miércoles, noviembre 30, 2011

La Saga Millennium: ‘La chica que soñaba con una cerilla y un bidón de gasolina’

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Lisbeth detesta a los hombres que maltratan a las mujeres… estoy seguro que no fué ella”.
- Mikael Bloomkvist.

Para el 2009 la YB Films lanzaba a toda prisa la segunda parte de la saga Millennium, aprovechaba el gran éxito logrado por la primera parte y repetía con los actores principales: Noomi Rapace y Michael Nyqvist. El único y gran cambio sentido se deparó en la silla del director: Daniel Alfredson tomaba la posta que de manera brillante había dejado Niels Arden Oplev con el inicio de la trilogía y aunque ésta segunda parte no defrauda, tiene menos poesía y oscuridad que la primera y venerada película.


El pasado persigue a Lisbeth
Con su nueva vida casi arreglada Lisbeth confía su antiguo apartamento a su ex amante, mientras tanto ‘Millennium’ continúa con su línea de ser una editorial riesgosa y comienza a publicar una serie de reportajes muy polémicos: las redes de prostitución y tráfico de menores en la Europa oriental. Mikael Bloomkvist y sus compañeros de la editorial se sienten muy animados por esta nueva forma de destapar escándalos sucios de la sociedad sueca pero los intereses que se han tocado son más grandes de lo imaginado. Ocurre el sangriento asesinato de uno de los editores y se culpa a la exiliada Lisbeth en todos los medios posibles, Lis queda sorprendida y debe retornar a aclarar la trampa que le han montado. Mikael le cree pero realiza su investigación de forma separada y mientras le apoya en la distancia va conociendo detalles lúgubres e impactantes de la niñez de Salander, muy impactantes como el mismo título del libro.
En términos muy cinematográficos podemos comparar el inicio de esta historia con otra segunda parte: ‘La Supremacía de Bourne’ (Paul Greengrass) pero poco a poco va adquiriendo un tono oscuro y al final violento que parece que asistimos a una película de Tarantino. El difícil y complicado pasado de Lisbeth se asocia con unos recuerdos de maltratos hacia su madre y la figura tiránica del despiadado padre, quien se ha convertido en un poderoso mafioso del comercio sexual. Parece un acierto que la historia se vuelva más personal y podamos conocer más sobre nuestra chica, pero a costa de seguir dos hilos narrativos paralelos.

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Y mientras Lisbeth descubre quién se encuentra tras la trampa que le han tendido, Mikael procura colaborar a su amiga obteniendo información delicada, conoce más de la tortuosa vida de Lis y se horroriza. Los compañeros de Lisbeth también sufren, son atacados por las fuerzas oscuras detrás de los intereses de las redes de trata de mujeres, nada parece seguro y al final requieren de mayor suerte para sobrevivir. Veremos sufrir físicamente a Lis que ya es presa de su propio pasado, pero también veremos cómo separa sus sentimientos: la necesidad de venganza supera toda atadura con su familia, no hay misericordia, no hay perdón.

La elección de Alfredson no cambia la fotografía ni la edición vistos en ‘Los hombres que no amaban a las mujeres’. Empero se notan muchos de los cambios que hacían a la primera película un ejemplo de thriller y cine de detectives muy solvente; se percibe en el apresurado manejo de interiores y en el extenso tiempo reservado para armar la escena final, con todo y ello el film pasa las dos horas pero tiene 20 minutos menos que su antecesora. Talvez la estrategia era resumida ya que se cuenta con una base sólida de fans pero como una película considerada de forma unitaria y sin depender de su precuela ó de su secuela deja mucho que desear. Un ejemplo claro de lo planteado se puede ver en – vuelvo a reiterar – la ‘Supremacía de Bourne’, película que se sostiene por sí misma. Ni mencionamos el peso específico de , digamos, ‘El Caballero Oscuro’.

Con la mitad de los misterios de la trilogía resueltos ahora queda observar cómo se enfrenta nuestra Lisbeth al desenlace de su aventura, para ello y gracias a la filmación continuada en poco tiempo se prepara el gran final de la saga Millennium.

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Siga el especial en el blog:
La Saga Millennium: ‘Los Hombres que no amaban a las mujeres’

domingo, noviembre 27, 2011

Escenas Inolvidables: el terrible interrogatorio en ‘The Dark Knight’

 

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Ellos son tan buenos como el mundo les permite ser. Te lo mostraré. Cuando las cosas cambien, éstas… éstas personas civilizadas… se comerán entre ellos!. Mira, yo no soy un mountruo. Sólo lo veo venir.”.
- El Joker (Heath Ledger).

 

Y volvemos a hablar de esas escenas memorables de la historia del cine, empero, ésta vez con una gran mezcla de tristeza y nostalgia para recordar también a ese actorazo que fué y seguirá siendo Heath Ledger. Ese muchacho australiano que logró conquistar el mundo entregando su espíritu en cada una de sus actuaciones y que seguramente – no me cabe duda - hubiera tenido una de las más grandes carreras no sólo cinematográficas sino artísticas de la historia moderna, Heath no sólo era un actor versátil, sino también músico y director de clips.

Mucho se ha dicho y mucho se seguirá diciendo de ‘The Dark Knight’, esa subversiva obra del maestro Nolan que espera una resolución el 2012 y que me temo no llegue a los niveles de calidad dramáticos y de contenido de ésta tremebunda película. Una de las razones es la escena clave y que gira el argumento a medio metraje, donde nos creíamos la captura del Joker y la colaboración de Gordon. Pues resulta que la captura estaba planificada al milímetro y el maestro de la anarquía expone sus ideales en una entrevista caótica, difícil y tensionante.

No diré más, recordemos a Heath y esa interpretación que emociona hasta el tuétano:

viernes, noviembre 25, 2011

Brad Bird: el joven animador de Disney

 

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Como el especial de la mayoría de nuestros invitados, estos talentosos directores no comenzaron en el negocio siendo pues directores. Comentamos la carrera de muchos nombres importantes y por ejemplo citamos que David Fincher comenzó como colaborador técnico en la ILM de George Lucas; que Satoshi Kon dibujaba mangas y era el brazo derecho de su mentor Katsuhiro Otomo. Son personas valiosas que han ido construyendo su talento desde abajo, peldaño a peldaño, aprendiendo y equivocándose, como la vida misma.

Brad dice que tenía 11 años cuando conoció la Walt Disney Studios y se enamoró del mundo de la animación, se propuso demostrar de lo que era capaz y realizó un corto animado de 15 minutos durante dos años, fué tal el grado de dedicación que logró admirar a la división animada de la compañía del ratón. A sus 14 años ya era entrenado por el mismo Milt Kahl, uno de los 9 míticos directores de la Disney del cual aprendió algo muy importante y que lo practicó durante el resto de su vida: la disciplina.

En 1975 y con 18 años se graduó de la preparatoria y dedicó su tiempo en muchas cosas hasta ser becado por el estudio en la California Institute of Arts donde conoció a un joven muy cordial de nombre John Lasseter, ingresó a una vida profesional exigente en una industria que no era la misma desde hace mucho tiempo, y es que los 80s no tenían el romanticismo clásico de las viejas joyas infantiles que todos recordamos, aún así se dió modos de ser animador de la película ‘Anymalympics’ de Steven Lisberger, un film dentro de una serie que celebraba el deporte mediante unos simpáticos animalitos del zoológico.

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Entre perros y zorros

Dentro de Disney colaboró como animador de una película muy arriesgada: ‘El zorro y el sabueso’, un film que necesitó hasta tres directores y cerca de 5 años en realizarse hasta su debut en 1982; la bella y nostálgica historia del sabueso y del zorrito que se hacen amigos en un ambiente dominado por un marcado racismo provocado fué considerada como la película más ambiciosa y también la más cara hasta ese momento para la industria y entre sus muchos problemas se tuvo una fuga de animadores constante que hizo retrasar numerosas veces el proyecto (Con decirles que comenzó a elaborarse en 1977). Bird fué uno de ellos y con el dolor de su corazón dejó de trabajar para Disney.

Destino o no, pronto se vió en un proyecto opuesto y traumatizante con los mismos personajes recurrentes, pues se fué a trabajar de animador de un film tétrico y nada infantil llamado ‘The Plague Dogs’ (Martin Rosen, 1982). Considerado ahora un film de culto, contaba la historia de dos perros: Rowf y Snitter, que logran huir de la violencia animal y son perseguidos y maltratados por los crueles humanos. Seremos testigos de las injusticias, de un aire pesimista, de la amistad de un valiente zorro que les ayuda, de las expresiones de pánico y de terror impensables para una película animada, de escenas muy fuertes y de un oscuro final que hoy por hoy la convierten en una película impresionante. Triste, hoy es una joya de la animación y una obra de protesta que ahora envejece muy bien. Nuestro muchacho salía de esta triste pero potente experiencia y decidió siempre dar rasgos humanos nada infantiles y muy realistas en sus siguientes trabajos.

Pero seguía teniendo juventud y una serie animada sobre una familia amarilla de un pueblo llamado Springfield le llamaba para ser director.

martes, noviembre 22, 2011

La Saga Millennium: ‘Los Hombres que no amaban a las mujeres’

 
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Él la secuestró y la asesinó… y además lo disfrutó! Él tuvo las mismas oportunidades que tuvimos nosotros y escogió ser lo que quiso ser!”.
- Lisbeth Salander.

 

Celebrando la pronta llegada de la versión americana de esta gran trilogía, repasemos la primera parte de la saga ‘Millennium’, y dijimos alguna vez…

Es casi de conocimiento general que el fallecido escritor sueco Stieg Larsson nos ha dejado un legado increíble a la literatura mundial: las novelas policiales y de suspenso de su sorprendente saga: ‘Millennium’; donde los personajes principales son: el detective Mikael Blomkvist y la hacker Lisbeth Salander; como quiera que no me leí las novelas (ni pienso hacerlo aunque la haya celebrado el mismo Vargas Llosa) sí puedo referirme a la primera película de la trilogía de los films de esta serie: ‘The Girl With The Dragon Tattoo’ traducido como ‘Los Hombres que no amaban a las mujeres’ y según dicen debería traducirse –y con mucha razón- ‘Los hombres que odiaban a las mujeres’ pero yo prefiero llamarle ‘La Chica con el tatuaje de dragón’. Señores, hablemos de Lisbeth Salander.

 

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Lisbeth Salander, hija de su tiempo

Lisbeth vive sola, tiene una apariencia de emo + neopunk y trash; es bisexual, es una genio informática y tiene talento en el hackeo, es una investigadora consumada y posee memoria fotográfica; tiene un fuerte comportamiento reprimido debido a un pasado desconocido y al parecer horrible para nosotros (algo que se devela de forma cruel en la segunda parte); Lisbeth es desde hace dos años el personaje de novelas más analizado y celebrado en los círculos literarios y cinematográficos en el mundo. Su mente y su cuerpo (tiene un dragón tatuado en toda la extensión de la espalda) son un arma de esta nueva generación, no un arma que pelea ó reparte patadas, no no, ella misma es un arma de la información, ella la consigue, la procesa, la obtiene. La actriz Noomi Rapace (pronto en ‘Sherlock Homes 2’) se ha mandado un papelón, dicen en todas partes que ha materializado lo que dicen de ella los escritos de su creador.

Por su lado el periodista Mikael es un hombre que ha llegado a la madurez con un escándalo mediático, su tabloide ‘Millennium’ se metió con redes corruptas denunciándoles y ellos le mandan a la cárcel ejerciendo el poder del que ostentan (es igual en todas partes no?), antes de su reclusión Mikael acepta una investigación privada que implica buscar el paradero de Harriet Vanger, una chica desaparecida hace más de 40 años y una de las herederas del imperio empresarial Vanger; a solicitud de uno de los patriarcas de la familia y que confía en que Mikael logre más resultados que la policía y la familia misma, Mikael encontrará mucha oscuridad y muchos horribles motivos.

 

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Investigar en un ambiente oscuro y tenebroso

Pues Mikael y Lisbeth se asocian para este cometido, no diré más; la película dura 2 horas y media y está muy pero muy bien filmada, ingresa en la categoría de thriller - suspenso y también en el género criminal policial con una ejecución apropiada, los escenarios de Suecia sirven muy bien para ello y no suelta el interés por ningún momento, como es de la escuela europea el director Niels Arden no duda en darnos imágenes chocantes, imágenes cutres y mucho realismo que puede impactar (o no según esten acostumbrados); pero la historia detrás de lo acontecido a la chica Harriett sí que da miedo. A mí me deja una terrible sensación de ver un machismo deforme a fondo, con hombres que le faltan depravadamente el respeto a las mujeres y que en Suecia como en todo el mundo hay cosas que siguen mal, que no es la sociedad que nos venden, que la capacidad para hacer el mal es universal.

Si son aficionados a films como ‘El Silencio de los Inocentes’ ó ‘El Secreto de sus Ojos’ sin su medido romanticismo además de otros similares verán en ésta realización un trabajo respetando al espectador, trasladando con imágenes, escenas y montajes esa preciosa y perturbante oscuridad que pretenden introducirnos, eso es de agradecer. Dos años después ha llegado a Cochabamba (iba a mencionar ‘qué increíble’ pero ya no pido respuestas de nuestros distribuidores) y sus otros dos films tienen futuro incierto a pesar de haber sido éxito en todos lados del mundo. Es que su segunda parte ‘La chica que soñaba con fósforos y un bidón de gasolina’ y su final: ‘La reina en el palacio de las corrientes de aire’ son un conjunto redondo y que hacen una radiografía de la Europa que nadie quiere ver, donde temas tan fuertes como la trata de personas, la corrupción y la destrucción de los valores morales más básicos parecen triunfar!

Se ha decidido pasar la trilogía reseñada en nuestro blog. Mi admiración por el personaje creado por Larsson así lo amerita.

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domingo, noviembre 20, 2011

‘One Piece’; la gran aventura pirata

 
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Acaso hay algo más valioso que tu sueño?”.
- Luffy.

 

Sucede que en 1997 y en plena despedida de la mítica ‘Dragon Ball Z’ de su publicación en los mangas, uno de los asistentes del gran Akira Toriyama comenzó su propia publicación bajo la influencia de su maestro. No supo Eiichiro Oda que su manga tendría un éxito descomunal y que tras 14 años en la escena japonesa y mundial su éxito no ha sido siquiera cuestionado en algún momento. Mis amigos al fin y por fin, ha llegado al blog una reseña muy especial; la más grande aventura de los mares, ‘One Piece’ es su nombre.

 

La leyenda de ‘sombrero de paja’ Luffy y sus nakamans

No podría existir una historia más sencilla: un sólo hombre ha recorrido los océanos del mundo: Gold Roger, pero sentenciado y en plena ejecución anunció que les daba todo su tesoro a quien pueda encontrarlo iniciando de esta forma la gran era de los piratas. Luffy Monkey es un joven pirata que 20 años después de la ejecución de Roger comienza su propio viaje por el tesoro, el llamado ‘One Piece’ y por su sueño tendrá un barco (la ‘Sunny Go’), formará una tripulación muy variada con grandes luchadores como Zoro y Sanji, amigas muy guapas como Nami y Robin, un embustero útil llamado Usopp, un morfo llamado Chopper, un robot llamado Franky e incluso un muerto viviente, el esqueleto y músico Brook, los legendarios Murasawi a quienes no sólo ha convencido de unirse a su motivo, les ha motivado a seguir viviendo.

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En la formación de su propia historia, Luffy nos recuerda al joven Goku pero con una gran sobredosis de confianza y de ingenuidad; tras el trazo fino y minimalista de Oda todos los personajes se nos presentarán directos y gracias a ello, seremos testigos de grandes aventuras, que involucran batallas, barcos, seres fantásticos, brujas, marineros, fantasmas, espadachines, traidores, fieles, mentirosos, leales, todo el universo de los piratas! No habrá dudas sobre el protagonista ya que el mismo Luffy tiene una sonrisa molestosa para sus enemigos, tiene una gran personalidad para su propósito y es un gran humanista (incluye confiar en gente tan especial como robots, fantasmas y calaveras, jeje). Gran carisma y gran capacidad de aprendizaje, Luffy le debe tanto al Goku de ‘Dragon Ball’ que podría decirse que gracias a su aparición toda la fanaticada del manga y animé japonés pudo pasar de la transición de una serie muy querida a la gran novedad de este muchacho sencillo pero poderoso, cubierto solamente con su eterno sombrero de paja.

 

Un estilo sencillo y unas aventuras entretenidas

Puede que ‘Naruto’ tenga el poder de camino ninja como máximo atractivo entre nosotros los fans, así como ‘Bleach’ lo tiene en la fantasía espiritual; ‘One Piece’ tiene como atractivo sus exageradas aventuras, las luchas desiguales y la deformación de los poderes en favor de los propósitos de sus personajes; dibujados y animados aparentemente de una forma bizarra. Pues nada más lejos de la verdad, ya que existe un sentido de acción, de drama social, de drama personal, de comedia occidental y de aventura ligera que todo parece bien planificado y mejor ejecutado. Las peleas de los buenos, la confianza en cambiar a los que parecen enemigos y la conexión entre el pasado de Luffy y sus queridos amigos están muy bien diseñados que logra que un niño y un joven pasen un buen rato viendo ‘One Piece’.

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Debe ser éste el secreto del éxito de esta obra camino a escribir su nombre en la gran historia del animé japonés, además muy pocas series han llegado a ese altar sagrado donde están ‘Dragon Ball’ ó ‘Los caballeros del Zodiaco’. Ésta serie lo hace y a pasos firmes, si no, pregunténles a Oda y la editorial Shueshia y también al estudio Toei, a sus 14 años y 64 tomos como manga, a sus 12 años y 523 (si, quinientos veintitrés!) episodios como animé en la TV, a sus 10 películas y muchas Ovas y a todo un ejército de escritores, dibujantes y productores que responden a un mercado competitivo.

Como millones de personas, esperemos muy pronto que Luffy consiga llegar al tesoro de Roger, más que eso, que obtenga un precioso lugar en la historia moderna de la animación mundial. Estamos muy seguros de ello.

sábado, noviembre 19, 2011

‘Kung Fu Panda 2’; ¿cuál paz interna?

 
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… Fideos”.
- El Señor Ping viendo alejándose a su hijo y los 5 furiosos.

 

Continuando con la secuela de la exitosa primera parte de ‘Kung Fu Panda’ tenemos ante nosotros su retrasada continuación, tres años después de haberle plantado cara a Pixar (y perdiendo pero por poco) y en un año donde los primeros han fallado estrepitosamente por primera vez (por culpa de ‘Cars 2’). Ahora la compañía de la luna ha pensado en un cambio de timón, donde la directora de tableros de animación Jennifer You se hace cargo de la película del panda y casi todo el casting original vuelve a repetir: Jack Black, Angelina Jolie, Jackie Chan, Seth Rogen, Lucy Liu, Dustin Hoffman y con la incorporación de Gary Oldman como el villano.

Tiempo después de la primera aventura, un pavo real llamado Lord Shen desafía a la China mediante la invención de un arma basada en la pirotecnia tan popular de su país; lo hace por un rencor grande a su familia que a su tiempo pertenecía a su realeza y que tras provocar la desaparición de varias tribus (entre ellas los pandas) reclamó su imperio. Negado por una adivina regresa a cobrar lo que considera suyo y Po junto con los 5 furiosos se deben encargar de detenerle. Empero Po conocerá que Shen es la figura maestra y siniestra detrás de su pasado, de la desaparición de sus padres, de su propio origen.

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Divertida pero apresurada

Tanto J. Aibel como Glenn Berger repiten como guionistas, la misma directora participa en el guión e incluso el gran Charlie Kauffmann (guionista de ‘Eternal Sunshine of the spotless mind’) asesora este grupo, pues no digo que esté mal, total que el secreto del origen de Po teniendo un padre adoptivo pato (el cariñoso Señor Ping a quien es difícil no sentirle ternura) no nos quedaba mal para la primera película. Ingresar este acontecimiento en la nueva aventura ha resultado acertado pero también ha entrado en conflicto con el otro concepto que nos ofrecía: la paz interna. Tras una interesante introducción del maestro Shifu vemos cómo Po tarda en estabilizar sus emociones debido a los nuevos sentimientos de orfandad, soledad y falta de identidad que le rebasan, los otros compañeros (en especial Tigresa) le entienden pero como es un problema personal llega al punto de arriesgar la propia misión.

Pues como el ying y el yang, el blanco y el negro –de ahí un acierto dar guiños al color del panda – y como la alegría y la tristeza, todo para Po se resume en sentir dentro suyo muchas emociones (ying) y su deber por encontrar la necesaria paz (yang). Todo ello entra en conflicto en sus recuerdos. Podía resultar en una mejor resolución pero se nota cierto apresuramiento, muy lineal y adornada obligadamente por las batallas (muy interesantes) y los chistes fáciles y esta vez demasiado básicos y alguno hasta vergonzoso (la escenita del sombrero). Todos los elementos técnicamente bien logrados pero distractivos ya que esa dicotomía del que les hablaba sale muy poco a la luz. Al otro personaje antagónico que es Shen no le alcanza el tiempo para lucirse, para que podamos profundizar en su rencor, en su odio; ni me pregunten por los 5 furiosos, aparecen por cumplir.

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Técnicamente no hay sorpresas

Con una dirección sencilla y previsible en todos los campos, vemos agradecidos grandes paisajes orientales, una excelente utilización de la paleta de colores, sonido, cinematografía y montaje que recuerdan al primer ‘Kung Fu Panda’ pero nada de lo anterior se mejora, no se notan los avances técnicos de tres años y con ello me justifico cuando se notan las diferencias entre todos los ‘Toy Story’ (entre el 1 y el 2 especialmente) y que no tenían mucha diferencia en años. Aún si no recordamos este hecho tenemos otro punto demasiado complicado: el film se resuelve en 80 minutos de los 90 que dura, de esos 80 unos 10 minutos tienen animación tradicional; que se lleve bien con la animación 3D no molesta a nadie pero que se encargue ciertas escenas dramáticas y oníricas a lo tradicional sin la potencia requerida puede llegar a frustrar. De ahí que nos cuestionamos si la empresa tenía la suficiente tranquilidad para lanzar esta esperada secuela.

Finalmente queda una sensación de haber cumplido cerradamente con las expectativas de entretenimiento, ya nos conocemos al personaje así que tampoco pedíamos cambiar su personalidad, pero se nota la poca autoexigencia en el guión, ya que Pixar trataba a sus seguidores de ‘Toy Story 3’ tan bien como si tuvieran 31 o 13 años; en ‘Kung Fu Panda 2’ la DreamWorks parece tratarnos como si no hubiésemos pasado de los 13 años.

lunes, noviembre 14, 2011

Emma Stone; ojos que hipnotizan

 

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Natural de Arizona, Emily Jean Stone es uno de esos casos raros del Hollywood actual. Rebautizada artísticamente como Emma Stone, tuvo una gran oportunidad haciendo y perdiendo en el casting de la serie ‘Heroes’ en el papel que finalmente ganó Hayden Panettiere. Pero no comenzó allí, ya pasó haciendo papeles de muchacha despreocupada, propia de su edad, la televisión era su campo.

Pero he aquí que toda su preparación en el mundo del teatro infantil dió sus frutos y tras la decepción de no ser elegida en ‘Heroes’ probó suerte haciendo el papel de Jules, el interés romántico de Jonah Hill en la sorprendente ‘Superbad’ (Greg Mottola, 2007). Para luego anotarse unos papeles menores y hasta ridículos como su poca importancia en ‘The House Bunny’ (Fred Wolf, 2008). La suerte tocó su puerta y estuvo impresionante como la hermana de Abigail Breslin en la humilde pero cómica ‘Zombieland’ (Ruben Fleischer, 2009) donde actuaba con naturalidad en el papel de chica mala adaptada a una tierra llena de mounstruos y humanos irracionales, sin duda la película que la lanzó a la fama.

Hasta que Will Gluck consiguió su participación en la juvenil ‘Se dice de mí’ (‘Easy A’) donde Emma interpreta a una muchacha liberada y conflictuada por su propia literatura y su interpretación de la sociedad, sin duda su Olive es su personaje más elaborado el más admirado en los círculos del mal llamado cine juvenil de esta década. Tras este gran éxito pudo darse el lujo de moverse en los roles secundarios en trabajos tales como ‘Amigos con beneficios’ y ‘Crazy Stupid Love’; su última gran aparición hasta ahora inédita por Bolivia – y que confirma que tiene a los críticos y la audiencia fascinados con ella – está en el film ‘The Help’.

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Sabemos pronto si su Gwen Stacy bajo la dirección de Marc Webb superará a su impecable y compleja Olive, millones de fanáticos del Hombre Araña y otros millones que hemos quedado hipnotizados por su mirada lo sabremos.

sábado, noviembre 12, 2011

Video: recordando los ‘500 días con ella’

 

Estamos a poco, poquísimo de las 50.000 visitas. Miles de gracias a todos por visitar este pequeño blog, por tomarse un poco de su valioso tiempo para leer, ver y escuchar de esas cosas que tanto nos gustan: cine, animación japonesa y Haruismo. Vamos a dar un impulso con esa gran comedia (anti)romántica que es ‘500 Days of summer’, obra sorprendente de un director joven y curtido en los videoclips musicales como es Marc Webb y a quien le confiaron rebootear la franquicia del Hombre Araña.

En el film existe una escena muy sencilla donde Tom y Summer se encuentran –por segunda vez- y Summer se da cuenta de la canción en los audífonos de Tom, la épica ‘There is a light that never goes out’ del grupo The Smiths y que le gusta mucho a Tom dejándole a él fascinado por esta misteriosa chica y torciendo su concepto de destino, una coincidencia que comparte con Tom y que el muchacho malentiende en todo lo demás, pero bueno, les remito al film para todo lo que les comento.

Ahí les va y gracias nuevamente!

domingo, noviembre 06, 2011

Músicos y Cine: ‘Notorious’, homenaje y reclamo al poder

 
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Eres un chico malo tratando de ser bueno… ó un buen chico tratando de ser malo?
- Estoy tratando de ser grandioso”.
( Faith y Chris )

 

El año 2009 el cine volvía a redimir a uno de los dos trágicos genios musicales que ha dado la música popular americana en los 90s: Notorious BIG, asesinado a tiros en Los Ángeles en marzo de 1997 en medio de una de las guerras más cruentas de mafias organizadas y penetradas en la industria discográfica que se recuerda. Ese día no sólo murió un genio, murió una forma de concebir la música hip hop dentro de la sociedad moderna, como vehículo de protesta, de sentimiento, de libertad del ser humano. Es pues cruel, escribir y recordar toda la aventura de una sociedad marginada, de negros y de inmigrantes, que a base de mucho sacrificio difundió un mensaje, vió como el poder arrebataba las mentes de sus conductores y finalmente asesinaban a uno de sus símbolos.

Un mito que nació gordo y pobre

Christopher Wallace tenía todo para vivir la típica vida olvidada y triste de los anónimos afros de Brooklin, nacido en un terrible 1972 su infancia transcurrió en la peor de las condiciones: la droga, la promiscuidad, la paternidad temprana, todo. Pero tenía un tono de voz atípico, claro, de los gordos obesos; no era para destacar… pero a lado de su voz sus rimas tenían algo muy poderoso: una fuerza narrativa impresionante. Era hip hop en estado puro y respetaba a los históricos. Era conciente de no ser perfecto, de ser considerado nada atractivo pero aún así supo ser orgulloso y junto con Sean Combs (luego Puff Daddy) no sólo creó un nuevo sonido ochentero y noventero al ritmo, creó una industria.

Y tras mucho trabajo pronto ambos se volvieron en el núcleo de un movimiento que desbordaba los gustos de la juventud americana, para 1992 y con 20 años ya tenía un reconocimiento local que pronto comenzó a volverse regional y en tres años era un símbolo nacional. Entonces la mass media se apropió de sus productos y los vídeos de hip hop con cantantes formidables, mujeres hermosas y mucha joyería se convertía en la meta de millones de jóvenes en todo el mundo. Pero paralelo a todo ello el film de George Tillmann Jr. muestra el ingreso de todo lo violento de esos gangsters en la música. En un principio Notorious y Tupac Shakur establecían una sólida amistad y pronto por lo oscuro de los círculos de poder (en el intento de asesinato a Notorious que también se ve en el film) ambos símbolos se enfrentan. Ellos y sus amigos se pelean en la tele, en la radio, en los medios, en las canciones y en todas partes. Propagan odio y desprecio y la costa este y la costa oeste comienzan la muy sangrienta guerra de los coasts.

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Una película testimonial

La Fox contrata a Tillmann (quien perdía el tiempo con comedias bobas tras su éxito conseguido en ‘Hombres de Honor’) para que dirija el biopic y éste entrega un trabajo humilde y respetuoso, lleno de mucha referencia biográfica. Actores muy jóvenes como el rapero Jamal Woolard para el papel principal, un siempre correcto Anthony Mackie como Tupac Shakur, Angela Bassett como la madre de Notorious y la bella Anton smith como Faith Evans, el gran amor del cantante. Para la música se recluta a Danny Elfmann y para el financiamiento el mismo Sean Combs se encarga de producirla. Luego de su estreno la película logra el efecto que se deseaba: recordar con honda tristeza las injusticias que cometió la ambición del poder de la industria musical.

Un film muy triste, con demasiada precisión que narra las luces y las sombras de un genio, aunque la crítica no se puso muy entusiasta muchos aplaudieron que por una vez, se haya centrado un biopic en la figura de Chris, un muchacho que siendo pobre cambió la música moderna hasta nuestros días, mártir de su propia pasión.  Así debería ser siempre, hablar sobre la persona y no el personaje.

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El otro genio musical, Tupac Amaru Shakur, vendrá pronto al blog.

jueves, noviembre 03, 2011

‘El rito’, penoso intento para dar un mensaje

 
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Ése no es el demonio”.
- Michael Kovacs.

 

Antes de hacer ‘El rito’, Mikael Hafstrom nos entregó dos películas aún más interesantes: ‘1408’ con Samuel L. Jackson y ‘Shangai’ con una orquesta de estrellas, ambas tampoco eran grandes ò espectaculares obras, pero a la par de lo que ha presentado en su último film, son mejores películas e incluso más redondas. No es que sea una mala idea, eso de tirar de la fórmula de las películas de horror sobre el exorcismo y la fé; muchas otras han intentado seguir la estela de la fundacional ‘El Exorcista’ de William Friedkin, muchos incluso han salido bien paradas, otras han sido un bodrio.

Lamentablemente ‘El rito’ no es ni uno ni otro, por lo que el olvido la espera.

Dónde fué a parar el presupuesto?

Pues no fué a los guionistas y por lo percibido, el mismo Anthony Hopkins debió cobrar por minuto. Basado –se dice – en la historia real del Padre Gary Thomas, la peli cuenta la llegada a Roma de Michael Kovak, seminarista iniciando las prácticas con terribles dudas superficiales de fé y de creencia en lo bueno y lo malo. El experimentado padre Lucas trabaja como su profesor y acudirán al llamado de exorcismos varios, diseminados por todo el distrito, y siempre acompañados por el escepticismo de Michael. Empero, la muerte ronda a la misma familia del joven Kovak, todo lo que parecía explicable o negable desde su raciocinio se comienza a tambalear y deberá enfrentar de esta forma, al mismísimo demonio.

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Miren, no parece mal argumento, pero no causa conmoción ni emociona por ninguna parte, todo cae en lo previsible y cuando Michael ve afectado sus sentimientos familiares, es decir, cuando duda de todo lo que negaba, el cambio no parece creíble! Colin O’Donoghue se nos muestra limitado como actor en sus distintos rostros (tampoco en Los Tudors brillaba) y para colmo Alice Braga y su historia del hermano abandonado ni siquiera sirven de relleno, los dos actores jóvenes están muy mal dirigidos, Hopkins no defrauda ya que cumple como el profesional que es pero los muchachos no transmiten horror, tampoco drama, tampoco sufrimiento, mucho menos expresan dudas o temores frente a lo trascendental que están por vivir.

Para el colmo de los males, el film puede resumirse en 5 o 6 escenas que no se recordarán dentro del mismo género. Es tan lineal y no causa lo que se propone que cuando llegamos al enfrentamiento final de Michael ya sabemos cómo acabará!, el momento que supuestamente debía ser emocionante carece de potencia y sólo nos queda ver un final ligero, complaciente, débil, sin impacto y lo que es peor; sin afectar espiritualmente al espectador. Los creyentes laicos por ejemplo, la encontrarán correcta y cumplidora pero los demás no le darán el valor que debía tener por la ausencia de recursos, porque lo producido no alcanza, el guión no se aprovecha, los decorados son simples, la fotografía no resalta y el sonido es vergonzoso, con decirles que se nota los efectos de mezcla de discos en las voces en estéreo de las personas poseídas.

Penoso intento de brindar un relato sobre la fé, ‘El rito’ es insuficiente para cumplir con el género del horror y mucho menos para cumplir con las películas llamadas ‘emotivas’, de ésas que te muestran ficción y hacen crecer la fé de uno, sirva como ejemplo la contundente ‘El Exorcista’ que transitaba en el terror ó la sustancia ‘Señales’ que caminaba en el suspenso. Ni modo Mikael, será en otra.

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miércoles, noviembre 02, 2011

Julia Roberts, Greatest Hits

 

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Estamos de retorno y abriendo un nuevo espacio en el blog, vamos, mis amigos, a reseñar las mejores obras, las mejores interpretaciones, lo más destacado ó a veces lo más arriesgado de un actor o trabajador de esta industria cinematográfica, muy ligera a momentos y muy densa en otros. Nuestra primera invitada acaba de cumplir 44 el pasado 28 de octubre, la señora Julia Roberts.

Natural de Atlanta, Georgia; Roberts proviene de una numerosa familia de actores e intérpretes y ha sido educada en un fuerte ambiente católico. Sus primeras apariciones las realizó en el mundo de la televisión desde donde saltó a la fama tras que el destino le deparara el protagónico de ‘Pretty Woman’ en 1990 junto a Richard Gere. Estrella ascendente que se convirtió en figura popular a mediados de los 90s, pronto la fama se apoderó de ella y tuvo que pasar mucho tiempo hasta tener papeles de mayor relevancia. Claramente tiene sus mejores años de actriz entre sus 33 a 37 años (de 1998 a 2004), cuando era considerada no sólo una figura cinematográfica sino también una figura mediática y fashion. Ahora camina en su postergada maternidad y su figura ha sido muy opacada entregando actuaciones sosas y sin potencia. Valga la oportunidad para rememorar las que – de forma muy egoísta – hasta ahora son sus mejores trabajos.

10. Confesiones de una mente peligrosa (2002). George Clooney  dirigiendo a su amiga en una historia de dobles vidas, la tele y la CIA y con una Roberts muy estilizada como secundaria.

09. Notting Hill (1999). Una comedia atípica de alto vuelo intelectual donde Julia hace de sí misma (o casi) y Hugh Grant trata de colaborarla desde el íntimo espacio de un barrio londinense. Pudo ser mejor pero no defrauda en lo que propone.

08. The Mexican (2001). Otra comedia que nunca consiguió arrancar por el desordenado trabajo de Gore Verbinski pero que sirvió como excusa para reunirle con Brad Pitt. Sólo eso, no pidan más.

07. Ocean 11 (2001). El papel menos exigente de Julia pero talvez el más esperado por la afición al remake de la película original de hace 60 años. Ser el objeto de Clooney en el robo de un gran casino en Las Vegas y rodeada de los mayores estelares de Hollywood del momento. Un director agradecido consigue exponerla con mucho respeto a pesar de tener un personaje cliché.

06. La sonrisa de Mona Lisa (2003). En un gran ejercicio del director Mike Newell, Roberts interpretará de maestra (en el personaje y fuera de cámaras) de jóvenes actrices de la talla de Kirsten Dunst, Maggie Gillenhall y Jula Stiles. Gran reparto para un film que tampoco engañaba en su propuesta.

05. La boda de mi mejor amigo (1997). Casi la última gran comedia de los 90s, muchos recordamos a la histérica Julianne y sus intentos de arrebatarle a Cameron Díaz su preciado y comprometido novio. Claro, no todo le sale como quiere, jeje.

04. Dying Young (1991). Una gran película de Joel Schumacher – quien luego arruinó su carrera con sus films de Batman – donde Julia es enfermera de un paciente con leucemia (Campbell Scott) y trágicamente se enamora de él. Drama y tristeza frente al claro destino.

 

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03. Closer (2004). Hasta el momento, la última película de Roberts. Encasillada como una fotógrafa americana en Londres, ingresa en un juego romántico y lujurioso con los personajes de Jude Law, Natalie Portman y Clive Owen. Film muy adulto y a la vez examinador de sentimientos profundos, su importancia irá subiendo con el tiempo, por el mensaje sensual que desprende, por el trabajo del gran Mike Nichols y por esos cuatro actores que participaron en este interesante film.

02. Pretty Woman (1990). Pues nada que decir. Disney apadrinando un cuento de hadas con una joven Julia que trabajaba como…. Y le consiguió su primera nominación al Oscar.

01. Erin Brockovich (2000). Ya van más de 10 años de su gran papel en un film tan denso como esperanzador, su interpretación biográfica de Erin tiene mérito por resumir todas las facetas de una mujer moderna con sus luces y sus sombras: peleadora social, comprometida con las causas de sus protegidos, mujer contra corporaciones machistas, madre abnegada pero una terrible amante. Todo ello se ve en una película redonda, claro, con el mejor Steven Soderbergh tras las cámaras.

Ha sido todo por el momento, pronto caerá el siguiente, así que atentos.

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