martes, abril 26, 2011

Músicos y cine: ‘Ray’, el talento frente a la adversidad

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 - Sabes? porqué no dejas que les introduzca adentro? tu ya sabes, para que te muestres un poco.
- Muy bien, eres un perfecto anfitrión.
- Genial, éste es como mi lugar. Así que, cuál es tu nombre?
- Ray Orbison.
- Yo soy Quincy Jones ”.
 

La biografía de Ray Charles se resolvió cuando contrataron a un director tan experto como Taylor Hackford y a un actor del calibre de Jamie Foxx. Aunque la carrera de Foxx ha tenido altibajos desde el 2004 pocos han dudado de los elogios por su tremenda actuación colocándose bajo la piel del cantante ciego más famoso del rock and soul. Ray Charles.

Taylor comentó más tarde que la producción de semejante proyecto tardó 15 años en hacerse realidad e implicó muchas actividades con el asesoramiento del mismo Ray Charles – para quien le enviaron una copia del guión en braille – Ray objetó tan sólo dos escenas y para muchos eventos se consultó la biografía del cantante, sin embargo se mantuvieron algunas diferencias en el guión por lo que la etiqueta de ‘basado en hechos reales’ se hizo presente.

Ray’ es una de las más completas películas sobre música contemporánea que existe, no sólo presenta la vida de este genio sino que también veremos la increíble cruzada de la música soul desde los años 30 hasta los 70s, casi 40 años de crecimiento del soul ‘de Georgia’, de la música ‘sureña’ y su aceptación (dura y sacrificada) como música popular, no olvidemos que estamos hablando de una Norteamérica con muchos cambios y que en la década de los 50s comenzaba a promocionar a los nuevos músicos y que en los 60s aún tenía horribles signos de discriminación, todo eso, todo lo bello de la música de salón y todo lo feo de las prohibiciones, se ve en ‘Ray’.

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Ray, su propio enemigo

Y también es la historia de una lucha, la de un niño caído en una terrible desgracia personal; la ausencia de un sentido normal para muchos de nosotros como es la vista y que el niño Ray debe educar desde temprana edad. La presencia de la madre es importante e impone en el muchacho una figura que le apoya, que le recuerda su lucha al principio, que le reprocha su enferma adicción a las drogas. Para colmo Ray sufre de pequeño una desgracia familiar, le acompañará toda su vida, le debilitará por dentro. Mientras que en lo musical veremos cómo elabora sus discos y su sonido, sus años en la humilde Atlantic Records; las innovaciones en técnicas de grabación, el éxito pequeño, el éxito mediano y el éxito en el mainstream mundial, todo ello comienza a aparecerle en su camino y de su familia, pero no de una forma positiva.

Empecinado en arruinarse y fastidiar a quienes le acompañan (esposa, amantes, amistades) Ray comienza un camino hacia su destrucción, un tema que parecería normal en músicos con adicciones pero que en el caso de Charles duele: duele verle en cada escena malográndose y dañándose a sí mismo y a los demás, duele ver cómo su talento musical ha logrado vencer a la adversidad y cómo pierde la batalla contra sus vicios; el mensaje latente no es nuevo: no hay peor enemigo que uno mismo.

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Filmada como largometraje, un director tan solvente como Hackford sale vencedor de una acometida gigante gracias a todo el equipo técnico y biográfico que rinden un tributo a muchos géneros gracias a la versatilidad de Ray Charles: gospel, soul, rock and roll, country, jazz, orquesta. Para ello todos los recursos dispuestos son hermosamente ejecutados: fotografía, sonido, montaje, efectos y un guión milimétrico al servicio de un Jamie Foxx prendido. Un actor – y también muy buen cantante - que tuvo por esa época sus mejores años y que en ‘Ray’ exprimió su profesionalidad llegando a quedar ciego adrede para la mayoría del tiempo de filmación, esfuerzo que le valió el Oscar y muchas otras nominaciones y premios al film.

Cita obligada de cine biográfico sobre músicos, ‘Ray’ consigue los objetivos que se propone: rendir tributo a la historia de la música popular americana mediante un personaje importante del siglo XX.

Hasta el próximo especial!

p.d. Gracias a mi amiga Mónik Ivette por la sugerencia, ahí les va un extracto de cómo se originó ‘Mess Around’

domingo, abril 24, 2011

Satoshi Kon: El guión de ‘Rosa Magnética’ dentro de ‘Memorias’

 
konmr2  Papá mira, ahora puedo ir al espacio contigo!”.
(Emily)

 

Para 1995 el maestro Kon ya tenía experiencia tanto en el manga como en la industria del animé. Su propio amigo y maestro Katsuhiro Otomo le confiaría el guión y la dirección de arte de uno de los tres episodios de su nuevo lanzamiento: el tríptico ‘Memories’ que contenia tres segmentos diferenciados en temática pero de una fuente común: los mangas del propio Otomo. La estructura de ‘Memories’ es un 3x1 con muchas concesiones: comenzando con el psicodrama ‘Rosa Magnética’, seguida de la cómica ‘Bomba Fétida’ y terminando con la política ‘Carne de Cañón’. Para ‘Rosa Magnética’ Koji Morimoto se encargó de la dirección y el tiempo final de la animación producida llegó a los 42 minutos.

La nave Corona es una nave de reconocimiento de otras naves, cerca de terminar su misión reciben una señal de auxilio que proviene de un fuerte campo magnético; la razón es una gran estación espacial abandonada para lo cual dos de los tripulantes Heintz y Miguel ingresan para ubicar la señal y cumplir con la rutina. Por increíble que parezca ambos encuentran en el interior de la nave los restos físicos y hologramas de la diva Eva Friedal, una leyenda de la ópera en La Tierra y famosa también por haber perdido desgraciadamente a Carlo, el amor de su vida. Toda la nave está conformada por grandes habitaciones que rememoran la vida de Eva pero más que eso, está compuesta por ilusiones y fantasmas que penetran a los propios visitantes haciéndoles caer en locura y paranoia de tipo personal. A Heintz le afecta el recuerdo doloroso de su familia – en especial a su hija Emily - y Miguel nunca ha tenido una relación estable, sus traumas personales se hacen presentes y la nave funciona como una horrible planta cazamoscas para humanos. Terror psicológico.

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Y ‘Rosa Magnética’ es mucho más que una thriller de animación, condensa en menos de una hora una de las historias más famosas de la filmografía de Otomo compactada por el soberbio guión de Kon, sus planos y sus ambientaciones hacen sentir al espectador de la misma forma que los dos desafortunados astronautas contemplan sus vidas en la espenuzlante nave. Técnicamente bien realizada, los recuerdos que tenemos de esta obra por la dirección de Morimoto, la música de Yoko Kanno (que inserta las suites de ópera ‘Un bel di vedremo’ ; ‘Madame Butterfly’) y más que nada porque ayuda a definir el próximo estilo de Satoshi sensei.

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El Homenaje a Kubrick y Tarkovsky

Puede que historias de este tipo ubicadas en el espacio sean muchas veces suficientes por sí misma (como el ‘Alien’ de Ridley Scott) pero a nivel visual requiere usar conceptos que un guión original puede usar a partir de su escritor; casi siempre - en ciencia ficción – se hecha mano a manera de agradecimiento de otras obras y en el caso del guión de Satoshi Kon tendremos no sólo la influencia del mismo Otomo. Dos obras capitales como ‘2001: Odisea del Espacio’ de Stanley Kubrick como ‘Solaris’ de Andrei Tarkovsky prestan mucha estética a ‘Rosa Magnética’. Los decorados del pasado dentro de una nave espacial junto con el tormento psicológico de los protagonistas así como los ambientes y visiones de delirio que vemos principalmente en el personaje de Heintz son directos homenajes a esas dos obras. Pero aún así este soberbio mediometraje es capaz de pararse por sí mismo, constituyendo 15 años después en un clásico imborrable no sólo de la animación mundial sino del género de la ciencia ficción en sí.

Mientras ‘Memories’ alargaba la grandiosidad de Otomo nuestro artista ya no caminará más a su sombra y preparará en dos años una de las obras cumbres del cine mundial y específicamente del cine de terror y suspenso, se vendría pues ‘Perfect Blue’.

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Sigue el especial en el blog de alxdangelo:

Satoshi Kon: supervisor en ‘Patlabor 2’

Satoshi Kon: animador en ‘Roujin Z’

Nuevo especial se aproxima: el gran Satoshi Kon

sábado, abril 23, 2011

Las películas de músicos, cuando la historia y el cine se encuentran

 

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Jeffrey Wright como Muddy Waters en ‘Cadillac Records’

Otra vez con otro ciclo que se acumula a las deudas.

El subgénero de los biopics es uno de los más difíciles de realizar sin dudas en la industria del cine, implica tener demasiado riesgo en trasladar la vida de famosos y no famosos hacia el cine pasando por la visión de muchos filtros: productores, directores, actores, guionistas y los derechos de la biografía de algún ó algunos personajes mundiales.

Los músicos son bien complicados y trasladar sus vidas a la pantalla gigante debe ser aun más complicado, sólo por el mismo hecho de que en vida y fuera de ella cuentan con una base de fans muy grande que hace peligrar el éxito de cualquier emprendimiento cinematográfico. Hacer un buen film de un cantante, una cantante ó de un grupo no satisface al 100% de los leales acólitos y eso es un hecho; hacer un mal film sólo empeora las cosas, se decepciona el público porque quiérase o no, las estrellas musicales son eso, estrellas. Se les admira, no se les puede manchar.

Tenemos acumulado muchos títulos que iremos reseñando de a poco en el blog, comenzando este mes de abril con films sobre muuuuuuchos cantantes y músicos famosos, la mayoría contemporáneos y la mayoría serán biopics, es decir, que priorizaremos las biografías de personas reales, que existieron y que en base a sus trabajos musicales influyeron el rumbo de vida de muchas personas, de muchas sociedades y porque no decirlo, de la historia misma.

Comenzaremos con ‘Ray’.

jueves, abril 21, 2011

Jesucristo: cuatro opiniones diferentes del cine

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Yo fuí todo lo contrario de lo que él enseñaba, verdad? entonces, porqué se dejó morir para que yo me salve?”.
Barrabás (Anthony Quinn)

 

Felices fiestas de Pascuas a todos.

Como estamos en feriado por Bolivia vamos a recordar en un mini especial cuatro films nada convencionales sobre ese personaje de importancia mundial: Jesús de Nazareth, figura histórica y figura religiosa central de las creencias judeocristianas y sus seguidores.

Como lo que nos interesa es hablar de cine es de sobra conocido que la industria se ha encargado de producir obras sobre la vida, pasión y muerte de Jesús. Existen obras convencionales y clásicas que siempre se emiten en estas fechas, como la infaltable ‘Jesus’ de Peter Sykes (1979) ó la buenísima ‘Barrabás y Jesús’ de Richard Fleischer (1961) con Anthony Quinn. En todo caso esto es arte y han habido varias otras obras que han tratado a este importante personaje desde otras miradas más o menos polémicas, repasemos sólo cuatro:

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‘Ben-Hur’: Jesús, el actor de reparto

En 1959 Jesús no es un personaje central en la épica película que lo ganó todo aquella vez. El personaje central es Judah Ben-Hur, un acomodado mercante de Jerusalén que cambia su vida radicalmente pasando de desgracia en desgracia sufriendo una serie de eventos (muy a lo Job) y siempre saliendo adelante. Pero las apariciones de Jesús son antológicas y muy simbólicas: el agua que le sirve cuando es un joven carpintero ó las prédicas que se ven con Jesús en el monte así como la aventura del rescate de las hermanas de Ben-Hur terminando en la asistencia del paso de la cruz. Todo el pequeño empleo de secuencias que hacen sublime su figura, cual actor secundario que es clave para la historia de este film y que se da modos para que en sus pequeñas pero contundentes apariciones brinde mensaje.

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‘La Pasión de Cristo’, la demagogia de un director

Personalmente creo que el problema en la obra de Mel Gibson no es el fondo sino la forma; Jim Caviezel se somete a la estrategia de filmación (sin doblaje y en arameo) de un director pretencioso y conocido ultra católico, claro, el revuelo causado antes y durante la producción fué suficiente para hacer un éxito - Aún recuerdo que se emitió en mi carrera y mis amigas terminaron salieron llorando de la sala al finalizar – que levantó tanta polémica por el exagerado, tremendamente exagerado, uso visual y sonoro de imágenes y sonidos en el tramo final. En el film somos testigos de primera fila de las últimas horas de Jesús de Nazareth, atrapado en el huerto, ingresa lenta y dolorosamente en un proceso para hallarle culpable y luego ser sometido al castigo de la crucifixión. Un guión realizado casi al pie de la letra de los primeros cuatro libros del Nuevo Testamento que Gibson emplea para impactar a la audiencia. Aunque yo cuestione el resultado no puedo dudar de que sí lo logró.

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‘Jesucristo Superstar’, el musical trangresor

En 1973 Norman Jewison y todo el poder de la industria llevaron a cabo la bizarra pero interesante adaptación de la ya polémica ópera ‘Jesus Christ Superstar’ de Andrew Lloyd Weber y Tim Rice. Parte de su casting incluía a Ted Neeley como Jesus y la cantante Yvonne Elliman como María Magdalena, además el primer y famoso soundtrack contaba con Ian Gillian de Deep Purple en los números musicales de Jesús. Por todos lados, un fenómeno.

En todo caso es un film musical muy bien realizado, se otorga concesiones (como un Judas negro, bailes modernos, militares, tanques, aviones, coros de alto nivel y secuencias de quiebre pasado y futuro) que están casi perfectos artísticamente hablando, no es una película religiosa ni necesita serlo porque un musical se crea para una audiencia muy general. Tampoco se comporta de forma irrespetuosa hacia la figura de Jesús porque las letras de las canciones son bellas y profundas reflexiones de lo que le sucede a este personaje, como la sobrecogedora canción ‘Everything’s Alright’. El film ha superado la prueba del tiempo y hoy por hoy es un clásico, qué mas?

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‘La Última Tentación de Cristo’, el Jesús más humano

Y terminamos este repaso con la tremenda película de Martin Scorsese. En el film un portentoso William Defoe interpreta a un Jesucristo en la etapa que asume su divinidad pero que entra en conflicto con su humanidad. Acción tras acción Jesucristo se comporta de una forma tan nerviosa que ninguna otra interpretación en el cine me parece más creíble que en ésta. La discusión filosófica con su primo Juan, su terquedad para aislarse en el desierto para ver si Dios le habla, la templanza cuando es tentado por Satán, el enojo en el templo corrompido y la increíble última tentación en la cruz son muestras de un cine arriesgado digno de verse sin prejuicios. Una de las mejores películas de Scorsese y que a pesar del enojo de muchos grupos cristianos, demostró que se puede ver el lado humano de alguien de la talla de Jesucristo sin usar obligadamente pasajes bíblicos como guión.

p.d. Mil gracias a mi amiga Mónik Ivette, por la sugerencia.

miércoles, abril 20, 2011

Escenas Inolvidables: la reunión inesperada en ‘Munich’

 

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Tu no sabes lo que significa no tener patria.”
 

Tal vez ni siquiera Steven Spielberg se lo propuso pero ahora el tiempo le ha dado un buen lugar a su película ‘Munich’, para quien esto firma y hasta este momento se erige como la última gran película de este famoso aunque irregular cineasta. Por tratar temas tan impactantes sobre el terrorismo de estado y el respeto de la vida confundida por tolerancia y venganza, la verdad es que su mensaje sigue al día de hoy muy, muy vigente.

En las Olimpiadas de 1972 en la ciudad de Munich Alemania, un grupo de infiltrados asesina a deportistas olímpicos israelitas en uno de los capítulos más sangrientos del moderno conflicto árabe e israelí, en represalia y en forma encubierta un grupo de asesinos organizados en forma encubierta por el Gobierno de Israel se dedicará a contrarrestar el efecto de semejante acto perpetrando actos violentos, buscando venganza y matando a los cabecillas ó involucrados de lo realizado en Munich. Es así como Avner (Eric Bana en una convincente actuación) y su grupo recorre el mundo, en secreto, para vengar a sus compatriotas.

En uno de esos encuentros facilitados por mercenarios millonarios, se topan con otras facciones de palestinos que realizan otras operaciones similares, por lo que el clima de desconfianza es tenso. Como a Spielberg le encanta dar gotas comedia dentro de terribles dramas seremos testigos de escenas jocosas como la elección de la música de la radio donde el personaje de Daniel Craig y el acompañante eventual pelean por decidir qué escuchar, quedándose al final con ‘Let’s stay together’ del mítico Al Green. Mientras esto ocurre Avner y el representante de la otra facción se encuentran en vigilancia y sucederá esta (importante) conversación, no tan importante para el film sino – véanlo en perspectiva – para el espectador de hoy.

De lo mejor de Spielberg en muuuucho tiempo.

domingo, abril 17, 2011

‘127 Horas’: relato (porno)gráfico de una sobrevivencia

 
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Todo encaja. Soy yo. Yo elegí esto. Yo elegí todo esto. Esta roca… esta roca me ha estado esperando aquí durante toda mi vida”.
(Aron Ralston)

 

Henos aquí con el nuevo trabajo de Danny Boyle, tras ganar el Oscar con ‘Slumdog Millionaire’ hace 2 años.

Para esta producción Danny vuelve a contar con la Christian Colson como productor, con A.R. Rahman en la banda sonora y con Simon Beaufoy en el guión es decir, el mismo equipo triunfante de su última película. Esta vez su relato se traslada de Bombay en la India al cañón de Utah en Estados Unidos para narrar el accidente del montañista Aron Ralston quien el año 2003 quedó atrapado del brazo por una gran roca, en soledad y con las condiciones en contra. Danny indicó que ésta sería el trabajo que le pondría más cerca de una obra intimista de sobrevivencia, tras envidiar lo que hizo Darren Aronofsky con Mickey Rourke en ‘The Wrestler’.

La primera opción para el papel de Aron involucraba a Cillian Murphy (‘Batman Begins’, ‘Sunshine’) para el protagonista, empero (y a pesar del mismo Danny) el papel recayó en James Franco; y viendo el resultado estamos hablando de la mejor elección posible.

James se carga el film. Su carisma nos hace creíble a su personaje, nos creemos el desbordado orgullo de Aron quien confía en sus propias habilidades frente a la naturaleza y además de tipo chulo y buena onda cambia radicalmente su comportamiento al encontrarse con su propia desgracia. De esta forma veremos cómo un actor como Franco expresa alegría, cansancio, ironía, frialdad y temor cuando evalúa su propia tragedia.

Empero tenemos una sorpresa y no muy buena. Danny utiliza todos los recursos que conocía y que ya le vimos usar en su tipo de cine ‘frontal’ – en ‘Trainspotting’, en ‘28 Días Después’ y en ‘Slumdog Millionaire’ – con situaciones muy poco agradables incluso asquerosas que no suman al film más todo lo contrario, afean su propuesta; de esta forma duele ver que un relato que tenía poca amplitud se hizo grande gracias a la esforzada labor de Franco pero que vuelve a lo mínimo por estos recursos que usa Danny: los flashbacks, los recuerdos de la novia herida, la familia distante (distante por sus decisiones) y todas las rememoranzas y reflexiones de Aron caen al nivel de un videoclip básico. Son adornos visuales que al principio parecen simpáticos pero luego sólo sirven para pasar el tiempo.

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Agua y tiempo

Con todo al parecer a Danny le gustó hacer a sufrir a James y exprimir su terrible situación. Aron administra todos los materiales a su disposición y encuentra poco apoyo en lo que posee pero la baja calidad de sus instrumentos, ó la precaria situación para comunicarse le empujará a las cosas más elementales: contar con agua y manejar el tiempo. Terrible forma de dar mensaje: tanta tecnología en el siglo XXI mientras que lo importante siguen siendo las cosas más básicas para el hombre y para Aron: el agua y el tiempo, uno que necesita y el otro que se le acaba. Para aumentar el dramatismo veremos escenas fuertes que se suceden en la propia salvación del joven atrapado mediante la auto-amputación. Danny exagera los sonidos, exagera en lo técnico para hacernos sentir lo que le hizo sentir a Franco y creo que lo consigue al menos hablando a nivel personal, que quedé exhausto por las imágenes muy punzantes, si no tenían idea de que iba este relato de sobrevivencia, fija que quedarán impactados.

Nominada con justicia a seis Oscares, no se llevó ninguno (algunos por justicia, jeje) aunque la labor de James Franco me sigue pareciendo encomiable y que la canción ‘If I Rise’ de A.R. Rahman con la cantante Dido era mi favorita; en la filmografía de Boyle no estará en el Top 3 y debido a él mismo, quien se ha mostrado ansioso por las formas, sonidos e imágenes y por haber encargando el fondo de esta increíble historia de sobrevivencia a Franco, el que puso las carnes al asador, jeje.

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sábado, abril 16, 2011

Seth Macfarlane, el tipo más inteligente de la TV

 
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Realmente no puedo dejar que eso me afecte, porque yo soy un escritor de comedias”.
 

Casi perdemos al último genio de la comedia negra americana. En la mañana de aquel trágico 11 de spetiembre de 2001 Seth perdió su vuelo de Boston a Los Angeles, el AA11. El avión fué secuestrado y antes de las 9 de la mañana como todos sabemos, chocó contra el World Trade Center. Luego de ello Seth mencionaría en público la cita de arriba, este muchacho de profesión escritor de comedia fué reconocido como el tipo más inteligente de la televisión en el año 2008.

Nacido en octubre de 1973 en Connecticut, el bueno de Seth estudió diseño y animación llegando a trabajar en su juventud para Hanna-Barbera (lo que quedaba de ella) y llegó a ser animador de shows como ‘Jhonny Bravo’, ‘Vaca y Pollito’ y ‘El Laboratorio de Dexter’. Un trabajo que le redituó el riesgo de convencer a la 20th Century Fox para lanzar su show: ‘Padre de Familia’ (‘Family Guy’) en 1999.

En su propia aventura Seth supo distanciarse de las críticas que le achacaban la similitud con el show de Matt Groening: ‘Los Simpsons’ empero no evitó la cancelación del show el año 2002. La increíble venta de los DVDs por la fanaticada leal e insaciable de sus primeras temporadas llevó a Fox a retomar la producción de ‘Family Guy’ nuevamente desde 2005 y el ascenso en la popularidad del genio de Seth no hizo nada más que comenzar, los ratings de sus shows y la terrible caída libre de la familia Simpsons hizo el resto.

No sólo es el escritor de comedia mejor pagado del mundo, también ejerce de productor ejecutivo, doblador de voces, actor circunstancial de series y tiene sus propios proyectos que incluyen un exitoso canal de youtube, ahora y durante los siguientes meses nos encargaremos de reseñar el legado hasta el 2011 de esta mente maestra, creador de las series modernas más irreverentes (con permiso de ‘South Park’) de la televisión de animación, veremos el fondo tras ‘Larry & Steve’. ‘Padre de Familia’, ‘American Dad’, ‘The Cleveland Show’ y ‘Cavalcade of Cartoon Comedy’.

Al fin, otro especial!

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jueves, abril 14, 2011

Escenas Inolvidables: deteniendo el bus en ‘The Truman Show’; 20.000 visitas!

 

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Amigos y amigas, muchas gracias a todos, 20.000 visitas logradas contadas desde septiembre 2010! prometemos seguir adelante con más cosas.

Estamos en la corta pero contundente obra del maestro Peter Weir. Jim Carrey protagoniza a Truman Burbank. Una persona y un personaje diseñados desde el nacimiento para ser la estrella principal del mayor reality visto en el planeta Tierra: ‘El Show de Truman’, más de 10.000 días han pasado desde la primera emisión (su nacimiento) y Truman ya es un joven con un trabajo y un matrimonio postizos. Desconoce que todo el mundo le ve y el mundo que le han impuesto abarca sólo su isla, como es obvio, no durará por siempre.

Truman ya siente incoherencias, accidentes de producción. Se da cuenta que los fenómenos son controlados y que él ocupa un lugar más grande en su entorno, desconfiando de su vida rutinaria sigue a las personas, detiene un bus y un auto, irrumpe a un hotel falso; todo será el inicio de la búsqueda de la verdad por parte de este simpático muchacho.

Nuevamente, gracias por las visitas!

lunes, abril 11, 2011

‘South Park: más grande, más largo y sin cortes’, feliz día del niño, jeje

 
 
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– Kyle, siento todas aquellas veces que te llamé ‘estúpido judío’, no quise ofenderte, no eres un judío.
- Pero lo soy Cartman! yo SOY un judío!
- No, no, no seas tan duro contigo mismo.”.
(Cartman y Kyle)

 

Feliz día del niñoooooo!!!!!

Y como teníamos que transgredir un poco hemos reservado en esta fecha una reseña que ha esperado mucho tiempo, se trata de la película: ‘South Park: Bigger, Longer & Uncut’ dirigida por Trey Parker, escrita y producida por Trey Parker y Matt Stone y distribuida nada menos que por dos estudios (increíble) como fueron la Paramount dentro de los Estados Unidos y por la Warner Bros a nivel internacional. Además de ello el estudio que aloja el concepto South Park, la Comedy Central se encargó del desarrollo y cadenas como MTV hicieron fila para adquirir los derechos para la televisión.

A estas alturas del partido, quién no conoce el universo South Park?, aquel pueblo americano fronterizo a Canadá que es el hogar de cuatro niños muy famosos: Kyle, Stan, Cartman y Kenny. La serie fué creada por Parker y Stone hace más de 14 temporadas y se sigue emitiendo la serie de tv en el cable; su animación minimalista y su montaje casi artesanal esconde una de las más grandes series polémicas de todos los tiempos en la televisión mundial. ‘South Park’ es más que una serie animada para adultos, es una serie irreverente, irrespetuosa, malsonante y transgresora que a base de parodiar a la sociedad y adaptando crudamente la realidad a la vida de los habitantes del pueblo, ha ganado una popularidad de carácter mundial, los ratings así lo manifiestan.

 

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Pero porqué tiene éxito? quiénes ven ‘South Park’? A ver por partes. La serie es exitosa debido a la inteligente producción de sus guiones, la mayoría de ellos utiliza una noticia real y es adaptada en la vida de los 4 niños ó de los mismos pobladores. Además, ningún tema es tratado como un taboo! religión, racismo, odio, ambición, homosexualidad, homofobia, metrosexualidad, corrupción, política y sociedad son temas recurrentes de fondo mientras los insultos y las situaciones asquerosas son los temas de forma. La película, estrenada en 1999, contiene las mismas temáticas incorporando un elemento que elevó aún más el éxito de la franquicia: la música. Sobre la pregunta de quiénes ven ‘South Park’ pues es un hecho que no es digerible para la mayoría, pero todos aquellos frikis que nos encanta la irreverencia y estamos al día con el star system americano pues es de lo más genial, somos pocos y así nos gusta.

Los ídolos de los niños: los canadienses Terrence y Philip, lanzan su torpe y deleznable película para regocijo de sus admiradores, los profesores se dan cuenta de la mala influencia en los niños (parodia) y mediante la alcaldesa de la ciudad logran la aprensión y ejecución sumaria de los jóvenes canadienses (situación extrema), no sólo eso! Canadá en sí ya no es considerada ni siquiera como país amigo y comienza los redobles de guerra contra el vecino. Mientras que en el infierno Satanás (un personaje normal de la serie) alberga la esperanza que el nivel de maldad provocado por este hecho le haga subir a la Tierra, conserva sus esperanzas en ello pero debe ser atormentado por Saddam, quien tiene otros planes para su ascenso terrenal. Kenny muere (si, por enésima vez) y se encuentra con el conflicto de la pareja en el infierno mientras Kyle, Stan y Cartman planean la liberación de Terrence y Philip, quienes serán ejecutados públicamente.

 

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Qué parece un episodio normal de la serie? no. En una hábil estrategia comercial se realiza la inserción de varias canciones originales que parodian al cine clásico de género con versiones cantadas por los propios niños, por Satanás y por la población. No sube el nivel técnico pero la narración de la aventura fluye con total tranquilidad tanto que podemos percibir las constantes críticas que la serie siempre ha tenido como bandera: la crítica a la sociedad conservadora norteamericana. La presentación del conflicto diplomático y la amenaza de la guerra que involucra hasta los propios infantes son aciertos de un film que ya es material de clásico.

Con el público contento, el presupuesto de 21 millones de $ fué cubierto en su estreno llegando a un ingreso total de 83 millones, la crítica se rindió frente a la evidencia (73% en Metacritic) y los conservadores tuvieron que teñirse las pelucas cuando el film logró la nominación al Oscar en la categoría de mejor canción, por la estupenda ‘Blame Canada’. Antes de la ceremonia la polémica rodeó a la presentación pública de una canción tremendamente irreverente (llamar g…. a Anne Murray es demasiado) y Robin Williams se hizo cargo de la memorable actuación no sin antes apoyar el mensaje del concepto ‘South Park’ ingresando con una cinta en la boca y hablando como Kenny en señal de parodia/protesta a la censura.

Feliz día queridos niñoooooosssssssss!!!!

Maestros y discípulos: ‘Con ganas de triunfar’ de Ramon Menendez

 
 
 
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 -Pueden existir novias negativas?
- No, sólo novios negativos. Perdónalos señor, porque no saben lo que hacen”.
 

Continuaremos el ciclo con ‘Stand and Deliver’ (1988), la película de Ramón Menendez que al finalizar la década de los 80s y abriendo los 90s formaba parte de una serie muy extraña pero interesante de películas sobre latinos y descendientes de latinos en los Estados Unidos, y más específicamente en Los Angeles. Coincidencia o no, el film forma parte de un tríptico clásico de películas de época que tuvieron un gran éxito dentro y fuera de la comunidad hispanoparlante en el país del norte obteniendo mucha repercusión internacional: estamos hablando de ‘La Bamba’ de Luis Valdez (1987), ‘Sangre por sangre’ de Taylor Hackford (1993) y la que nos ocupa en esta entrega.

Traducida como ‘Lecciones inolvidables’ para el mercado hispano y ‘Con ganas de triunfar’ para el mercado latinoamericano, el film narra las vivencias personales y académicas del profesor Jaime Escalante, un maestro boliviano de matemáticas radicado en East L.A. y que en 1982 se impone el reto de enseñar Cálculo en la preparatoria Garfield. Su carisma y más que nada su pasión pedagógica por la superación intelectual de la raza latina son los principales motores de su trabajo y se encuentra con un grupo de jóvenes de distintos orígenes y de diversa naturaleza que atascados por la rutina de cumplir con la prepa no vislumbran un mejor futuro, futuro que puede ser mejor si se preparan mejor en su educación.

El primer reto del profesor Escalante es insertar el interés por la enseñanza de las matemáticas en los desconfiados estudiantes y en la misma administración académica de la escuela (donde por cierto, no se tienen confianza ni los mismos docentes en poder subir de nivel). Tras este magno esfuerzo el maestro Escalante realiza -aún a costa de su salud y su familia- la labor de enseñar matemáticas de un mayor nivel para los exámenes AP del distrito. Camino arduo y lleno de complicaciones que incluso desbordan las paredes del aula y trascienden a las familias de los estudiantes y del mismo profesor.

 

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Convendremos en darle méritos a esta producción por el despliegue profesional del actor Edward James Olmos quien se pone en la piel de una figura biográfica y que acompañó al propio Escalante para delinear mejor la personalidad de su personaje. A James ya le habíamos rastreado en un papel corto pero con diálogos imponentes en ‘Blade Runner’ y luego le recordaríamos como el padre de Selena Quintanilla en ‘Selena’. Si bien su versión de Escalante es un cliché norteamericano de un profesor latino de preparatoria muy cool no es menos cierto que en el primer visionado del film todos simpatizamos con este maestro entregado y terco a su clase. Junto con él y como satélites contábamos con jóvenes promesas del cine americano como Lou Diamond Philips y Andy García quienes ejercitan papeles correctos igual de clichés pero aguardando con su mensaje positivo el desenlace del film. El americano promedio pensaba que todos los latinos se comportaban así, lástima, que ese estereotipo haya durado mucho tiempo.

Tristemente no sabríamos más sobre su director: Ramon Menendez, quien realiza un excelente trabajo de edición y montaje elevando un film que bien podría haber ido directo a la televisión, de hecho, Ramón ya no tendría más éxitos en el mainstream y haría unos films más para la tv. Todo lo contrario de Edward James Olmos quien fué nominado al Oscar a mejor actuación masculina en 1989 compitiendo con reconocidos como Tom Hanks por ‘Big’, Gene Hackman por ‘Mississipi en llamas’ y el ganador Dustin Hoffman por ‘Rain Man’. El film aquí en Bolivia es un clásico en todos los sentidos, después de todo esperaremos mucho de aquí en adelante para que un biopic inspirado en alguno de nuestros compatriotas vuelva a ser nominado al Oscar.

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viernes, abril 08, 2011

La saga Potter: ‘HP y la piedra filosofal’; genuino cine infantil y fantástico

 
 
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 -No olvido ninguna varita que vendo Sr. Potter. Sucede que el fénix  que poseía la pluma que reside en su varita tenia otra pluma en su cola y sólo una más. Es curioso que esté destinada para esta varita cuando la pluma hermana le causó esa cicatriz.
- Y quién tuvo esa varita?
- No diga su nombre nunca! La varita es la que escoge al mago. Sr. Potter. No siempre es claro el porqué. Pero sabemos con certeza que usted va a pasar a la historia. Después de todo, quien-no-debe-ser-nombrado hizo grandes cosas. Terribles! Sí, pero grandiosas.”
(Ollivander y Harry Potter)

 

Comenzamos este pequeño especial dedicado a la saga de películas basadas en las obras de la escritora J.K. Rowling sobre el nacimiento, aprendizaje y conflicto del Mago llamado Harry James Potter, libros que se han ido serializando desde hace 15 años. El proyecto fué arduamente estudiado en instalaciones de la Warner Bros, cuyo productor ejecutivo, David Heyman, escogió la obra de Rowling entre muchos otros libros infantiles y en 1998 la autora vendió los derechos de sus primeras cuatro obras por 1 millón de euros (al cambio casi 2 millones de $). J.K. Rowling impuso entre otras, una condición muy importante: el casting debería ser llenado con actores británicos; decisión muy discutida que también incluía realizar el casting de actores europeos si su nacionalidad coincidía con sus personajes en los mismos libros.

Steven Spielberg fué la primera opción para la dirección de la primera película, declinando Steven por sus proyectos y diferencias de ejecución la WB se dedicó a buscar entre muchos candidatos de diversas tendencias, gente como Jonathan Demme, Peter Weir, Terry Gilliam y M. Night Shyamalan estaban en la carpeta, sin embargo y para sorpresa de la propia Rowling la WB eligió a Chris Columbus tras aceptar que podría hacer un excelente trabajo tras experiencias con niños en las taquilleras ‘Home Alone’ y ‘Mrs. Doubtfire’. John Williams escribiría el soundtrack, Steve Kloves se dedicó a guionizar el voluminoso libro y la WB utilizó al menos dos estudios en Inglaterra para la filmación. El trío de niños magos más famosos aguardaría el debut de tres infantes como resultado de un casting nacional entre miles de aspirantes: Daniel Radcliffe, Rupert Grint y Emma Watson se convertirían en los actores infantiles mejor pagados, con contratos elaborados al milímetro y atados al proyecto a largo plazo.

Y comenzó la filmación, la producción, la post producción y en Noviembre de 2001 se realizó el lanzamiento internacional, los fans alocados abarrotaron las salas, su presupuesto de 125 millones de $ fué fácilmente batido hasta los increíbles 974 millones de $, 78% de aprobación por los críticos y se estableció lo que hasta ahora se conoce como ‘El Fenómeno Potter’.

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La leyenda del niño huérfano

Harry vive una vida dura con sus familiares, los Dursleys. Al cumplir 11 años se rebela su destino al ser aceptado en la prestigiosa escuela de magia Hogwarts. el gigante Hagrid ha sido encomendado para traerlo a la escuela y así aprovechamos de introducirnos en un mundo mágico paralelo al de los humanos. Un sistema educativo clásico y mágico que alberga a Potter, el niño; pero también a Potter, la leyenda; el niño que ha sobrevivido al ataque del mago más terrible y oscuro de la historia reciente: Voldemort. Conoce a sus amigos Ron y Hermione y pronto será un estudiante de la casa Gryffindorf. Además sabremos al mismo tiempo que Harry que la escuela tiene muchos pasados no muy claros, que hay gente malvada planeando cosas oscuras y que la confianza sólo podrá tenerla con sus amistades más cercanas. Uno de los profesores llamado Quirrell – justamente dedicado a las clases de defensa contra artes oscuras – se comporta de un modo extraño. Alguien más se encuentra en la escuela y Harry y sus amigos comenzarán una aventura para averiguar qué causa los problemas internos.

‘Harry Potter y la Piedra Filosofal’ es una película genuina del cine infantil y a la vez es más que eso, es cine 100% fantástico, de fantasía quiero decir. La dirección acertada de Chris -en especial de los tres niños que se cargan toda la historia- es un ejemplo íntegro de cómo equilibrar fantasía, comedia, drama y aventura desde una adaptación literaria. El esfuerzo técnico es encomiable y el nivel alcanzado en sonido, efectos, vestuario y dirección de arte dejó el listón muy alto para futuras películas. Grandes actores de la talla de Richard Harris, John Hurt, Alan Rickman y Maggie Smith contribuyen con su talento a un film precioso y sólido. El inicio de la saga representado por esta gran película logra su objetivo: que un niño ajeno o no al Universo Potter logre disfrutar al mismo tiempo que un adulto puede llegar a entretenerse. Va camino con derecho al lugar de los grandes clásicos del cine infantil de todos los tiempos.

La Warner apurará rápidamente todo para filmar el segundo libro.

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Anexo: Harry Potter y la máquina de hacer dinero.

El cine americano y el cine occidental en general maneja muy bien los conceptos corporativos de negocio, una empresa como la Warner Bros ó una como McDonald’s no difieren de sus variadas fuentes de ingresos cuando establecen una moda. En el caso de la saga Potter el mercado ha sido inundado por productos varios a más no poder: libros reeditados, multimedia, trajes, vestuarios, objetos mágicos, chucherías de bajo y alto costo, juegos, videojuegos, accesorios para el hogar y un sinfin de artilugios que se coleccionan desde hace 10 años en muchos lugares, muy cerca, muy cerca de nosotros. O… será que tenemos algo parecido en nuestra casa?

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jueves, abril 07, 2011

Satoshi Kon: supervisando ‘Patlabor 2 The Movie’

 
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- Estoy escuchando pero no me gusta lo que oigo.
- Aún hay algo peor y esto es lo principal, el gobierno ya no puede confiar en las fuerzas de defensa pero aún confía en la policía,… por tanto van a dejar que las cosas se desarrollen por si solas para ver qué nuevos focos de poder surgen.
- Demonios, la anarquía!
- Es posible pero sospecho pero que las unidades de defensa actuaran y tomaran el control; puede que el gobierno quiera cambiar el reparto pero nadie quiere el papel protagonista en esta tragedia, nadie quiere disparar pero nadie negocia! , estamos asistiendo a la caída del gobierno civil y es por falta de acción!…”.
(Goto y Takenata)

 

Continuaremos con el especial de Satoshi-sensei repasando rápidamente una labor que también la realiza a nivel operativo. Tras trabajar de animador en ‘Roujin-Z’ el bueno de Kon realiza sus demás trabajos dentro del negocio: guioniza ‘World Apartment Horror’ para Otomo, participa dirigiendo castings para películas action live y luego se encargará de la supervisión de la segunda película de la mítica franquicia de los robots policías.

Y es que hablar de ‘Patlabor The Movie’(1989) así como este ‘Patlabor 2 The Movie’ (1993) seguro requeriría un especial dedicado a Mamoru Oshii, director de ambos films, resaltaremos la participación de Kon quien cumple con la división del trabajo tan necesaria en este tipo de producciones y que seguramente consume muchos recursos. Esta saga es demasiado grande y amplia: juguetes, series de televisión, videos, manga y películas.

Japón se encuentra en una situación política de gravísima delicadeza, sus representantes políticos han perdido la responsabilidad y el sentido común, por su lado toda una camada de militares y policías han copado las esferas del poder. Los ‘Patlabor’, unidades robotizadas mediante oficiales entrenados apoyan en las labores de vigilancia, prevención y defensa a la policía del Japón, atrás de estos robots existe la gran mano del hombre, los científicos y las fuerzas del orden que han visto una necesidad mecanizando un sector policial y dándoles relevancia. Uno de los más grandes visionarios y científicos ha desaparecido en operaciones especiales de la ONU en Libia…ó era Egipto..o Costa de Marfil o Cambodia?? jeje, en una de esas misiones.

 

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Y de repente Japón es atacada, aviones, helicópteros y otras amenazas se han apoderado de la rutina. El encargado de la 2da. división de Labors, el oficial Goto y la oficial Nagumo son abordados por un miembro de un clan muy oscuro, quien dice conocer a un grupo apresto a tomar el poder derrocando al gobierno mediante un golpe de estado militar, se les llama ‘La familia’ y sus ataques a Tokio y otras regiones avanza a la par que los políticos se hunden en la discusión inútil; Goto y Nagumo se han quedado prácticamente solos, muchos de los compañeros (de la primera película) ya se han retirados, a otros no se les ve, la situación se vuelve tensa, las confianzas se reducen, las opciones son pocas y mientras todo esto ocurre atacan a los Labors.

Mucho mérito de Oshii-sensei, el trasladar su estilo de animaciones realistas y escenas cotidianas silenciosas en una obra adulta de carácter político, y donde vemos las grandes reflexiones de las formas del poder y de cómo llegar a ella, recurrentes tópicos en esta etapa de Oshii que Satoshi-san a sabido supervisar con profesionalidad, claro, él y todo el equipo técnico. Su obra se encuentra ahí: las escenas fluidas, la animación puntual, la fotografía profunda y el uso de un montaje apropiado que logra dar cabida, por ejemplo, a la metáfora de los elementos de mar, pájaros y agua. Todo sirven para que Kon siga haciendo currículum. Con esta experiencia ya pronto podrá seguir escalando los peldaños de un negocio donde nunca fué una estrella pero al que ahora se le reconoce por cada obra realizada. Pronto Satoshi Kon guionizará y se convertirá en el director de arte de uno de los segmentos de una película de Otomo.

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Pronto vendrá…la Rosa Magnética.

domingo, abril 03, 2011

Tributo a la 1st. season de ‘Heroes’, feliz cumpleaños Arielo!

 
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Soy Claire Bennet. Y éste fue el intento número seis”.
 

Cuatro de Abril es el cumple de Ariel Villarroel R., un gran amigo que entre muchas cosas se debe encontrar entre los primeros bolivianos allá por el 2006, en visionar y prever el éxito de una serie que ahora todos conocemos…’Heroes’ de Tim Kring.

Y Arielo es pues también, el culpable de hacernos gustar al grupo de amigos todo el universo de esta fantástica serie. Emitida desde septiembre 2006 hasta su abrupta cancelación en febrero 2010, ‘Heroes’ se ha convertido en una serie muy popular, que le dió la vuelta de tuerca al género de los superhéroes anónimos y corrientes que viven entre nosotros y que sin proponérselo al principio dedicarán sus esfuerzos para la salvación de la humanidad. Cuentan las aventuras de muchos habitantes en el planeta con poderes sobrehumanos que tienen como destino participar en una historia de salvación de la humanidad. Su contundente primera temporada fué seguida por millones de personas y tuvo una cobertura mundial espectacular. Como público presenciamos historias muy bien elaboradas, de personajes diversos con preocupaciones que iban desde lo más íntimos hasta los más trascendentales: el japonés Hiro, los hermanos Petrelli, la animadora Claire, el científico Mohinder, el pintor del futuro Isaac, el poderoso Sylar, la guapa Niki y su hijo Micah y el detective Matt Parkman.

 

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Seguro que merecería más posts hablar del legado de ‘Heroes’, para lo cual amigos personales como Ariel y JP Sucre puedan asesorar con mayor precisión la evolución de esta serie, pero mientras tanto podemos regalar un vídeo para Arielo: un tributo en AMV de la primera temporada con la canción ‘Hero’ de Chad Kroeger (de Nickelback) y Josey Scott (de Saliva), donde recordamos entre muchas cosas aquél famoso arco llamado ‘Salva a la animadora, salva al mundo’.

Felicidades Arielo!

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Y el cumpleañero a lado del video :o

DreamWorks: ‘Pollitos en Fuga’; el holocausto de las gallinas

 
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   Ahora , lo más importante de todo es que tenemos que trabajar como un equipo, lo que quiere decir: harán todo lo que yo les diga”.
Rocky (Mel Gibson)

 

Tras el batacazo sufrido a muchos niveles por ‘The Road to El Dorado’, DreamWorks Animation se tomaba un descanso de sus labores de producción, mientras sus labores empresariales dedicadas al rubro de la comercialización y distribución de productos de animación extranjeros a gran escala tomaba rumbo, la primera en desembarcar a tierras americanas sería una película filmada en la tremendamente laboriosa labor del stop-motion: ‘Chicken Run’ (‘Pollitos en Fuga’, Peter Lord, 2000). Todo un acierto, saber alentar una bellísima película con corte de clásico y proveniente de los estudios ingleses Aardman, para la música estaban contratados Harry Gregson-Williams y John Powell y para las voces dobladas adivinen quien era el principal invitado. Mel Gibson.

Situada en los campos rurales de Yorkshire, Inglaterra; un grupo de gallinas observa con terror el cambio del negocio de la matrona de la granja, cambiando la venta de huevos (negocio que las tenía tranquilas) por la tecnificada elaboración de pasteles de pollo. Esto supone la muerte en serie de las gallinas y su justificado temor frente a su horrible futuro. Ginger es la heroína que comanda las operaciones de escape y aunque son infructuosos, no pierde la esperanza. En eso llega – de forma accidental - un gallo de cresta roja: Rocky, quien a primera vista será su esperanza para lograr la huída de las infortunadas. Piensan que sabe volar! Rocky les oculta su origen, su orgullo se desborda y su alarde le engrandece, es el héroe y la esperanza para este grupo de féminas desesperadas.

 

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Y como han debido suponer, todo se torna de blanco a gris. La revelación de la verdad sobre Rocky ocurre justo en los momentos más críticos en la situación del grupo. Rocky decide, piensa y al final se involucra en la causa.

Preciosa película de animación artesanal, que logra transmitir el clima sombrío y de desconsuelo de un grupo que afronta la peor de las decisiones: la muerte por unos seres que se creen superiores. El sencillo pero precioso guión se respeta en la atmósfera gris de la granja, en las gesticulaciones vocales (con dientes? jeje) de las aves y la maldad de la Señora Tweddy. También es una parodia demasiado crítica y no tan infantil sobre el holocausto, decisión arriesgada que para los niños puede pasar desapercibida pero para otros no es sencillo de asimilar viniendo recuerdos de tantas películas sobre los campos llenos de judíos en la Segunda Guerra Mundial. Logra incluso sus propósitos de entretener y homenajear, gustamos de ver los números de canto y baile por un lado que distraen y alegran al espectador, deseando lo mejor para este grupo de gallinas. A manera de homenaje recordamos a Steve McQuenn en ‘El Gran Escape’ (1963) cambiando el escape del subterráneo por un escape aéreo.

 

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Con un presupuesto de 45 millones de $ e ingresos por 224 millones, el gran éxito de ‘Pollitos en Fuga’ posibilitará más proyectos de este estilo, mientras DreamWorks prepara el lanzamiento de una historia de cuento de hadas que recopila sin respeto a todos los demás cuentos de hadas, la comandará un ogro verde.

viernes, abril 01, 2011

Maestros y Discípulos: 'El Abogado del Diablo' de Taylor Hackford

 


"Kevin Lomax: Y hay más que esta habitación?
Eddie Barzoon : Tan sólo esto.
Kevin Lomax : Y ni una cama?
Eddie Barzoon : Ni una.
Kevin Lomax : Y dónde duerme?
Eddie Barzoon : Quién dice que duerme?
Kevin Lomax : Y dónde f#ornica?
John Milton : En todas partes!!!!.


Y estamos comenzando este ciclo con una obra muy recordada viajando al lugar de los clásicos: 'El Abogado del Diablo' ('The devil's advocate', Taylor Hackford, 1997). Taylor es un cineasta muy versátil y a pesar de su larga carrera sus trabajos de dirección tardan mucho en hacerse, eso sí, cuando se realizan, valen mucho la pena, por ejemplo: 'An office and a gentleman' (1982); 'Against all odds' (1984, sí, con la canción homónima de Phil Collins); 'Sangre por sangre' (1993), 'Prueba de vida' (2000) y 'Ray' (2004); alguien que sabe de su oficio y nos brinda trabajos interesantes como la que veremos a continuación.

'El Abogado del Diablo', así como suena así es como se ve en una película sobre el tema de la ambición material y la venta del alma espiritual.  Kevin Lomax (Keanu Reeves) es un joven y excelente abogado penalista de la Florida, tiene un feliz matrimonio con Mary Ann (Charlize Theron) esposa perfecta, amante de su esposo y de paso bellísima mujer. Matrimonio joven que lucha para salir adelante cuya única relación cercana familiar es la madre de Kevin, Alice (una correcta Judith Ivey), ultraconservadora cristiana preocupada por la correcta dirección religiosa de su hijo y su nuera. Todo cambia cuando Kevin acepta un trabajo muy bien remunerado en Nueva York. Su nuevo jefe: John Milton (Al Pacino) es el máximo socio de una firma de abogados muy poderosa, con redes internacionales de poder e influencia; al parecer el porvenir de este joven matrimonio se viene de forma alentadora.



Y las desdichas aparecen, una tras otra.

Los casos asignados a Kevin ocupan su tiempo, desatiende a su esposa y le involucran cada vez más en hechos oscuros, nada claros, demasiado sospechosos y muy escalofriantes. Milton irrumpe una y otra vez y se convierte en el mentor profesional y personal de Kevin, increíble que parezca pero es todo un acierto la atmósfera urbana que vemos en la pantalla, como escenario de los diálogos de Milton aconsejando a Kevin (y diré aunque suene raro, muy buenos consejos, como aquél de 'mantente en las trincheras'). Nosotros como el público le vemos como una figura de maldad direccionando el espíritu del joven abogado, lo presentimos todos menos el mismo Kevin, quien continúa su descenso a los infiernos llenos de trampas legales, psicosis de su madre y el delicado estado de su esposa, solo Milton le proporciona tranquilidad con sus consejos.



Tanto el desarrollo de los eventos, uno más macabro que el anterior; nos conducen a un desenlace terrible, no violento pero muy reflexivo, Al Pacino demuestra el caché que cobra y pone un monólogo polémico que seguramente ha debido tocar a muchos creyentes, la experiencia vista en 'El Abogado del Diablo' al menos tras el primer visionado deja cansado al público, pero agradecido, tantos consejos, tanto drama, tanto horror; una película sobre lo delicado de las decisiones, que pone a cualquier pareja en similar situación con ganas de pensar. Milton como mentor y Kevin como el pupilo con proyecciones son clichés retratados de una sociedad actual que busca tanto la competitividad de los jóvenes y el personaje de Milton que aparenta ser un corruptor de talentos más bien parece el que otorga los mejores consejos y a momentos, más útiles que las decisiones del propio discípulo ('atiende a tu esposa, ya habrán otros juicios'). Y es verdad...¿Qué harían ustedes en su situación?

Hemos comenzado bien creo yo, ahora ... cuál creen que debería ser la siguiente película en este ciclo?

Gracias por las 17.500 visitas!!!!