las habilidades femeninas de Nyah y el histrionismo – vuelvo a repetir, exagerado - de Tom; el regreso de Ving Rhames y la fugaz aparición de Anthony Hopkins completaron el cast.

El guión volvía a ser obra de Robert Towne, un habitual de Cruise que ya había trabajado en films como ‘Días de trueno’ y ‘La Firma’. Esta historia –para el agrado de Tom – exigía un lucimiento exagerado del personaje principal y la manera de reintroducir al personaje: haciendo montañismo libre, no sólo conseguía enganchar desde el principio, elevaba demasiado las expectativas. Pero un film como este necesitaba buenas locaciones y en efecto sí lo fueronfueron España y Australia además de buenos secundarios, todos ellos cumpliendo las reglas del director y éste sirviendo a la visión de su contratante.

 

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Técnicamente inobjetable, una fotografía y una edición de sonido dignos de una producción de 125 millones de dólares de presupuesto. La música de Hans Zimmer correctísima y una banda sonora que incluía a Limp Bizkit y Lisa Gerrard completaron este paquete comercial que arrasó en el mundo. Todo se saldó con un ingreso de 546 millones pero los más críticos y muchos fans la consideraron un retroceso con respecto a su antecesora debido – con justificación -  a unos diálogos bajos, una ostentosa artificialidad y una notable ausencia de la esencia de esta saga: las misiones de engaño, misiones ‘imposibles’. Aunque me pareció injusta el film obtuvo dos nominaciones a los razzies.

Pero Tom Cruise era inmune a todo ello y nosotros sabíamos que tarde o temprano tendríamos secuela.

sábado, diciembre 24, 2011

Satoshi Kon: ‘Los padrinos de Tokio’, la navidad de los marginales

 
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Nada debería obligar a alguien a abandonar a un hijo! Significa que se tomó el amor y se tiró… como la basura”.
- Hana.

 

No habría de pasar mucho tiempo (sólo 2 años) para que el 2003 Satoshi Kon vuelva a dirigir una película, pero ni sus más fieles admiradores ni la industria cinematográfica japonesa se esperaban que la temática de la nueva aventura de Satoshi sensei fuera una película cruda, visceral, terrenal, urbana, oscura, lineal, dramática y por increíble que parezca… navideña. Estamos pues ante ‘Tokyo Godfathers’.

Keiko Nobumoto ya tenía experiencia como jefa de historias de la mítica ‘Cowboy Bebop’, ella y Kon desarrollaron una historia de relato humano y lejos de las tramas psicológicas y alucinantes de las anteriores obras del director, quien a su vez asumía el reto completo de girar 180 grados en su habitual estilo. Cómo sino explicar, a raíz de su gran talento y valentía, que haya salido artística y comercialmente triunfante de este impresionante film? Vamos paso a paso.

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Tres marginales y una angelita

Hana es una drag queen homosexual que debido a un escándalo en su club ha decidido vivir en la calle, Gin es un ex corredor ciclista que ha perdido a su esposa e hija y Miyuki es una joven que ha abandonado su hogar tras apuñalar a su padre. Tres pobres habitantes en Tokio en vísperas de navidad que ya se conocen de mucho tiempo y que no se perdonan sus pasados. El destino quiere que los tres se encuentren con una bebita abandonada, así como lo oyen, una niña bebé abandonada en un basurero. Le bautizan como Kiyoko (‘niña pura’) y de repente todas las emociones se cruzan en sus vidas: la sorpresa, la negación y la determinación de salvar a la beba y llevarla con sus padres… pero por dónde comienzan? porqué la abandonaron? es que no la querían? la niñita sirve a Hana para ejercer de madre aunque sea una sola vez en su miserable vida, a Gin para recordar que alguna vez fué padre y a Miyako para recordar que nació niña y no supo la sociedad entenderla.

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Pero en su aventura descubren que las cosas no son como parecen, las personas se dividen en muy buenas y muy malas, que la bondad puede encontrarse en cualquier parte y que el horror de sus vidas no es la única porque existen muchos otros marginados. Kon, como el genio que es, utiliza a la ciudad de noche y de día la utiliza sin luz, casi nublado por completo, con la nieve como elemento común y con el sufrimiento de la gente como inicio de este recorrido por las almas urbanas. Los tres compañeros se sujetan en una misión complicada que es salvada una y otra vez mediante coincidencias (o será que el tema es el destino, Satoshi sensei?) que les hace replantear su situación. Hana recuerda su pasado, Gin se encuentra con su pasado y Miyuki se topa con su presente, mientras que el futuro de nuestra beba se debate a cada instante: en una mansión lujosa, en un bar clandestino, en una casa destruída, retratos de un mundo consumista que ignora las almas de sus habitantes.

Obra que homenajea y obra que influye

Sin duda una obra que se debe al cine urbano de finales de los 70s, en especial del toque americano o neoyorquino; con toques de humor que alivian la extrema crudeza visual de sus escenarios, humor que dicho sea de paso es muy occidental. La animación típica del estilo de Kon encaja perfectamente con la planificación artística y técnica: los barrios, las calles, los edificios y la fotografía todos soberbios, utilizando colores grises y oscuros que van variando lentamente hacia los colores vivos según las exigencias del guión; punto máximo en la escena final donde se percibe casi un milagro y donde la luz logrará esa sensación que Kon busca. Casi sin fisuras, ‘Los padrinos de Tokio’ recibió la aclamación de la crítica y del público y logró conmover audiencias en todo el mundo. Aquí en Bolivia logré verla en la red ATB una madrugada de diciembre en vísperas de navidad (como hoy!) y siempre me acompaña en los recuerdos, como retrato crudo y redentor de lo que son capaces las personas, para bien o mal, para querer o para olvidar.

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El éxito de esta realización explica porqué uno de sus admiradores más fieles, Darren Aronofski, no tuvo problemas cuando tuvo que dirigir otra obra terrenal, dramática y marginal tras la polémica levantada en ‘The Fountain’, sino recuerden ‘El Luchador’ tanto en tonos como en formas. Kon confirmaba lo que se decía de él, que es un director de culto.

Mis amigos, felices fiestas a todos!!!

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Sigue el especial de Satoshi Kon en el blog:

Satoshi Kon: ‘Millennium Actress’; la épica historia de una promesa
Satoshi Kon: ‘Perfect Blue’; obra visionaria del horror psicológico
Satoshi Kon: El guión de ‘Rosa Magnética’ dentro de ‘Memorias’
Satoshi Kon: supervisando ‘Patlabor 2 The Movie
Satoshi Kon: ‘Roujin Z’, animador para un relato de dignidad en la tercera edad
Nuevo especial se aproxima: el gran Satoshi Kon

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jueves, diciembre 22, 2011

Video: Christopher Nolan y sus juegos mentales

 

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‘The Dark Knight Rises’ (‘El Caballero Oscuro emerge’) está en el medio del ojo del huracán desatado hace 7 años cuando la Warner le dió el 110% de su confianza a éste director para manejar una franquicia enterrada por ellos mismos. Ya le hemos hecho un especial y cuando sea el momento tendremos que asistir al fin de su trilogía, de su versión del héroe más complejo y fascinante que haya saltado del mundo de los cómics y ha viajado muy bien éstos últimos años en el cine: Batman.

Pero como Bruno Díaz y Batman es un conocido nuestro, necesitábamos una vuelta de tuerca en ese mito oscuro que es aquel personaje millonario de día y justiciero de noche. Para girar nuestros tornillos debemos conocer al creador: Nolan como pocos tiene ese talento heredado de muchos maestros del cine para envolvernos con historias como juegos mentales, donde los giros de argumento son impresionantes, donde hay mucha melancolía por el estilo Kubrick o Tarkovski, donde hay mucha expectación y sobre todo, mucho respeto al público y su inteligencia. ‘Following’, ‘Memento’, ‘Insomnia’, ‘Batman Inicia’, ‘El Gran Truco’, ‘The Dark Knight’ y la última ‘Inception’ son pruebas de ello.

Bonito video, para dar cuenta regresiva al alzamiento del Caballero Oscuro, julio 2012:

En el blog recordemos los films del maestro:

Chris Nolan (1/7): ‘Following’, la declaración de intenciones
Chris Nolan (2/7): ‘Memento’, vivir en el momento, morir en el olvido
Chris Nolan (3/7): ‘Insomnia’, la vida sin reposo
Chris Nolan (4/7): ‘Batman Inicia’, el cine de héroes reinicia
Chris Nolan (5/7): ‘El Gran Truco’, las rivalidades obsesivas
Chris Nolan (6/7): ‘El Caballero Oscuro’, el control de la anarquía
Chris Nolan (7/7): ‘Inception’, el lugar íntimo llamado hogar

miércoles, diciembre 21, 2011

‘Transformers: El lado oscuro de la luna’; espectacular pirotecnia sin pena ni gloria

 
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- Nosotros fuimos dioses alguna vez, todos nosotros!! Pero aquí…
- No lo hagas….
- … Aquí sólo puede haber UNO!!!.
- Éste es MI planeta!!! ”.
(Sentinel, Optimus y al final Megatrón)

 

Y aquí estamos de nuevo, comentando la que debería ser la última entrega de los Transformers versión Michael Bay, esperaban una peor película que la terrible segunda parte? ó esperaban cine de acción con inteligencia, cine de emoción con argumento, ó por lo menos… cine de entretenimiento con palomitas para devorar?. Pues visto lo ofrecido ni lo uno ni lo otro.

Una producción agotada con una sola idea y una sola escena

Y esa idea es… que uno de los sentinelas de Cybertron traicione el pasado de los transformers e intente traer a su planeta a la órbita terrestre, que debíamos haber averiguado eso en 1969, fuera de eso hablamos que los autobots deben marcharse por diferencias con unos pocos humanos y luego intenten salvar a la humanidad en una ciudad americana, digamos Chicago y digamos con las banderas americanas en primer plano. Como gancho para los fans de los films estará Shia Labeuf (a quien extraño más en esos films independientes ó de autor que hacía) y como ya no está Megan Fox introducimos a la modelo aspirante a actriz Rosie Huntintong-Whiteley. Muchos extras, muchos efectos, menos revoluciones y desorden por segundo (se agradece) y muchos planos secuencia que dejen maravillada a la gente que luego pensará haber visto la mejor película de robots que haya existido en el cine. No nos podemos dejar engañar.

Discrepo con este nuevo estilo que tiene Michael Bay, alguien que parece tocar su propio techo por no tener exigencia en la dirección de historias y habiendo perdido la mano dirigiendo actores. Extraño su pulso firme y equilibrado que nos hacía interesar ya sea viendo a Nicolas Cage ó Sean Connery ó Ed Harris en ‘La Roca’; también extraño su propuesta de estilo videoclip que manipulaba nuestros sentimientos en ‘Armaggedon’. No hay ni lo uno ni lo otro. Perdón, sí existe el Michael Bay de ‘La Isla’, tan poco autoexigente, poco firme y para colmo de los males, cortando y pegando planos de esa ligera película, más otras venidas de ‘Pearl Harbor’ y ‘La Roca’.

Y eso ya es un mal síntoma. Significa que se tiene una mala economía de recursos ya que tras darle luz verde con 195 millones de dólares (cúantos requirio Neill Bloomkamp para ‘Distrito 9’?, ah, 30 millones) no le alcanzó para cubrir post producción y requirió meter material de archivo de sus propias escenas –acaso pensaba que nadie se daría cuenta?- además como relleno porque la destrucción de Chicago, y esto no puedo negarlo, sí está creíble.

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Pero fuera de lo creíble es ver al personaje de Rosie no hacer nada con una ciudad derrumbándose, no es creíble que luego se le ilumine la conciencia y le hable a Megatrón como niñera al niño que se ha portado mal, no me creo que tras derribar un edificio –la ‘única’ escena novedosa en general -  al vestido blanco de Rosie (y su rostro) no se le vea ni un solo escombro ni daño; es inverosímil que tan pocos humanos se interesen en salvar las millones de vidas de la urbe y es inadmisible que pocos humanos sigan siendo los malos del mundo, amén de que buenos o malos sean yankees. No hay crecimiento actoral en Shia, me preocupa que parezca cansado de su personaje y que haya perdido el carisma de la primera película pero más me preocupa saber que a Bay no le interesa revisar ni los diálogos ni preparar a sus actores para que sean menos sobreactuados en el montaje final; creo que sabe que la mayoría no se dará cuenta y nos estarán mandando imágenes sobre exageradas en secuencia a nuestras retinas.

No lo veo mal, después de todo disfruto ver escenas de acción hechas de forma artesanal como los autos en el puente de ‘Bad Boys 2’, pero cuando el CGI le inunda todo el montaje pierde a los actores y éste film es la mejor muestra de una dirección que ha perdido el control. Parece más suelto dirigiendo a los robots. Ojalá sepa cómo salir de sus limitaciones y vuelva a ésos films donde importaba tanto la historia como la forma de presentarla.

Porque ‘Transformers: el lado oscuro de la luna’ sólo ofrece mucha pirotecnia, mucho ruido y poca historia.

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jueves, diciembre 15, 2011

‘Misión Imposible’: la reinvención del cine de agentes

 
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Luz roja!… luz verde!!!”.
 

Como estamos a punto, a tan sólo días de la llegada de la cuarta parte de la saga más esperada por los fans de Brad Bird, y luego por los fans de la serie y del concepto llamado ‘Misión Imposible’ seguido por los fans de Tom Cruise–los que quedan tras botar la mitad de su reputación en el show de Oprah– , es que nos vemos en la obligación moral y personal de reseñar las películas que hizo este interesante actor, con sus luces y con sus sombras, como todo.

Modernizando las misiones imposibles

Primero hay que comenzar con un dúo, conformado por Tom Cruise y Paula Wagner quienes adquirieron los derechos de la serie televisiva para que Tom fungiera como productor y contrate según sus gustos particulares a toda una industria a medio camino entre los profesionales clásicos (amantes de la serie) y profesionales modernos (de mediados de los 90s y donde algo llamado Internet debía nombrarse). Ésta es la verdadera figura de Cruise: el empresario con un gran olfato comercial, y de paso corriendo varios riesgos que amenazaban la idea de hacer una película sobre la mítica serie norteamericana y mundial. Vamos, hay que admitirlo, esta su visión del concepto dividió a medio mundo, sirvió para que nuevas generaciones se enteren de lo que iba la IMF y para que otro tanto la detestara por tocar a uno de los íconos del show.

 

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Puede que no recuerden los más jóvenes pero cabe rememorar que Cruise era amo y señor de Hollywood a principios de los 90s, tal era su poder que sus límites de actor los ponía él mismo, no sabíamos que estaba en la Cienciología pero sabíamos que se sabía una superestrella en toda la extensión de la palabra. En 1993 había presentado la endeble ‘The Firm’ pero el 94 sorprendía con su impresionante Lestat en ‘Entrevista con el Vampiro’; cuando se supo que iba a producir y supervisar su nueva adquisición y que éstos eran  nada más y nada menos que los derechos de MI todo Hollywood encendió el hype, se elevó al expectativa y se esperaron todas las noticias posibles. Puede que la parte más difícil fuera encarar el guión complejo y antihistórico de Robert Towne pero Tom es Tom y se dió modos para traer un maestro en conflictos de poder y ambición: la elección de Brian de Palma (que había rodado la tremebunda ‘Carlito’s Way’ con Al Pacino antes de aceptar este encargo) sin duda fue todo un acierto. Súmenle a ello 80 millones de presupuesto y vean cómo el riesgo es asumido como azúcar en café caliente.

Tom es el agente Ethan Hunt, miembro de la IMF y Jon Voight es Jim, el cerebral líder del equipo de Ethan; el robo de una lista ficticia con los nombres de los agentes de Europa oriental es supuestamente el motivo para la acción del equipo para capturar al soplón dentro de la CIA. La ejecución del plan conlleva una traición y el equipo de Hunt es asesinado quedando solamente con la compañía de la esposa de Jim (una bellísima Emmanuelle Béart) mientras son perseguidos como los sospechosos de la trampa que se las ha tendido. Ethan deberá aliarse con el enemigo, rearmar un equipo nuevo, viajar por Virginia, Londres y París, encontrar al traidor y arreglar este problemón antes que la CIA le capture.

 

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Jim es el traidor!!!

Polémico fué – lo recuerdo como si fuera ayer – las primeras impresiones del film. Fué un exitazo total debido en gran medida a la presencia de Cruise y esas escenas diseñadas para quedarse en la historia del cine de agentes secretos: como el mítico robo contra la gravedad en Langley ó la peligrosa incursión en el tren transcontinental. Queda en la retina y en la memoria la memorable banda sonora (la original de Lalo Schiffrin y la nueva de Adam Clayton y Larry Mullen de U2), así como la sensación de un buen nivel técnico: fotografía, montaje, sonido y unos efectos especiales cuidados a más no poder aunque es justo decirlo, con fallas al final (manejando un elemento siempre difícil como el helicóptero dentro de un túnel). Pero se ve la mano de un director experimentado, que si bien no explota todas las novedades que podían arriesgarse sí logra sostener el film sólo con Cruise (como debió ser su intención) y no tiene el más mínimo temor de presentarnos como villano a un Jim corrupto, hastiado y enojado con sus patrones; los actores están pues, demasiado correctos.

Vuelvo a mencionar que estamos en 1996 y tras el debut millones de espectadores quedaron satisfechos así como una buena porción de la crítica, empero los puntos oscuros sobre ‘Mission Imposible’ a través del tiempo son muy evidentes: Cruise hace de Ethan un muñeco mecánico inteligente pero sediento de venganza, la maldad de Jim no se justifica de manera completa y el guión es tan lineal y rápido que no se detiene en profundizar en los personajes (ó en el agente Hunt) de manera que podamos sentir más allá del cine de suspenso y entretenimiento que nos venden.

Digo, que nos vendieron y que dos películas después seguimos comprando.

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domingo, diciembre 11, 2011

‘Happy Feet 2’: más infantil y menos musical

 
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Cada paso cuenta”.
 

5 años han pasado desde que tuvimos esa desgarradora e impactante primera película de animación sobre pinguinos llamada ‘Happy Feet’, un film atípico, demasiado dramático en sus alcances gracias a un maestro en dirigir historias de soledad y búsqueda interior como es George Miller quien repite en esta ocasión y que también tenía una fuerza musical y una puesta en escena visual muy potentes, se llevó el Oscar a la Mejor película animada en los Premios Oscar de ese año ganándole de manera sorpresiva a la favorita ‘Cars’ de Pixar.

Ya no hablemos de talento, hablemos de identidad

Mumble y Gloria son ahora los líderes del territorio pinguino Emperador, la cantante y el bailarín reemplazan al padre y la madre de Mumble como los estandartes de sus compatriotas. Erik, hijo de ambos, comienza su rutina infantil inicial pero no demuestra talento musical alguno de forma que cae deprimido a corta edad. Tras seguir a Ramón a la otra nación pinguina descubre que todos ellos se sienten fascinados por Sven, un ave que se hace pasar por pinguino volando y contando su experiencia con los humanos. Es justamente la capacidad de volar y la experiencia de Sven que influyen en Erik más que su propio padre, algo que seguramente no debe ser del agrado de alguien que intenta criar a su hijo. Mientras tanto dos pequeños krills (algo como pulgas en forma de calamares, disculpen mi ignorancia) de nombres Bill y Will se separan de su numeroso grupo, Will sueña con otra identidad y otra vida más allá de la rutina de existencia en los millones y millones de krills de su bancada mientras que Bill sólo le presta amistad y compañía, dos diminutos bichitos que tendrán a lo largo del film su propia aventura.

Y como la tierra va cambiando sucede una tragedia: se desprende un gran témpano y los pinguinos del territorio Emperador quedan atrapados de forma completa, Mumble retorna con los niños aventureros de la nación de Ramón y encuentran a su pueblo en problemas, mientras trabajan todas las formas de proveerles de comida y de esperanza muchos otros asistirán a colaborarles, la otra nación pinguina lo intenta, los humanos expedicionarios lo intentan pero el tiempo se les va acabando y el hambre y la locura hacen carta de presentación.

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Pues miren que tenemos una historia interesante e incluso se puede decir que el nivel técnico presentado no tiene fisuras: ahí están los pinguinitos que ya conocíamos, así de tiernos y así de conflictivos, con sus cosas buenas y malas y son una extensión de esa primera parte. Pero falta algo, algo que baja su puntuación global lejos de la sorpresa que supuso ‘Happy Feet’ y creo que esa ausencia radica en haber debilitado dos grandes fortalezas de la anterior película: los números musicales y la puesta dramática, existen ambos es esta secuela pero no superan lo anteriormente visto. Las canciones prometían (con ese inicio con LL Cool J y Justin Timberlake) y el drama podía presentarse con la trampa mortal a la que es sometido el pueblo Emperador, pero el guión no explota todas las ideas, los diálogos bajan de tono, se nota que desean ser amplios en audiencia y en ese sentido parece ser más infantil, todo un tiro en la culata.

Los bichitos que salvan el show

Ahora, si las cosas no me fallan encontré mucho entretenimiento y mucha coherencia con la aventura paralela de Will y de Bill, dos pequeñas criaturas buscando una vida más grande e inimaginable que el diseño natural que se les dió a los de su especie, me gustó esa humilde historia y me agradó la conexión con la historia principal, no salen lo suficiente y el doblaje latino que se vió en el cine no les hace justicia, dicen que Brad Pitt y Matt Damon están muy bien en la versión original (me compraré el DVD por nada más) aunque faltará la voz original de Gloria, me entristece pero es justo recordar lo bien que estaba la primera parte con Brittany Murphy, qepd.

Happy Feet Two

No es el éxito que sus productores esperaban y queda muy abajo en calidad musical de su antecesora, talvez la versión de los pinguinos y elefantes marinos de ‘Under Pressure’ de Queen y David Bowie se me pueda quedar en la memoria; más que suficiente, con eso supera lo decepcionante que fué –en lo personal – asistir al visionado de ‘Cars 2’, hasta ahora la mas floja en su categoría en este año.

viernes, diciembre 09, 2011

Escenas inolvidables: la conversación de Shaka de Virgo con Buda en ‘Los Caballeros del Zodíaco’

 
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Shaka, ¿porqué estas tan triste? tan sólo tienes 6 años y a pesar de ello te sientas ahí todos los días a llorar, qué es lo que te preocupa?.
- Hoy ví muchos cuerpo muertos flotando en el río Ganges y en la orilla peregrinos de toda la India se purificaban, tuve la impresión de que celebraban la
muerte en lugar de la vida, porque es tan pobre este país donde nací??, parece que solo nacemos para sufrir y lamentarnos, la gente vive sólo entre desgracias.
- Shaka, eso te pone triste?
- Claro, ¿quién quiere una
vida llena de tristeza?.
- Estás equivocado
Shaka, donde hay tristeza hay alegría, y es lo mismo de otro modo, hermosas flores florecen pero eventualmente mueren, todo en este mundo va cambiando, siempre en movimiento, nunca igual, todo cambia, la vida del hombre es igual.
-  Pero si la
muerte es inevitable debe ser que la tristeza es quien domina nuestras vidas! aún cuando superemos el sufrimiento… busquemos amor y felicidad, la muerte lo unificara todo, no entiendo… ¿porque nacemos en este mundo cuando no podemos desafiar algo tan completo y eterno como la muerte?.
- Shaka… parece que lo has olvidado
- ¿Olvidado?
- La
muerte no es el final de todo, sólo es el siguiente paso

 

Recordando hasta ahora la última saga de ‘Saint Seiya’ que se conocío acá como ‘La Saga de Hades’ es que podemos rememorar ese impresionante comienzo en los primeros 12 episodios, donde Hades envía a sus espectros para asesinar a Athena y de esta forma reinar en el mundo de los vivos. En esta aventura tres caballeros dorados ya fallecidos han vuelto a la vida y van por un sendero peligroso: Saga de Géminis, Camus de Acuario y Shura de Capricornio; quienes se infiltran en una misión suicida, de doble persecución y de mucha valentía, para llevar el mensaje a Athena deberán enfrentarse a Shaka de Virgo en una de las batallas más recordadas de esta épica serie, donde también seremos bendecidos con la visión de los dos árboles gemelos de sal.

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Fuera de este contexto de aventura se tiene una escena de alto valor espiritual, que implica la niñez de Shaka y sus dudas tan profundas sobre la vida, el sufrimiento y la muerte, trabajada con una belleza artística pocas veces visto en los muchísimos capítulos de Los Caballeros del Zodiaco y que presenta enseñanzas del Budismo dentro de un contexto dramático (la pelea entre los caballeros dorados) y que sale airoso en su presentación.

Disfruten esta preciosa escena inolvidable:

martes, diciembre 06, 2011

Brad Bird: dirigiendo a ‘Los Simpson’

 

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Después de la traumática experiencia en ‘The Plague Dogs’ Brad comienza un período personal diferente en lo profesional y que le aleja de sus trabajos habituales de animador. Cinco años después retoma su labor centrándose en un camino diferente del animador normal, para ello trabajaría para una producción de Steven Spielberg llamada ‘Amazing Stories’ , una serie que cambiaba siempre de temática variando entre la ciencia ficción y el misterio. Era 1987 y pronto llegó a escribir y dirigir un episodio de la segunda temporada llamado ‘Family Dog’ (cuándo no) donde el protagonista era la mascota de la familia Binford, una familia disfuncional americana (prototipo de lo que vendría a ser luego ‘Los Simpsons’). Como anécdota comentarles que Tim Burton se encargó del diseño de los personajes.

Tras la repercusión mediática de este trabajo se propuso que se convirtiera en una serie de televisión, Brad se negó a continuar con el emprendimiento dejando el proyecto y alegando que el mismo no tendría futuro en el medio televisivo. Pronto vendría su primer encargo para un film con personajes de carne y hueso co-escribiendo el guión de ‘Baterías no incluídas’ (conocido por nosotros como ‘Milagro en la calle 8’) dirigido por Matthew Robbins y que como recordamos contaba la aventura de dos micromáquinas extraterrestres salvando a unos humanos en Nueva York, dónde más.

Y llegaron los 90s

Quizás su prestigio ganado por ‘Family Dog’ le sirvió para que la Cadena FOX le involucrará en el equipo creativo del show ‘Los Simpsons’, que ya estaban en el camino de la independencia del Show de Tracey Ullmann. Bird dirige el episodio No. 12 de la primera temporada: ‘Krusty gets busted’ que es todo un clásico hoy en día, es el capítulo de la trampa que le tiende Bob Patiño a Krusty el payaso con la consiguiente colaboración de Bart y Lisa. no sería la primera dirección de Brad ya que pronto repite para el recordado capítulo ‘Like Father like clown’ donde Krusty y su padre, un rabino judío intentan reencontrarse, éste es un episodio de la tercera temporada, que cerraba aquella época de Los Simpsons que conocemos ahora como la etapa familiar.

 

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A Brad siempre le gustó el diseño y la personalidad de Krusty, en esos dos capítulos se nota su cariño por darle una dimensión muy humana, tanto en el conflicto de la traición sufrida como en el sufrimiento por el padre que le rechaza; quedan ambas en la memoria del espectador como los capítulos más importantes de este personaje capital de Springfield.

Si bien Brad ya estaba con un empleo fijo y trabajaba de asesor de la FOX para el equipo de Matt Groening, pronto se dió cuenta que su carrera en ese momento se estaba formando en la televisión y que podía cumplir con encargos varios. Prueba clara de ello es haber dirigido el video musical ‘Do the bartman’ producido en noviembre de 1990 y lanzado en 1991. No debía ser un problema: la rebeldía inocente de Bard en contra de sus enemigos declarados de su infancia: la escuela, el padre controlador, las ganas de libertad creativa y de seguir la moda reinante: el pop noventero, rap, los beats de ciudad; todo ello con gotas de saxo y coros de R&B, incluso se dice que el mismo Michael Jackson – fan declarado de Bart – escribió las letras, un dibujo animado y a la vez un pincel de la época!

Todavía me acuerdo, era un éxito sin que aún se transmitiese en Bolivia. El canal universitario la rotaba con mucha frecuencia y en el mundo las cosas eran mucho mejores: en Inglaterra llegó al No. 1 (el show de Los Simpsons tardó cuatro años más en llegar a esas tierras) y tanto en Europa como Australia se paseó en todas las listas llegando a lo más alto. Un gran ejercicio de estilo y un video testimonial que vale la pena ver:

Pero después de 8 años, Brad dejaba de aprender de la tv y volvería al cine de animación.

Sigue el especial de Brad Bird en el blog:

Brad Bird: el joven animador de Disney
Brad Bird; narrador con mucha humanidad

miércoles, noviembre 30, 2011

La Saga Millennium: ‘La chica que soñaba con una cerilla y un bidón de gasolina’

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Lisbeth detesta a los hombres que maltratan a las mujeres… estoy seguro que no fué ella”.
- Mikael Bloomkvist.

Para el 2009 la YB Films lanzaba a toda prisa la segunda parte de la saga Millennium, aprovechaba el gran éxito logrado por la primera parte y repetía con los actores principales: Noomi Rapace y Michael Nyqvist. El único y gran cambio sentido se deparó en la silla del director: Daniel Alfredson tomaba la posta que de manera brillante había dejado Niels Arden Oplev con el inicio de la trilogía y aunque ésta segunda parte no defrauda, tiene menos poesía y oscuridad que la primera y venerada película.


El pasado persigue a Lisbeth
Con su nueva vida casi arreglada Lisbeth confía su antiguo apartamento a su ex amante, mientras tanto ‘Millennium’ continúa con su línea de ser una editorial riesgosa y comienza a publicar una serie de reportajes muy polémicos: las redes de prostitución y tráfico de menores en la Europa oriental. Mikael Bloomkvist y sus compañeros de la editorial se sienten muy animados por esta nueva forma de destapar escándalos sucios de la sociedad sueca pero los intereses que se han tocado son más grandes de lo imaginado. Ocurre el sangriento asesinato de uno de los editores y se culpa a la exiliada Lisbeth en todos los medios posibles, Lis queda sorprendida y debe retornar a aclarar la trampa que le han montado. Mikael le cree pero realiza su investigación de forma separada y mientras le apoya en la distancia va conociendo detalles lúgubres e impactantes de la niñez de Salander, muy impactantes como el mismo título del libro.
En términos muy cinematográficos podemos comparar el inicio de esta historia con otra segunda parte: ‘La Supremacía de Bourne’ (Paul Greengrass) pero poco a poco va adquiriendo un tono oscuro y al final violento que parece que asistimos a una película de Tarantino. El difícil y complicado pasado de Lisbeth se asocia con unos recuerdos de maltratos hacia su madre y la figura tiránica del despiadado padre, quien se ha convertido en un poderoso mafioso del comercio sexual. Parece un acierto que la historia se vuelva más personal y podamos conocer más sobre nuestra chica, pero a costa de seguir dos hilos narrativos paralelos.

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Y mientras Lisbeth descubre quién se encuentra tras la trampa que le han tendido, Mikael procura colaborar a su amiga obteniendo información delicada, conoce más de la tortuosa vida de Lis y se horroriza. Los compañeros de Lisbeth también sufren, son atacados por las fuerzas oscuras detrás de los intereses de las redes de trata de mujeres, nada parece seguro y al final requieren de mayor suerte para sobrevivir. Veremos sufrir físicamente a Lis que ya es presa de su propio pasado, pero también veremos cómo separa sus sentimientos: la necesidad de venganza supera toda atadura con su familia, no hay misericordia, no hay perdón.

La elección de Alfredson no cambia la fotografía ni la edición vistos en ‘Los hombres que no amaban a las mujeres’. Empero se notan muchos de los cambios que hacían a la primera película un ejemplo de thriller y cine de detectives muy solvente; se percibe en el apresurado manejo de interiores y en el extenso tiempo reservado para armar la escena final, con todo y ello el film pasa las dos horas pero tiene 20 minutos menos que su antecesora. Talvez la estrategia era resumida ya que se cuenta con una base sólida de fans pero como una película considerada de forma unitaria y sin depender de su precuela ó de su secuela deja mucho que desear. Un ejemplo claro de lo planteado se puede ver en – vuelvo a reiterar – la ‘Supremacía de Bourne’, película que se sostiene por sí misma. Ni mencionamos el peso específico de , digamos, ‘El Caballero Oscuro’.

Con la mitad de los misterios de la trilogía resueltos ahora queda observar cómo se enfrenta nuestra Lisbeth al desenlace de su aventura, para ello y gracias a la filmación continuada en poco tiempo se prepara el gran final de la saga Millennium.

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Siga el especial en el blog:
La Saga Millennium: ‘Los Hombres que no amaban a las mujeres’

domingo, noviembre 27, 2011

Escenas Inolvidables: el terrible interrogatorio en ‘The Dark Knight’

 

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Ellos son tan buenos como el mundo les permite ser. Te lo mostraré. Cuando las cosas cambien, éstas… éstas personas civilizadas… se comerán entre ellos!. Mira, yo no soy un mountruo. Sólo lo veo venir.”.
- El Joker (Heath Ledger).

 

Y volvemos a hablar de esas escenas memorables de la historia del cine, empero, ésta vez con una gran mezcla de tristeza y nostalgia para recordar también a ese actorazo que fué y seguirá siendo Heath Ledger. Ese muchacho australiano que logró conquistar el mundo entregando su espíritu en cada una de sus actuaciones y que seguramente – no me cabe duda - hubiera tenido una de las más grandes carreras no sólo cinematográficas sino artísticas de la historia moderna, Heath no sólo era un actor versátil, sino también músico y director de clips.

Mucho se ha dicho y mucho se seguirá diciendo de ‘The Dark Knight’, esa subversiva obra del maestro Nolan que espera una resolución el 2012 y que me temo no llegue a los niveles de calidad dramáticos y de contenido de ésta tremebunda película. Una de las razones es la escena clave y que gira el argumento a medio metraje, donde nos creíamos la captura del Joker y la colaboración de Gordon. Pues resulta que la captura estaba planificada al milímetro y el maestro de la anarquía expone sus ideales en una entrevista caótica, difícil y tensionante.

No diré más, recordemos a Heath y esa interpretación que emociona hasta el tuétano:

viernes, noviembre 25, 2011

Brad Bird: el joven animador de Disney

 

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Como el especial de la mayoría de nuestros invitados, estos talentosos directores no comenzaron en el negocio siendo pues directores. Comentamos la carrera de muchos nombres importantes y por ejemplo citamos que David Fincher comenzó como colaborador técnico en la ILM de George Lucas; que Satoshi Kon dibujaba mangas y era el brazo derecho de su mentor Katsuhiro Otomo. Son personas valiosas que han ido construyendo su talento desde abajo, peldaño a peldaño, aprendiendo y equivocándose, como la vida misma.

Brad dice que tenía 11 años cuando conoció la Walt Disney Studios y se enamoró del mundo de la animación, se propuso demostrar de lo que era capaz y realizó un corto animado de 15 minutos durante dos años, fué tal el grado de dedicación que logró admirar a la división animada de la compañía del ratón. A sus 14 años ya era entrenado por el mismo Milt Kahl, uno de los 9 míticos directores de la Disney del cual aprendió algo muy importante y que lo practicó durante el resto de su vida: la disciplina.

En 1975 y con 18 años se graduó de la preparatoria y dedicó su tiempo en muchas cosas hasta ser becado por el estudio en la California Institute of Arts donde conoció a un joven muy cordial de nombre John Lasseter, ingresó a una vida profesional exigente en una industria que no era la misma desde hace mucho tiempo, y es que los 80s no tenían el romanticismo clásico de las viejas joyas infantiles que todos recordamos, aún así se dió modos de ser animador de la película ‘Anymalympics’ de Steven Lisberger, un film dentro de una serie que celebraba el deporte mediante unos simpáticos animalitos del zoológico.

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Entre perros y zorros

Dentro de Disney colaboró como animador de una película muy arriesgada: ‘El zorro y el sabueso’, un film que necesitó hasta tres directores y cerca de 5 años en realizarse hasta su debut en 1982; la bella y nostálgica historia del sabueso y del zorrito que se hacen amigos en un ambiente dominado por un marcado racismo provocado fué considerada como la película más ambiciosa y también la más cara hasta ese momento para la industria y entre sus muchos problemas se tuvo una fuga de animadores constante que hizo retrasar numerosas veces el proyecto (Con decirles que comenzó a elaborarse en 1977). Bird fué uno de ellos y con el dolor de su corazón dejó de trabajar para Disney.

Destino o no, pronto se vió en un proyecto opuesto y traumatizante con los mismos personajes recurrentes, pues se fué a trabajar de animador de un film tétrico y nada infantil llamado ‘The Plague Dogs’ (Martin Rosen, 1982). Considerado ahora un film de culto, contaba la historia de dos perros: Rowf y Snitter, que logran huir de la violencia animal y son perseguidos y maltratados por los crueles humanos. Seremos testigos de las injusticias, de un aire pesimista, de la amistad de un valiente zorro que les ayuda, de las expresiones de pánico y de terror impensables para una película animada, de escenas muy fuertes y de un oscuro final que hoy por hoy la convierten en una película impresionante. Triste, hoy es una joya de la animación y una obra de protesta que ahora envejece muy bien. Nuestro muchacho salía de esta triste pero potente experiencia y decidió siempre dar rasgos humanos nada infantiles y muy realistas en sus siguientes trabajos.

Pero seguía teniendo juventud y una serie animada sobre una familia amarilla de un pueblo llamado Springfield le llamaba para ser director.

martes, noviembre 22, 2011

La Saga Millennium: ‘Los Hombres que no amaban a las mujeres’

 
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Él la secuestró y la asesinó… y además lo disfrutó! Él tuvo las mismas oportunidades que tuvimos nosotros y escogió ser lo que quiso ser!”.
- Lisbeth Salander.

 

Celebrando la pronta llegada de la versión americana de esta gran trilogía, repasemos la primera parte de la saga ‘Millennium’, y dijimos alguna vez…

Es casi de conocimiento general que el fallecido escritor sueco Stieg Larsson nos ha dejado un legado increíble a la literatura mundial: las novelas policiales y de suspenso de su sorprendente saga: ‘Millennium’; donde los personajes principales son: el detective Mikael Blomkvist y la hacker Lisbeth Salander; como quiera que no me leí las novelas (ni pienso hacerlo aunque la haya celebrado el mismo Vargas Llosa) sí puedo referirme a la primera película de la trilogía de los films de esta serie: ‘The Girl With The Dragon Tattoo’ traducido como ‘Los Hombres que no amaban a las mujeres’ y según dicen debería traducirse –y con mucha razón- ‘Los hombres que odiaban a las mujeres’ pero yo prefiero llamarle ‘La Chica con el tatuaje de dragón’. Señores, hablemos de Lisbeth Salander.

 

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Lisbeth Salander, hija de su tiempo

Lisbeth vive sola, tiene una apariencia de emo + neopunk y trash; es bisexual, es una genio informática y tiene talento en el hackeo, es una investigadora consumada y posee memoria fotográfica; tiene un fuerte comportamiento reprimido debido a un pasado desconocido y al parecer horrible para nosotros (algo que se devela de forma cruel en la segunda parte); Lisbeth es desde hace dos años el personaje de novelas más analizado y celebrado en los círculos literarios y cinematográficos en el mundo. Su mente y su cuerpo (tiene un dragón tatuado en toda la extensión de la espalda) son un arma de esta nueva generación, no un arma que pelea ó reparte patadas, no no, ella misma es un arma de la información, ella la consigue, la procesa, la obtiene. La actriz Noomi Rapace (pronto en ‘Sherlock Homes 2’) se ha mandado un papelón, dicen en todas partes que ha materializado lo que dicen de ella los escritos de su creador.

Por su lado el periodista Mikael es un hombre que ha llegado a la madurez con un escándalo mediático, su tabloide ‘Millennium’ se metió con redes corruptas denunciándoles y ellos le mandan a la cárcel ejerciendo el poder del que ostentan (es igual en todas partes no?), antes de su reclusión Mikael acepta una investigación privada que implica buscar el paradero de Harriet Vanger, una chica desaparecida hace más de 40 años y una de las herederas del imperio empresarial Vanger; a solicitud de uno de los patriarcas de la familia y que confía en que Mikael logre más resultados que la policía y la familia misma, Mikael encontrará mucha oscuridad y muchos horribles motivos.

 

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Investigar en un ambiente oscuro y tenebroso

Pues Mikael y Lisbeth se asocian para este cometido, no diré más; la película dura 2 horas y media y está muy pero muy bien filmada, ingresa en la categoría de thriller - suspenso y también en el género criminal policial con una ejecución apropiada, los escenarios de Suecia sirven muy bien para ello y no suelta el interés por ningún momento, como es de la escuela europea el director Niels Arden no duda en darnos imágenes chocantes, imágenes cutres y mucho realismo que puede impactar (o no según esten acostumbrados); pero la historia detrás de lo acontecido a la chica Harriett sí que da miedo. A mí me deja una terrible sensación de ver un machismo deforme a fondo, con hombres que le faltan depravadamente el respeto a las mujeres y que en Suecia como en todo el mundo hay cosas que siguen mal, que no es la sociedad que nos venden, que la capacidad para hacer el mal es universal.

Si son aficionados a films como ‘El Silencio de los Inocentes’ ó ‘El Secreto de sus Ojos’ sin su medido romanticismo además de otros similares verán en ésta realización un trabajo respetando al espectador, trasladando con imágenes, escenas y montajes esa preciosa y perturbante oscuridad que pretenden introducirnos, eso es de agradecer. Dos años después ha llegado a Cochabamba (iba a mencionar ‘qué increíble’ pero ya no pido respuestas de nuestros distribuidores) y sus otros dos films tienen futuro incierto a pesar de haber sido éxito en todos lados del mundo. Es que su segunda parte ‘La chica que soñaba con fósforos y un bidón de gasolina’ y su final: ‘La reina en el palacio de las corrientes de aire’ son un conjunto redondo y que hacen una radiografía de la Europa que nadie quiere ver, donde temas tan fuertes como la trata de personas, la corrupción y la destrucción de los valores morales más básicos parecen triunfar!

Se ha decidido pasar la trilogía reseñada en nuestro blog. Mi admiración por el personaje creado por Larsson así lo amerita.

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domingo, noviembre 20, 2011

‘One Piece’; la gran aventura pirata

 
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Acaso hay algo más valioso que tu sueño?”.
- Luffy.

 

Sucede que en 1997 y en plena despedida de la mítica ‘Dragon Ball Z’ de su publicación en los mangas, uno de los asistentes del gran Akira Toriyama comenzó su propia publicación bajo la influencia de su maestro. No supo Eiichiro Oda que su manga tendría un éxito descomunal y que tras 14 años en la escena japonesa y mundial su éxito no ha sido siquiera cuestionado en algún momento. Mis amigos al fin y por fin, ha llegado al blog una reseña muy especial; la más grande aventura de los mares, ‘One Piece’ es su nombre.

 

La leyenda de ‘sombrero de paja’ Luffy y sus nakamans

No podría existir una historia más sencilla: un sólo hombre ha recorrido los océanos del mundo: Gold Roger, pero sentenciado y en plena ejecución anunció que les daba todo su tesoro a quien pueda encontrarlo iniciando de esta forma la gran era de los piratas. Luffy Monkey es un joven pirata que 20 años después de la ejecución de Roger comienza su propio viaje por el tesoro, el llamado ‘One Piece’ y por su sueño tendrá un barco (la ‘Sunny Go’), formará una tripulación muy variada con grandes luchadores como Zoro y Sanji, amigas muy guapas como Nami y Robin, un embustero útil llamado Usopp, un morfo llamado Chopper, un robot llamado Franky e incluso un muerto viviente, el esqueleto y músico Brook, los legendarios Murasawi a quienes no sólo ha convencido de unirse a su motivo, les ha motivado a seguir viviendo.

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En la formación de su propia historia, Luffy nos recuerda al joven Goku pero con una gran sobredosis de confianza y de ingenuidad; tras el trazo fino y minimalista de Oda todos los personajes se nos presentarán directos y gracias a ello, seremos testigos de grandes aventuras, que involucran batallas, barcos, seres fantásticos, brujas, marineros, fantasmas, espadachines, traidores, fieles, mentirosos, leales, todo el universo de los piratas! No habrá dudas sobre el protagonista ya que el mismo Luffy tiene una sonrisa molestosa para sus enemigos, tiene una gran personalidad para su propósito y es un gran humanista (incluye confiar en gente tan especial como robots, fantasmas y calaveras, jeje). Gran carisma y gran capacidad de aprendizaje, Luffy le debe tanto al Goku de ‘Dragon Ball’ que podría decirse que gracias a su aparición toda la fanaticada del manga y animé japonés pudo pasar de la transición de una serie muy querida a la gran novedad de este muchacho sencillo pero poderoso, cubierto solamente con su eterno sombrero de paja.

 

Un estilo sencillo y unas aventuras entretenidas

Puede que ‘Naruto’ tenga el poder de camino ninja como máximo atractivo entre nosotros los fans, así como ‘Bleach’ lo tiene en la fantasía espiritual; ‘One Piece’ tiene como atractivo sus exageradas aventuras, las luchas desiguales y la deformación de los poderes en favor de los propósitos de sus personajes; dibujados y animados aparentemente de una forma bizarra. Pues nada más lejos de la verdad, ya que existe un sentido de acción, de drama social, de drama personal, de comedia occidental y de aventura ligera que todo parece bien planificado y mejor ejecutado. Las peleas de los buenos, la confianza en cambiar a los que parecen enemigos y la conexión entre el pasado de Luffy y sus queridos amigos están muy bien diseñados que logra que un niño y un joven pasen un buen rato viendo ‘One Piece’.

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Debe ser éste el secreto del éxito de esta obra camino a escribir su nombre en la gran historia del animé japonés, además muy pocas series han llegado a ese altar sagrado donde están ‘Dragon Ball’ ó ‘Los caballeros del Zodiaco’. Ésta serie lo hace y a pasos firmes, si no, pregunténles a Oda y la editorial Shueshia y también al estudio Toei, a sus 14 años y 64 tomos como manga, a sus 12 años y 523 (si, quinientos veintitrés!) episodios como animé en la TV, a sus 10 películas y muchas Ovas y a todo un ejército de escritores, dibujantes y productores que responden a un mercado competitivo.

Como millones de personas, esperemos muy pronto que Luffy consiga llegar al tesoro de Roger, más que eso, que obtenga un precioso lugar en la historia moderna de la animación mundial. Estamos muy seguros de ello.

sábado, noviembre 19, 2011

‘Kung Fu Panda 2’; ¿cuál paz interna?

 
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… Fideos”.
- El Señor Ping viendo alejándose a su hijo y los 5 furiosos.

 

Continuando con la secuela de la exitosa primera parte de ‘Kung Fu Panda’ tenemos ante nosotros su retrasada continuación, tres años después de haberle plantado cara a Pixar (y perdiendo pero por poco) y en un año donde los primeros han fallado estrepitosamente por primera vez (por culpa de ‘Cars 2’). Ahora la compañía de la luna ha pensado en un cambio de timón, donde la directora de tableros de animación Jennifer You se hace cargo de la película del panda y casi todo el casting original vuelve a repetir: Jack Black, Angelina Jolie, Jackie Chan, Seth Rogen, Lucy Liu, Dustin Hoffman y con la incorporación de Gary Oldman como el villano.

Tiempo después de la primera aventura, un pavo real llamado Lord Shen desafía a la China mediante la invención de un arma basada en la pirotecnia tan popular de su país; lo hace por un rencor grande a su familia que a su tiempo pertenecía a su realeza y que tras provocar la desaparición de varias tribus (entre ellas los pandas) reclamó su imperio. Negado por una adivina regresa a cobrar lo que considera suyo y Po junto con los 5 furiosos se deben encargar de detenerle. Empero Po conocerá que Shen es la figura maestra y siniestra detrás de su pasado, de la desaparición de sus padres, de su propio origen.

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Divertida pero apresurada

Tanto J. Aibel como Glenn Berger repiten como guionistas, la misma directora participa en el guión e incluso el gran Charlie Kauffmann (guionista de ‘Eternal Sunshine of the spotless mind’) asesora este grupo, pues no digo que esté mal, total que el secreto del origen de Po teniendo un padre adoptivo pato (el cariñoso Señor Ping a quien es difícil no sentirle ternura) no nos quedaba mal para la primera película. Ingresar este acontecimiento en la nueva aventura ha resultado acertado pero también ha entrado en conflicto con el otro concepto que nos ofrecía: la paz interna. Tras una interesante introducción del maestro Shifu vemos cómo Po tarda en estabilizar sus emociones debido a los nuevos sentimientos de orfandad, soledad y falta de identidad que le rebasan, los otros compañeros (en especial Tigresa) le entienden pero como es un problema personal llega al punto de arriesgar la propia misión.

Pues como el ying y el yang, el blanco y el negro –de ahí un acierto dar guiños al color del panda – y como la alegría y la tristeza, todo para Po se resume en sentir dentro suyo muchas emociones (ying) y su deber por encontrar la necesaria paz (yang). Todo ello entra en conflicto en sus recuerdos. Podía resultar en una mejor resolución pero se nota cierto apresuramiento, muy lineal y adornada obligadamente por las batallas (muy interesantes) y los chistes fáciles y esta vez demasiado básicos y alguno hasta vergonzoso (la escenita del sombrero). Todos los elementos técnicamente bien logrados pero distractivos ya que esa dicotomía del que les hablaba sale muy poco a la luz. Al otro personaje antagónico que es Shen no le alcanza el tiempo para lucirse, para que podamos profundizar en su rencor, en su odio; ni me pregunten por los 5 furiosos, aparecen por cumplir.

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Técnicamente no hay sorpresas

Con una dirección sencilla y previsible en todos los campos, vemos agradecidos grandes paisajes orientales, una excelente utilización de la paleta de colores, sonido, cinematografía y montaje que recuerdan al primer ‘Kung Fu Panda’ pero nada de lo anterior se mejora, no se notan los avances técnicos de tres años y con ello me justifico cuando se notan las diferencias entre todos los ‘Toy Story’ (entre el 1 y el 2 especialmente) y que no tenían mucha diferencia en años. Aún si no recordamos este hecho tenemos otro punto demasiado complicado: el film se resuelve en 80 minutos de los 90 que dura, de esos 80 unos 10 minutos tienen animación tradicional; que se lleve bien con la animación 3D no molesta a nadie pero que se encargue ciertas escenas dramáticas y oníricas a lo tradicional sin la potencia requerida puede llegar a frustrar. De ahí que nos cuestionamos si la empresa tenía la suficiente tranquilidad para lanzar esta esperada secuela.

Finalmente queda una sensación de haber cumplido cerradamente con las expectativas de entretenimiento, ya nos conocemos al personaje así que tampoco pedíamos cambiar su personalidad, pero se nota la poca autoexigencia en el guión, ya que Pixar trataba a sus seguidores de ‘Toy Story 3’ tan bien como si tuvieran 31 o 13 años; en ‘Kung Fu Panda 2’ la DreamWorks parece tratarnos como si no hubiésemos pasado de los 13 años.

lunes, noviembre 14, 2011

Emma Stone; ojos que hipnotizan

 

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Natural de Arizona, Emily Jean Stone es uno de esos casos raros del Hollywood actual. Rebautizada artísticamente como Emma Stone, tuvo una gran oportunidad haciendo y perdiendo en el casting de la serie ‘Heroes’ en el papel que finalmente ganó Hayden Panettiere. Pero no comenzó allí, ya pasó haciendo papeles de muchacha despreocupada, propia de su edad, la televisión era su campo.

Pero he aquí que toda su preparación en el mundo del teatro infantil dió sus frutos y tras la decepción de no ser elegida en ‘Heroes’ probó suerte haciendo el papel de Jules, el interés romántico de Jonah Hill en la sorprendente ‘Superbad’ (Greg Mottola, 2007). Para luego anotarse unos papeles menores y hasta ridículos como su poca importancia en ‘The House Bunny’ (Fred Wolf, 2008). La suerte tocó su puerta y estuvo impresionante como la hermana de Abigail Breslin en la humilde pero cómica ‘Zombieland’ (Ruben Fleischer, 2009) donde actuaba con naturalidad en el papel de chica mala adaptada a una tierra llena de mounstruos y humanos irracionales, sin duda la película que la lanzó a la fama.

Hasta que Will Gluck consiguió su participación en la juvenil ‘Se dice de mí’ (‘Easy A’) donde Emma interpreta a una muchacha liberada y conflictuada por su propia literatura y su interpretación de la sociedad, sin duda su Olive es su personaje más elaborado el más admirado en los círculos del mal llamado cine juvenil de esta década. Tras este gran éxito pudo darse el lujo de moverse en los roles secundarios en trabajos tales como ‘Amigos con beneficios’ y ‘Crazy Stupid Love’; su última gran aparición hasta ahora inédita por Bolivia – y que confirma que tiene a los críticos y la audiencia fascinados con ella – está en el film ‘The Help’.

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Sabemos pronto si su Gwen Stacy bajo la dirección de Marc Webb superará a su impecable y compleja Olive, millones de fanáticos del Hombre Araña y otros millones que hemos quedado hipnotizados por su mirada lo sabremos.

sábado, noviembre 12, 2011

Video: recordando los ‘500 días con ella’

 

Estamos a poco, poquísimo de las 50.000 visitas. Miles de gracias a todos por visitar este pequeño blog, por tomarse un poco de su valioso tiempo para leer, ver y escuchar de esas cosas que tanto nos gustan: cine, animación japonesa y Haruismo. Vamos a dar un impulso con esa gran comedia (anti)romántica que es ‘500 Days of summer’, obra sorprendente de un director joven y curtido en los videoclips musicales como es Marc Webb y a quien le confiaron rebootear la franquicia del Hombre Araña.

En el film existe una escena muy sencilla donde Tom y Summer se encuentran –por segunda vez- y Summer se da cuenta de la canción en los audífonos de Tom, la épica ‘There is a light that never goes out’ del grupo The Smiths y que le gusta mucho a Tom dejándole a él fascinado por esta misteriosa chica y torciendo su concepto de destino, una coincidencia que comparte con Tom y que el muchacho malentiende en todo lo demás, pero bueno, les remito al film para todo lo que les comento.

Ahí les va y gracias nuevamente!

domingo, noviembre 06, 2011

Músicos y Cine: ‘Notorious’, homenaje y reclamo al poder

 
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Eres un chico malo tratando de ser bueno… ó un buen chico tratando de ser malo?
- Estoy tratando de ser grandioso”.
( Faith y Chris )

 

El año 2009 el cine volvía a redimir a uno de los dos trágicos genios musicales que ha dado la música popular americana en los 90s: Notorious BIG, asesinado a tiros en Los Ángeles en marzo de 1997 en medio de una de las guerras más cruentas de mafias organizadas y penetradas en la industria discográfica que se recuerda. Ese día no sólo murió un genio, murió una forma de concebir la música hip hop dentro de la sociedad moderna, como vehículo de protesta, de sentimiento, de libertad del ser humano. Es pues cruel, escribir y recordar toda la aventura de una sociedad marginada, de negros y de inmigrantes, que a base de mucho sacrificio difundió un mensaje, vió como el poder arrebataba las mentes de sus conductores y finalmente asesinaban a uno de sus símbolos.

Un mito que nació gordo y pobre

Christopher Wallace tenía todo para vivir la típica vida olvidada y triste de los anónimos afros de Brooklin, nacido en un terrible 1972 su infancia transcurrió en la peor de las condiciones: la droga, la promiscuidad, la paternidad temprana, todo. Pero tenía un tono de voz atípico, claro, de los gordos obesos; no era para destacar… pero a lado de su voz sus rimas tenían algo muy poderoso: una fuerza narrativa impresionante. Era hip hop en estado puro y respetaba a los históricos. Era conciente de no ser perfecto, de ser considerado nada atractivo pero aún así supo ser orgulloso y junto con Sean Combs (luego Puff Daddy) no sólo creó un nuevo sonido ochentero y noventero al ritmo, creó una industria.

Y tras mucho trabajo pronto ambos se volvieron en el núcleo de un movimiento que desbordaba los gustos de la juventud americana, para 1992 y con 20 años ya tenía un reconocimiento local que pronto comenzó a volverse regional y en tres años era un símbolo nacional. Entonces la mass media se apropió de sus productos y los vídeos de hip hop con cantantes formidables, mujeres hermosas y mucha joyería se convertía en la meta de millones de jóvenes en todo el mundo. Pero paralelo a todo ello el film de George Tillmann Jr. muestra el ingreso de todo lo violento de esos gangsters en la música. En un principio Notorious y Tupac Shakur establecían una sólida amistad y pronto por lo oscuro de los círculos de poder (en el intento de asesinato a Notorious que también se ve en el film) ambos símbolos se enfrentan. Ellos y sus amigos se pelean en la tele, en la radio, en los medios, en las canciones y en todas partes. Propagan odio y desprecio y la costa este y la costa oeste comienzan la muy sangrienta guerra de los coasts.

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Una película testimonial

La Fox contrata a Tillmann (quien perdía el tiempo con comedias bobas tras su éxito conseguido en ‘Hombres de Honor’) para que dirija el biopic y éste entrega un trabajo humilde y respetuoso, lleno de mucha referencia biográfica. Actores muy jóvenes como el rapero Jamal Woolard para el papel principal, un siempre correcto Anthony Mackie como Tupac Shakur, Angela Bassett como la madre de Notorious y la bella Anton smith como Faith Evans, el gran amor del cantante. Para la música se recluta a Danny Elfmann y para el financiamiento el mismo Sean Combs se encarga de producirla. Luego de su estreno la película logra el efecto que se deseaba: recordar con honda tristeza las injusticias que cometió la ambición del poder de la industria musical.

Un film muy triste, con demasiada precisión que narra las luces y las sombras de un genio, aunque la crítica no se puso muy entusiasta muchos aplaudieron que por una vez, se haya centrado un biopic en la figura de Chris, un muchacho que siendo pobre cambió la música moderna hasta nuestros días, mártir de su propia pasión.  Así debería ser siempre, hablar sobre la persona y no el personaje.

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El otro genio musical, Tupac Amaru Shakur, vendrá pronto al blog.