domingo, octubre 30, 2011

Escenas inolvidables: el ángel de Wikus en ‘District 9’

 
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Ustedes todavía no han visto a mi esposa, déjenme mostrarles a mi esposa, ella es mi ángel especial. Ésta es ella, hasta parece un ángel! Fíjense en el velo blanco. El velo hace que parezca un ángel. ”
- Wikus.

 

Excelente cine sobre la temática de la discriminación y la ambición humana, el éxito de ‘District 9’ de Neill Blomkamp se logrará apreciar más y más con el transcurso de los años, no sólo por su logrado mensaje manifiesto sino por equilibrar cine de entretenimiento con la preocupación social, obra atrevida de un director a quien Peter Jackson le confió una labor tan fuerte; muchos estamos atentos al futuro en sus demás proyectos.

Wikus Van de Merve es el protagonista que, como todos recordamos, sufre una verdadera metamorfosis kafkiana por el contacto con sustancias alienígenas; su aventura llegará a un final donde ya comprende que no tiene retorno y el director - hábil en el estilo – nos presente el documental backstage de sus declaraciones recordando a su esposa, acto seguido la fiel esposa de Wikus nos muestra un regalo dejado en su casa. Pero prefiero quedarme con el segmento de Wikus quien les menciona una intimidad muy importante de este desgraciado hombre, comparando a su esposa con un ángel; todo por un bello recuerdo del halo de luz fotográfico el día de su matrimonio.

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Con ello Neil no sólo logra completar un film arriesgado, logra un éxito redondo, varias nominaciones a los premios y hasta ahora, la última película de ciencia ficción nominada a mejor película en los Oscars.

jueves, octubre 27, 2011

‘Yuru Yuri’, divertida e ingenua comedia yuri

 

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Proveniente de la influyente revista de manga Comic Yuri Hime, la aventura de ‘Yuru Yuri’ comenzó en el año 2008 mediante un manga muy poco original que destacaba la amistad demasiado esterotipada de cuatro amigas: Yui, Chinatsu, Akari y Kyoko (en el orden de la foto inferior). Chicas que rápidamente se conocen y que deciden fundar el club de ceremonia del té en su high school, misma que se deforma en un club de mero entretenimiento donde poco parece importar el estudio, se le dà mas importancia a la experimentación y a las situaciones sorpresa.

 

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Bajo una premisa con poca potencia sorprende con una legión de fanáticos que sólo buscaba comedia ligera de adolescentes, sumando a la fanaticada un contenido yuri muy modesto, y es que las chicas tienen sentimientos que sobrepasan la simple amistad pero cuya timidez y autonegación no permite ningún avance. Pero he aquí que el estudio Dogakobo apuesta por producir la serie animada y se realiza el animé en 12 divertidos capítulos.

Con mucha estética sencilla y con guiones que recuerdan la inocencia de ‘K-ON!’ (ni que decir del número de integrantes del club), comenzamos a observar una serie con mucha buena vibra ya que entendemos la personalidad que les han otorgado a nuestras cuatro muchachas: Akari es una protagonista sin protagonismo, Kyoko es la rubia inteligente y extremadamente divertida que busca quedarse con la pequeña Chinatsu, ésta a su vez se encuentra atraída por Yui quien es la más madura y centrada de las cuatro, presas todas ellas de mucha (y divertida) inmadurez.

Y si eso no fuera poco tenemos a muchas otras chicas que acompañan las aventuras cotidianas de las cuatro principales, la dubitativa Ayano y su escudera Chitose además de las rivales Sakurako y Himawari; quienes complementan las historias cómicas, situaciones desordenadas, eventos con cambios bruscos y mucha ingenuidad preadolescente. Una serie que destaca por el sólo hecho de ser la única propuesta de comedia y yuri que acompaña este 2011.

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lunes, octubre 24, 2011

Brad Bird; narrador con mucha humanidad

 
Ratatouille Director Brad Bird has his headshot taken on March 21, 2007 at Pixar Animation Studios in Emeryville, Calif. (Photo by Deborah Coleman / Pixar)
En ‘Ratatouille’ se ve que las baldosas del suelo del restaurante no son totalmente planas. Tienen ángulos un poco diferentes y por eso las baldosas reflejan la luz de forma distinta, así que tuvimos que hacerlas todas y cada una por separado”.
- Brad Bird.

 

Philiph Bradley Bird, nacido en 1957 en Montana, Estados Unidos es nuestro siguiente invitado a los ciclos de especiales que con tanta emoción hemos traído a lo largo de estos años en el blog. Brad es un hombre hecho en la industria fílmica de la animación pero también es un gran artesano del cine en general. Educado en la escuela clásica de Walt Disney, Brad subió todos los escalones de su profesión hasta llegar al día de hoy, convertido en uno de los directores – no sólo del cine infantil mucho menos del cine animado – con mayor respeto y credibilidad en el mundo entero, su fama de gran director técnico y exigente (como se comprueba con la frase de arriba) también le precede.

Con sólo 4 películas en su currículum, repasaremos sus primeras obras en la TV así como su participación en obras tan populares como ‘The Simpson’ ó ‘Amazing Stories’. Asimismo seremos testigos de su contribución al estudio Pixar; donde elevó el nivel artístico a un estándar tan alto que el cine de este estudio ya es considerado siempre como referencia de calidad.

En ‘El Gigante de Hierro’ un niño descubre la lealtad a través de la humanidad de un ser mecánico, en ‘Los Increíbles’ un padre superhéroe muy humano anhela sus tiempos de gloria a pesar de su labor familiar; en ‘Ratatouille’ un pequeño ratón libera su talento envidiando a los humanos cocineros. Es el tema del humanismo que ha llevado a Bird a ser considerado de aquí en adelante para producciones más fastuosas, y averiguar – si es posible -  si su trabajo de dar vida a criaturas animadas, de ser un narrador portentoso; pueda aplicarse en personas con carne y hueso.

Así mis amigos, tenemos un nuevo especial! Que nervios!!!

 

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domingo, octubre 23, 2011

‘Redline’, frenético espectáculo visual presentado en el Overload 2011

 

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Qué es lo que saben ustedes, anunciantes, sobre las carreras?!?!”.
- JP.

 

Tuvimos ocasión de asistir a nuestra cita anual con el Overload cochabambino 2011, esta vez con gran asistencia, mucho comercio y gran sentido de unión en una comunidad tan dinámica como la nuestra, como siempre da gusto y placer ver vigentes nuestras aficiones y observar con alegría las nuevas formas que el animé y sus plataformas se renuevan año tras año. Felicitaciones pues, a los organizadores.

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Automovilismo y animé. tanto material que se puede explotar y tan pocos resultados, claro que estamos lejos de comentar una nueva versión de ‘Meteoro’ pero lo que vamos a reseñar con este post juega en otra liga, a medio camino entre los autos y la ciencia ficción; una película que tardó 7 años en desarrollarse, ni más ni menos. Y es que ‘Redline’ pertenece al laborioso estudio Madhouse y en este mastodóntico proyecto toda una industria ha sido involucrada y todos ellos han sido homenajeados, pero vamos por partes.

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Los autos locos de Takeshi Koike

Koike debuta como director de este film, para quienes no le conozcan estamos hablando del pupilo (de nada más y nada menos) de Yoshiaki Kawajiri, el aclamado escritor y director de ‘Ninja Scroll’, ‘Vampire Hunter D’ y ‘Wicked City’. Con semejante maestro las aficiones de Koike no podían ser más correctas: el expresionismo alargado que se notan en los rostros de los protagonistas y ‘Redline’ va de eso, precisamente va de caras.

JP es un corredor forjado tras una dura niñez y una personalidad sin tapujos, chulo de primera y encaramado en un ridículo jopo; vemos cómo casi logra completar el circuito espacial de Yellowline, al perder la carrera y estar accidentado es rápidamente solicitado para entrar (por la ventana) a la carrera más mortal, desvergonzada y criminal de todos los circuitos del universo: el Redline, que se correrá en Roboworld. El gobierno del planeta desconfía de la carrera – con mucha razón - y se interpondrá en la organización, que dicha sea de paso se llena de corrupción, de traición, de espectáculo televisivo manipulador, de comercio, lujos y poder que se juegan en la competencia. Como actualmente sucede!

Pero JP sigue siendo un niño confiado y encomienda su auto y sus accesorios competitivos a su jefe de técnicos y su poca gente que confía, en el medio se fija en una chica similar en orígenes a él: la decidida y centrada Sonoshee, quien perturba su mente (y algo más), poco tiempo les quedará, hasta que comienza la carrera.

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Prodigio de animación técnicamente bien desarrollada, en ‘Redline’ asistiremos a unas carreras frenéticas que contraponen a unos escenarios espaciales poco trabajados, pero de qué vamos a quejarnos? es puro machismo sin esconder nada, las mismas féminas participan de todo este show y todos los extraños corredores acceden a nuestra simpatía gracias a un carisma conseguido en segundos. Los malos pueden no serlo a primera vista, las escenas pueden ser impredecibles en un instante, nada parece ser lo que es y no habrá descanso para la retina. Porque ‘Redline’ acribilla todo sentido con cada giro en el argumento. Exagerada de principio a fin, es acompañada por una música trance (obra de james Shimoji), unos colores, sonidos, fotografía y una animación que notan los años que se pasaron dibujando cada caótica escena, tal vez por ello ganó mucho reconocimiento internacional en los festivales donde pasó. Y lo más interesante de todo es que deja buena impresión al terminar! que la competitividad (que parece ser su tema) puede ser tan fugaz como una ilusión o tan sólida como los mismos motores que corren en estos vehículos. Veremos que le depara el futuro a Koike y a Madhouse.

p.d. Un saludo cordial a mis amigos Juan José Heredia y Jinna!!!! Visiten el facebook de Aniplush!!!

jueves, octubre 20, 2011

‘Ciudadano Kane’: 70 años de la mayor película americana

 
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Rosebud”.

Mucho y harto se puede debatir sobre esa manía de los gringos a hacer rankings sobre su propia historia, lo cierto es que se comete mucha expectación y sobran los méritos para todos los films en este arte en formación que es el cine. Después de todo, sólo ha transcurrido más de 100 años y aún tenemos la impresión de que las artes cinematográficas deben evolucionar para ser un testimonio humano establecido. Extraña por lo tanto que tras la primera emisión de ‘Las 100 más grandiosas películas de todos los tiempos’ de la American Film Institute el ‘Ciudadano Kane’ haya resultado la mejor película, y en su revisión 10 años después haya sido ratificada. Aquí y allá, hay un consenso oscuro pero demostrable, y es por el tamaño de la obra que nos ocupa ahora, para darle pleitesía y todos los honores a la película que quebró la historia del cine para siempre.

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Un genio indomable como pocos

Orson Welles es una figura fundamental del arte moderno del siglo XX. Orson Welles era un niño con talento precoz que a sus 10 años era pintor y músico prometedor y tras el divorcio de sus padres llegó con su madre a Chicago, a insertarse en los círculos artísticos y bohemios en su pubertad y a sus 16 años hacía teatro en Irlanda. Pronto volvería a su país y se estableció en Nueva York más concretamente en Broadway, el mismo núcleo del competitivo teatro americano. Allí fundó el Mercury Theatre, se ganó a la audiencia por su completo dominio de Shakespeare, consiguió fama de trabajador e innovador del género teatral y a sus 20 años dominaba todas las técnicas de la actuación así como sus plataformas. A sus 23 años produjo con su grupo la transmisión de una obra en la radio llamada ‘La Guerra de los Mundos’ adaptando la tétrica novela de H.G. Wells y produjo un sensacional escándalo real en New Jersey.

Entonces RKO Pictures le contrató, a sus 24 años, para filmar dos películas con total libertad creativa, artística, musical y de producción. Welles filmó ‘Ciudadano Kane’ y asumió el riesgo completo de esta bestial obra, su primera película, con guión propio, con él como actor principal y sentado en la silla de director. Cuántas veces puede ocurrir que un muchacho talentoso cambie de una sola vez a una industria fuerte, compleja, interesada y reacia a las revoluciones como la cinematográfica? ha ocurrido una vez, hace 70 años y quien lo hizo fué Orson Welles.

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La profunda historia de un niño sin niñez

Orson tenía la presión de dar con una historia original para acceder a los beneficios de su contrato, empero sólo encontraba dificultades a la hora de definir el motivo de su primera película. Hasta que encontró una verdadera historia para adaptar! Recurrió de forma muy astuta a las biografías no autorizadas del magnate de los medios William Randolph Hearst y se apropió de muchos pasajes de su vida para crear al personaje de su película: Charles Foster Kane.

Kane, es el apellido tras la vida de un chico nacido en una familia pobre que descubre petróleo en su miserable rancho. La madre decide alejarle de semejante ambiente y confiere la educación de su hijo al mismo banco, los dueños se transforman en los tutores del muchacho y tras alcanzar los 21 años Kane podrá hacer uso de sus legítimos derechos propietarios.

Pero Kane vuelve y con toda la rebeldía de la juventud no se concentra en la fácil vigilancia de todos sus negocios, decide administrar tan sólo uno de ellos y así dejar de proyectar su larga soledad mediante un diario vespertino. Kane no sólo logra convertir al 'Inquirer’ en el mayor diario de la ciudad, logra construir otro imperio de medios y mover las conciencias de las masas a partir de su poder mediático. Mientras, se casará, sufrirá desgracias humanas, se le ocurre ser gobernador, decidirá enfrentarse una y otra vez a la vida; y siempre caerá derrotado.Es la historia de una tragedia surgida desde su niñez, desde el alejamiento de su madre y de su inocencia. Por ello la nieve, por ello su querido artefacto.

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El destino pone todo en su lugar

Welles y Mankiewicz componen un guión formidable, pasmosamente soberbio y de una profundidad dramática muy imponente. Se puede contar una vida en dos horas de cine clásico memorable y de paso logra salir victorioso de todos los temas que quiere tocar: el destino, el capitalismo, las oportunidades, el amor, el matrimonio, la soledad, la inocencia. Ahí está la fortaleza de ‘Ciudadano Kane’ y para rendirnos frente a su testimonio se puede testificar que todos los apartados técnicos fueron reinventados por el mismo Welles: actores de radio convertidos en actores de cine, una fotografía en blanco y negro moderna para su tiempo y unos enfoques de cámara nunca antes visto, el uso de cámaras, maquillaje y planos dignos de un visionario, un montaje adelantado a su tiempo y una música (de Bernard Herrmann) producida a la perfección. Es decir, no mejoraba lo conocido en el cine, lo evolucionaba. por eso se dice que es un cine mayor, la mayor y la más influyente en su género.

Todo se ha vuelto leyenda en torno al ‘Ciudadano’, desde los detalles que documentan el trabajo de Welles, desde las dificultades y el boicot que el mismo Hearst le puso al film, de la gran aceptación de la crítica, de su escasa promoción y pérdida financiera en su exhibición, de sus 9 nominaciones al premio Oscar y de su único premio recogido (por el mejor guión), de la salida de Welles de Estados Unidos por no ser aceptado por la industria contaminada, de cómo realizó otros grandes clásicos en Europa tras su exilio (’Sed de Mal’, ‘El Cuarto Mandamiento’, ‘Otelo’, etc.) y de cómo llegó a renegar con un sistema empresarial que le odiaba, el mismo sistema que no pudo hacer nada cuando el año 1998 (y el 2007) la alzaron como la 1ra. película americana de todos los tiempos.

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Hace 70 años del ‘Ciudadano Kane’ y hace 26 años que Welles nos dejó. Murió a sus 70 años. Si eso no es destino pues qué puede serlo?

p.d. Dedicado a mi amigo Jorge Buitrago, quien me hizo conocer esta película hace 9 años.

p.d.2. Vean un tributo aquí.

sábado, octubre 15, 2011

Escenas Inolvidables: el reencuentro de un padre y su hija en ‘El Luchador’

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Eres mi hija, mi pequeña hija. Y ahora soy un pedazo de carne viejo y destrozado y estoy solo. Y me merezco estar solo. Solo quiero que no me odies”.
 

‘The Wrestler’, esa grandiosa obra realista y contundente sobre un hombre que lucha contra su decadencia y contra la vida, vida que le propina los más terribles golpes una y otra vez, hoy recordaremos una escena con gran expresión de cine dramático, de cine íntimo.

Randy (un portentoso Mickey Rourke) busca a su hija Stephanie (una siempre perturbante y bellísima Evan Rachel Wood) tras que ella le rechazara en su anterior visita; Randy está totalmente seguro de poder acercarse a su reticiente hija a quien ha descuidado en todos estos años. Tras los recuerdos de niña y el hombre que alguna vez fué padre, Randy comienza una súplica desgarradora y desesperada en busca de perdón (con las líneas de arriba), siendo honesto con él mismo y con su propia hija. Una oportunidad aprovechada que le permite llegar al corazón (por lo menos en ese instante) de Stephanie, y para mayor alegría… a un baile.

Como es un film de Aronosky y a él le gusta que veamos la humanidad de nuestro héroe, de sus fortalezas y de sus terribles debilidades y miserias, pronto sabremos que este bello reencuentro será destruido por Randy, a quien la vida como dijimos, le golpea con toda la trágica realidad que puede.

miércoles, octubre 12, 2011

Tráiler: ‘Los Muppets’ parodian a ‘Los hombres que no amaban a las mujeres’

 

Pues de rato en cuando volvemos a ver trailers que con descaro parodian lo visto en otros avances, aunque lo más peculiar de esto es que estamos viendo una parodia sobre un film que falta por estrenar. El nuevo film de Los Muppets cuenta en la silla de director con el señor James Bobin, un habitual de Sacha Baron Cohen (uhmmm), y cuenta en su reparto con nada menos que la famosa plantilla de los Muppets creado por Jim Henson que ya salieron en muuuuchas películas dedicadas desde la década de los 80s. Para mayor riesgo están los oscarizados Chris Cooper y Amy Adams, Walt Disney distribuye.

Pues el trailer en sí es cómico, porque logra equilibrar la diversión con la seriedad y energía del tráiler original de la última peli de David Fincher: ‘Los Hombres que no amaban a las mujeres’, que llegará un més después de los Muppets: el 21 de diciembre. Estilos totalmente distintos y el único veredicto que valdrá será la del respetable espectador. Por mi parte: aguante Lisbeth Salander!

 

Me mata el final, con esa alusiòn al ALBUM VERDE de Weezer, que por cierto hace 8 años sacaron una canción con los Muppets en el vídeo.

sábado, octubre 08, 2011

Steve Jobs y el Haruismo

 

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Terminaremos este especial de tres partes con la rarísima conexión entre nuestro homenajeado y la diosa. Desde el lanzamiento del iPod han sido numerosos los fan wallpapers que han modificado las figuras de Haruhi Suzumiya y toda la brigada SOS (y muchas otras series animé) con el popular player. Ya que no estamos tristes ni nada, aprovecharemos esta magna ocasión para regalar algunas de estos - más que interesantes – fondos minimalistas. Click aquí.

Ahora veamos dos frases sospechosamente muy parecidas:

La primera, de Jobs en su memorable discurso de Stanford:

Ahora mismo lo nuevo sois vosotros, pero dentro de no demasiado tiempo, de forma gradual, os iréis convirtiendo en lo viejo, y seréis apartados. Siento ser tan dramático, pero es bastante cierto. Vuestro tiempo es limitado, así que no lo gastéis viviendo la vida de otro.”

La segunda, de Haruhi Suzumiya cuando acompañada de Kyon y cruzando las vías del tren realiza el sellado de la primera realidad:

Me parece que es demasiado aburrido que siempre le sucede lo mismo a todo el mundo en todas partes. Si hay tantas personas en el mundo, tiene que haber alguien por ahí que tenga una vida extraordinaria y emocionante. ¿Pero por qué no puedo ser yo?

viernes, octubre 07, 2011

Steve Jobs y el cine, los inicios de Pixar

 

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Vamos a ingresar en un nuevo especial de la vida de Jobs. Su fructífera relación con la industria del cine tiene dos grandes partes: la relación técnica industrial y su relación artística.

Para el primer punto precisaremos su propio y famoso discurso en la Stanford University en 2004, cuando recordaba ser despedido de la misma Apple Computers. Con su ojo de inversor se hace cargo (por 10 millones de $us) de una subdivisión técnica de la empresa de George Lucas y se bautizó como Pixar. Sus inicios son terriblemente complicados ya que la nueva empresa tenía un capital humano lleno de científicos visuales y artistas con mucho talento por delante y Steve proporcionó la plataforma de negocios y el financiamiento que hagan posible su supervivencia. A fin de mes tenía que sacar el cheque para sus muchachos.

Pues Pixar no era como la conocemos y en aquellos sólo desarrollaba tecnología para la animación en 3D como muchas otras compañías. Se dice que Jobs quería ser el mejor en ese rubro pero al ver el éxito de cortometrajes como Tin Toy ó Luxo Jr. decidió impulsar el lado creativo de este emprendimiento.

Ya en 1991 acordó con Disney producir la primera película animada en 3D de la historia, una historia entre un juguete vaquero y un juguete espacial llamada Toy Story y el resto sería historia. Pero reseñemos un aspecto importante de su personalidad: Jobs se vió afectado por el éxito de ‘Tron’ (1982) donde la misma Disney se llevaba las flores y los tres estudios de computación que colaboraron con el aspecto visual quedaron en el olvido (aparecían al final de los créditos), por lo que luchó para que el logo mítico de Pixar se presente junto con el de Disney al principio del film.

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Esta arriesgada y gran jugada de posicionamiento de marca fué la cruz de la empresa del ratón en más de 15 años, hasta ser comprado (es un decir) por 7.400 millones de $us en 2006; Jobs siguió con su influencia y logró que sus amigos (Ed Catmull y John Lasseter) no sólo dirigieran la misma Pixar sino también dirigieran Disney 3D Animation Studios. La Historia es un caso de estudio empresarial en muchas partes.

Para el segundo punto debemos adentrarnos en la intimidad creativa de Steve. Ya de vuelta en 1997 en Apple sus amigos John Lasseter y Andrew Stanton le visitaban para asesoramiento artístico y sus posibilidades técnicas en las grandes historias que iban saliendo. Eran los años de un hit tras otro: ‘Toy Story 2’ (del cual fué productor), ‘Bichos’, ‘Mounstruos S.A.’, ‘Buscando a Nemo’, ‘Los Increíbles’, ‘Cars’, ‘Ratatouille’.

En 2009 y con gran sentido futurista colaboró para el diseño de un personaje femenino clave en una de las más grandes películas animadas de la última década: la robot Eve en ‘Wall-e’. Diseño que tuvo vida y personalidad en un maravilloso film y que ahora es su regalo viviente dentro del cine. Es algo así como la niña que Jobs regaló a todos los que vimos y sentimos esa entrañable película y que perdurará en el tiempo. Sin dudas, una pequeña muestra del genio que nos seguirá guiando desde lo más alto.

 

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jueves, octubre 06, 2011

Steve Jobs y el animé japonés

 

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Tras la triste noticia del fallecimiento del visionario tecnológico y a  manera de homenaje nos propusimos relacionar a Steve Jobs y al Japón, que de eso trata el blog, y… si una vez ya logré conectar a Michael Jackson con el animé japonés entonces no había razones para no vincular a Jobs y su obra de igual manera.

Steve era asiduo de los mercados asiáticos y como el genial vendedor que es impulsó la globalización en amplio sentido a todo el continente, convenía desde el punto de vista del mercado y del empleo. En el caso específico de Japón es difícil verle retratado como personaje en mangas ó animé convencionales pero no podemos negar la presencia de la tecnología de Apple en varias series de animación del país del sol naciente, incluso y si alguien cuenta con tiempo para la investigación alguien ya realizó un resumen de series manga y películas animé donde se indica directa o indirectamente los productos de Jobs (más de 40! quien diría!!) en obras tan diversas como Excel Saga o Neon Genesis Evangelion.

 

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Pero para este post realizaremos un sencillo juego visual sobre la inspiración que las primeras Macs tuvieron en una pc futurista en el animé Serial Experiments Lain (sip esa obra de alto grado conceptual y existencial sobre el individuo y la sociedad que me dejó frito el cerebro); observen el diseño de la primera PC ‘Navi’ rojas que es obsequiada a Lain con su fuente: una de las primeras Mac comerciales de nombre Apple Newton. Asimismo el sistema operativo de la máquina (inexistente para esa época) no era más que una versión estilizada del director Ryutaro Nakamura creada en concepto y en conjunto con la fábrica Pioneer. En la pantalla observamos el logo de Copland OS y que se refiere al nombre real del proyecto Mac OS8 y la ficticia empresa Tachibana Lab que  fabrica las Navi tiene como significado mandarina oriental en español.

Finalmente el slogan de la serie: “Close the world, open the nExt” (con la E mayúscula) rinde homenaje a la compañía NeXT (con e minúscula y letras invertidas) creada por Jobs tras su despido de Apple en 1985. Existen muchas guiños más que prefiero dejarlas en misterio ó en el aire, ese espacio tan grande como la influencia de este genio que acaba de fallecer.

domingo, octubre 02, 2011

‘Agua para elefantes’; romance en medio de las criaturas

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  Eres una mujer hermosa. Mereces una vida hermosa”.
- Jacob.
 

Tenemos ante nosotros un intento de realizar cine romántico clásico y que, a pesar de tener entre manos una guión interesante, naufraga en sus intenciones y carece de potencia interpretativa de dos de sus protagonistas, tenía todo para convertirse en el film de romance del año y por sus limitaciones en la dirección lamentamos decir que no logró llegar a todas esas posibilidades que ciertamente se notaba que tenía.

‘Water for Elephants’ trata la adaptación al cine de una novela exitosa que fué llevado al cine este 2011 de la mano del irregular Martin Lawrence, el mismo crispín de ‘Constantine’ y el artesano de ‘Soy Leyenda’. Estamos relatando la vida de Jacob Jankowski quien envejecido pero lúcido se presta a contarnos su vida en la depresión americana de los años 30 y su paso por el circo de los Benzini. Un joven Jacob (interpretado por un actor que crece a ritmo lento como es Robert Pattinson) está por graduarse de veterinario y es aceptado a duras en el circo ambulante, los animales y su salud deben ser centro de su atención pero todo cambia al llegar a conocer a Marlene (Reese Whiterspoon, ahi está), para mayor desgracia no sólo es la estrella del show sino también la esposa de August, el dueño del circo (un interesante Chris Waltz) que trata de manera despótica, firme y atemorizante a sus animales y sus mismos empleados.

 

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Las escenas de la historia se instalan a un ritmo demasiado lento y pasamos de preocuparnos por el nuevo joven, a observar su ingreso al cerrado grupo de trabajadores circenses, su delicada situación con August y su creciente relación con Marlene crean una atmósfera pasiva que no parece transmitir tensión en ningún momento. Cuando este terrible error está por apropiarse de la película llega una salvación! Una elefante de nombre Rosie es encontrada y apropiada por el circo, salva al espectáculo, salva a los trabajadores, salva del aprieto económico a August, en fin, salva el film!

Luego se desencadenan los hechos previsibles, el triángulo se vuelve insostenible y August comienza a ver algo entre su joven pupilo y su esposa; cuándo acaban bien estos asuntos?

Le faltó experiencia a Lawrence, la química entre Pattinson y Whiterspoon siempre pende de un hilo en sus escenas y sólo la gran fuerza interpretativa de Waltz consigue devolvernos a la película una y otra vez, cuando la tragedia aparece se suceden acontecimientos demasiado fortuitos y hasta poco creíbles que podrían verse mejor con otro director, que no fuese tán clásico con el montaje, la fotografía y el vestuario; pero no se puede desmerecer todo el trabajo técnico aquí. Si ‘Agua para elefantes’ tiene una ventaja es que consigue que nosotros saquemos sentimientos de pena y justicia hacia Rosie, (sólo a ella y a los demás animales casi nada) porque la joven pareja puede tener presencia pero no fuerza, casi sin expectativas. Qué no es buena recomendación? en absoluto, como cine romántico está más que bien pero no esperen que se vuelva un grandioso clásico.

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