miércoles, marzo 30, 2011

Escenas Inolvidables: la guerra de pandillas en ‘Akira’

 

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Quieres conducirla, verdad? Tetsuo?”.
(Kaneda)

 

La leyenda de ‘Akira’ (Katsuhiro Otomo, 1988) seguramente tendrá en el futuro su propio reportaje, el que se merece! para una obra tan importante no sólo en la animación oriental sino en el cine mundial, sino pregúntenle a los Wachowski (‘Matrix’, 1999) ó a Terry Gilliam (‘12 Monos’, 1995) cómo han respetado el legado de Otomo en forma y fondo para muchas de sus obras.

En la película del maestro Otomo tenemos una introducción muy cruda de nuestros protagonistas, sin saberlo tanto el joven Kaneda como el más joven Tetsuo acudirán a las peleas callejeras de motocicleta en la NeoTokyo del futuro, la ciudad reconstruída tras la 3ra. Guerra Mundial y provocada por la irresponsable bioteconología del gobierno y los científicos japoneses. Digo que no saben el futuro de su rutinaria pelea porque en medio de ella los militares pierden el control de un ‘niño’ muy importante no sólo para sus planes sino de toda la nación. Mientras nadie sabe lo que les deparará tanto Kaneda como su pandilla se dedican a lo que mejor saben… luchar.

Cinematografía, animación y banda sonora futurista que erizan la piel de tan solo recordar. Buena hora en que me pregunto… y la productora de Leonardo DiCaprio cómo saldrá de todo esto? pensaron en los detalles al adquirir los derechos?

Fuerza Japón!!!

 

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lunes, marzo 28, 2011

La Saga de Harry Potter en el cine, especial hasta julio 2011

Y han transcurrido diez años, una década entre el estreno en noviembre de 2001 de 'Harry Potter y la piedra filosofal' (Chris Columbus) y la reciente 'Harry Potter y las reliquias de la muerte: parte 1' (David Yates, 2010) hasta su desenlace final programado para julio de este año, momento más que propicio para volver a reseñar cada una de las películas de la saga más rentable, la más larga, la más fantástica obra cinematográfica proveniente de la literatura mmm infantil? jeje.


 Daniel Radcliffe, Emma Watson y Rupert Grint; el trío de magos más asediados de los últimos tiempos comenzaron la andanza por el mundo mágico de JK Rowling a sus 11, 10 y 12 años respectivamente; ahora son jóvenes, con nuevos proyectos y muchas incertidumbres sobre sus futuros. Asimismo la Warner Bros nos ha ofrecido un trabajo de diez años en avances técnicos y con diferentes calidades cinematográficas, en personal involucrado con base en los UK y con un mensaje mundial que bien merece ser reseñado, film por film, hasta que lleguemos a mediados de Julio a la finalización de este (lucrativo) viaje. De paso, destacaremos aquellos temas tan polémicos como redundantes que ocho películas y más de mil millones de $ han dejado para la historia.

Nuestro primer viaje en el tiempo, con 'La Piedra Filosofal' comienza a principios de abril!!!

sábado, marzo 26, 2011

‘Operación Dragón’; la obra póstuma de Bruce Lee

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Caballeros, bienvenidos. Ustedes honran nuestra isla. Vamos a encarar un torneo de verdaderas proporciones épicas. Somos únicos, caballeros, en lo que nosotros mismos hemos creado… a lo largo de muchos años de riguroso entrenamiento, sacrificio, negación y dolor. Nosotros forjamos nuestros cuerpos en el fuego de nuestro destino. Pero esta noche caballeros, celebremos!”
(Han)

 

Bruce Lee, el principio y el fin del cine clásico de las artes marciales y un artista visionario de su profesión: la actuación con esfuerzo real del uso de las artes marciales en películas a nivel mundial, su vida y su obra así como su legado en más de 15 años de trabajo denodado y sacrificado son una celebración muy triste de la cultura oriental, de la filosofía del kung fu, del cine de acción.

Para el proyecto de ‘Enter The Dragon’ (1973) la Warner Bros realizó el proyecto en conjunción con el distrito autónomo de Hong Kong, Bruce ya comenzaba su etapa china en su filmografía personal y afrontaba su estadía con la presión de la familia reubicada y su ingreso al sistema de estrellas del cine asiático; tenían el proyecto infalible, un director osado (aunque poco innovador) como Robert Clouse se ponía tras las cámaras y amigos como John Saxon y Jim Kelly viajaban a las locaciones para la aventura de la filmación, además de la música de Lalo Schifrin y un presupuesto de $850.000. Fracaso no era una opción y ciertamente no lo fué.

 

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Han (un correcto Shih Kien) ha sido un estudiante Shaolin que contrario al respeto de su educación se dedica a la corrupción mundial, opio, mujeres, drogas, laboratorios, lavado de dinero y mafia; todo oculto tras este patrocinador famoso de un torneo sangriento de artes marciales, tras él se encuentra Lee (Bruce Lee) un estudiante Shaolin que dispone su espíritu para ir tras Han. Al igual que los servicios secretos norteamericanos y todos aquellos que desean intervención para detenerle. Se infiltran pero las circunstancias les obliga a convivir con el engaño, sobrevivir al torneo y afrontar terribles luchas.

 

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Una especie de ‘007: El Satánico Dr. No’ adecuado al cine de luchas orientales, la presencia de las coreografía de Lee saca lo mejor de sus originales puestas en escena: las peleas por el torneo y sus peleas contra los guardias y esbirros de Han son un calentamiento previo que nos conduce al enfrentamiento final con el malvado de la película. Asimismo las peleas en general fueron planificadas con el estilo de aquellos años, en el trascurso del tiempo transcurrido no renegamos de esas imperfecciones y sobreactuaciones, seguimos con la impresión de estar frente a un clásico sin tiempo!. Aprovechada al milímetro y recordada también por la cruenta batalla final: utilizando como escenario los espejos seremos observadores de una metáfora sobre la búsqueda de la justicia a toda costa, con todas las miradas y con todas las dudas de uno mismo, una escena que según la biografía de Lee (realizada por su esposa) fué accidentada por un problema técnico que atemorizó a Bruce a niveles críticos.

Lee no vería el lanzamiento comercial de ‘Operación Dragón’, fué su película póstuma y la que definitivamente le estableció como un ícono del cine mundial en ambos lados del planeta. El 20 de julio a los 32 años y por motivos de salud (dicen) fallece, dejando sus otros trabajos sin terminar y comenzando la andanza de su leyenda, además de un legado que se ha extendido por más de 40 años.

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jueves, marzo 24, 2011

Satoshi Kon: ‘Roujin Z’, animador para un relato de dignidad en la tercera edad

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  "Si, me duele. ¡Es la dignidad lo que más me duele!".
(El Señor Takazawa)

Nacido el 12 de Octubre de 1963 en Hokkaidô, Japón, Satoshi Kon desarrolló un gran interés en el arte de la animación, en especial gracias a la influencia que tuvieron en el clásicos de la talla de ‘Space Battleship Yamato’, ‘Heidi la niña de los Alpes’, ‘Conan el niño del futuro’ o ‘Mobile Suit Gundam’. Ya durante sus años en la Hokkaidô Kushiro Koryo High School, tenía como meta entrar en dicha industria. Ya en la universidad, Kon hizo su debut como mangaka con la historia corta ‘Toriko’, además de convertirse en asistente de Katsuhiro Otomo. Esto fue en 1984. Tras su graduación en 1987, y luego de tres años de labor, lanza el manga Kaikisen, a su vez que comienza a escribir el guión de la película basada en el manga de Otomo: ‘World Apartament Horror’. (Fuente: Cdte. Breetai, www.latinreload.net).

Comenzamos con el especial de Satoshi Kon y con ‘Roujin Z’, dirigida en 1991 por Hiroyuki Kitakubo bajo el guión de Otomo; en el perfil del tiempo se recuerda más a ‘Roujin Z’ por éste detalle, por su libreto y por su sencillo e intrincado diseño; cuando haga un especial del gran Otomo, volveré a hablar de este film. Pero ahora debemos hablar de Kon, por increíble que parezca no aparece en los créditos del film sino en las menciones de su biografía en la wikipedia, gracias a su relación con su maestro; Satoshi ha confirmado que fué uno de los animadores y maquetistas de esta historia futurista. Todavía no hablaremos de las influencias de su posterior trabajo, es que aquí tenía una labor operativa, a ras del suelo y bajo la tutela de su mentor.

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Roujin Z’ es una historia muy cruda, digna de la búsqueda de respuestas de una nación tan maravillosa como la japonesa; cuenta la historia de un grupo de científicos y tecnólogos que han desarrollado el Z-001, un robot de asistencia a la vejez en estado experimental. La familia de un anciano llamado Kijuro Takazawa ha dado su aprobación para que sea sujeto de prueba del robot que a su vez demuestra su potencia técnica: hace todo (todo!) lo que se necesita para mantener al viejo: higiene, alimentación, cuidados. Es una maquina perfecta para cuidarles y también una horrible respuesta moral de una sociedad que se presume de moderna olvidándose de sus viejos siendo irresponsables con ellos en sus últimos años, ofreciendo soluciones como ésta. Haruko es la enfermera del señor Takazawa y entabla una fuerte relación de protección y cariño hacia el anciano, es una chica obstinada y terca (porque tiene un motivo) y cuando ve que su querido Sr. Takazawa está en esa máquina - y de paso, que es una máquina robot diseñada para otros motivos más horribles - decide ayudarle comenzando con su rescate.


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Una aventura de principio a fin, con un guión sencillo y completo, que invita a debatir lo que le hacemos a nuestras anteriores generaciones. En ‘Roujin Z’ vemos un trabajo de un Otomo coherente, una oportunidad que Satoshi aprovecha en sus propias palabras para iniciarse en la industria y creando relaciones laborales que le servirá en su trabajo profesional. Por otro lado el film nos muestra con clichés bien presentados toda una parodia de la sociedad nipona: la enfermera motivada, los empresarios inmorales, los militares funcionales y los viejos que demuestran que su experiencia suele servir de vez en cuando a los jóvenes. En resumen, el mejor inicio para un animador, venido de una película sencilla en su forma pero interesante en su fondo. Un relato sobre dignidad, de quienes ya vivieron su tiempo, de quienes desean lo mejor para el nuestro.


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Satoshi sensei pasará a otra etapa, la supervisión de otro film de animación y de la mano de otro gigante: del maestro Mamoru Oshii.

martes, marzo 22, 2011

Escenas inolvidables: ‘500 Days of Summer’, Tom y su feliz baile

 
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Well, well you, you make my dreams come true.
Well, well, well you, you make my dreams come true”.
('You make my dreams' por Daryl Hall & John Oates)

 

Mientras preparamos todo lo que marzo y abril exigirán en materia de blog, vamos viendo una de las escenas de una película bien hecha, esa comedia que se parece demasiado a la vida de …. mmm… de nadie, jeje. En ‘500 Días Con Ella’ el director Marc Webb repasa sus años como director de videoclips musicales, realizando un trabajo de dirección sólido usando estilos visuales clásicos y que sorprenden –no deberían sorprender pero es que escasean tanto estas pequeñeces en las modernas comedias – satisfactoriamente por el resultado, somos los observadores de la romántica y a la vez terrible relación entre Tom (Joseph Gordon-Levitt) y Summer (Zoey Deschannel).

Conciente que su relación con Summer ha sido prefijada por ella misma de manera que no profundize en sus sentimientos, Tom malentiende o no quiere escuchar el trato y todo lo previo al inicio de su relación (bueno, todo en sí es un malentendido en su cabecita) de manera que cuando llega a un punto íntimo no nos oculta su gran felicidad. Sonrisa Cuando camina a la rutina de su trabajo todo le parece hermoso, todo le parece bello, todo tiene colores y la gente entiende y comparte su alegría, en un toque de maestría Marc nos regala un pequeño videoclip dentro del film con la canción ‘You make my dreams’ de Hall & Oates de fondo y vemos pajaritos, baile, coreografía, felicidad. ¿Alguien le puede culpar? yo creo – a esas alturas y sin saber lo que le viene - que nadie.

El enlace del vídeo (si funciona mal abajo) se encuentra aquí: http://goo.gl/88SW3

lunes, marzo 21, 2011

Nuevo ciclo de especiales: De Maestros y discípulos

 
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¡Oh capitán, mi capitán!”.
 

Y con la épica cita del poema de Walt Whilman referenciada con gran maestría (jaja) en la recordada obra de Peter Weir: ‘La Sociedad de Los Poetas Muertos’(1989) damos inicio a otro especial más en formato de ciclo: películas sobre maestros y sus discípulos, sobre mentores y estudiantes, sobre la transferencia de conocimiento y la energía de la juventud; mis amigos, reconozco que llevaba mucho tiempo pensando en la factibilidad de esta idea y al final me he decidido a lanzarla.

Porque la temática es tan universal como el mismo tema de la educación de todas las artes, de todas las ciencias y de todas las actividades del hombre, ubicada en lugares tan distintos y en tiempos tan lejanos, recordaremos películas que tratan al tema de la enseñanza ya sea como un tema central ó como mínimo, tema secundario. Desde el ámbito deportivo (como ‘Coach Carter’, Thomas Carter, 2005)  hasta el entorno político o económico (como ‘Wall Street’, Oliver Stone, 1986). Omitiré la saga Potter, tendrá su propio miniespecial.

 

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Y bueno, la siguiente semana tendremos ya nuestra primera reseña!!!

domingo, marzo 20, 2011

‘The Kids Are All Right’; sobrevalorada comedia de corte familiar

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–Yo creo que ustedes dos chicas, no deberían romper. 

    -  Y eso? porqué?

–  -  Pienso que ya están viejas.”

 

Cada año se suele ‘recompensar’ a una película del género de la comedia indie para los eventos de premiación en todas partes del mundo, bueno, a quien engaño, sólo en Norteamérica. Jeje. Recordemos entonces la estela de ‘Sideways’ (Alexander Payne, 2004); ‘Little Miss Sunshine’ (Jonathan Dayton, 2006) y ‘Juno’ (Jason Reitman, 2007). Películas realizadas para complacer a un segmento de la audiencia y a los críticos y que tienen la barrera de vencer los prejuicios y la mentalidad del espectador fuera de los USA.

Películas vendidas como comedias comerciales cuando no lo son, un error atribuible a nosotros mismos ya que en su país de origen conocen sus orígenes y nosotros aquí en Latinoamérica no tenemos los suficientes datos por nuestra pobre infraestructura de programas de espectáculo así que debemos arriesgarnos al visionado encontrándonos con una calidad diversa, divertirnos? si fuera posible y en el caso de las anteriormente mencionadas, sí; no solo divirtieron, también hicieron pensar: la familia frente al apoyo de su pequeña señorita Sunshine ó la decisión de la maternidad prematura frente a las opciones de una mejor vida para el bebé de Juno.

Éste no es el caso de '’Los Chicos están bien’.

 

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Aunque prometía, al menos para nuestro tipo de público, una buena comedia. Nic y Jules son un matrimonio establecido que viven en California junto a sus dos hijos: Joni de 18 y Laser de 15, concebidos por cada una mediante fertilización – El hecho de que Nic y Jules sean mujeres no es siquiera el dato de impacto en una sociedad que corre en la transformación social del concepto de ‘familia’ – y teniendo a puertas la partida de Joni a la Universidad.

Tras la curiosidad de Laser, ambos hermanos conocen a Paul; el donante de esperma que vive una vida sencilla y libre de responsabilidades familiares, los chicos logran la inserción de Paul a su familia provocando varias sensaciones críticas en sus integrantes: desconcierto, confianza, desconfianza, incertidumbre y desorden. Pero parece que la ejecución del tema no se nota en la película por su guión: lleno de elementos que aportan poco (como el amigo de Laser) o por giros muy bruscos en la misma historia, quedando a la mitad de todo: a mitad del conflicto entre las anteriormente sólidas madres, a mitad de la inserción de Paul en la vida de los chicos y a mitad de entender el corazón de Joni frente a su futuro, quien diría, el personaje de Laser es el menos complicado y el más sincero de todos.

 

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Incompleta en sus objetivos, la dirección y guión de Lisa Chodolenko – esposa de la guitarrista Wendy Melvoin – no explotan las cualidades de actrices tan solventes como Julianne Moore ó Annette Bening, quien inmerecidamente se consideraba la otra favorita en la categoría a mejor actriz en los Oscar este año; su personaje tiene grandes momentos pero no es nada que cualquier capítulo de ‘The L Word’ no brinde. Por cierto que Chodolenko también fué directora circunstancial de la mítica serie.

sábado, marzo 19, 2011

Satoshi Kon: tributos a la manera de ‘Black Swan’ e ‘Inception’

 

De nuevo en el ruedo.

Es un hecho público que tanto Darren Aronofsky como Christopher Nolan reconocen la influencia de muchos autores japoneses y orientales, entre ellos Satoshi Kon cuyo especial y después de mucho retraso comenzará este mes de marzo. Para ello recurro a dos videos de youtube (créditos a Superdude1999) para ver unos AMVs de calidad.

En el primero podremos observar a ‘Perfect Blue’ de Satoshi Kon con los sonidos del trailer de Aronofsky; Darren ya había utilizado un segmento del film de Kon en su segunda película: ‘Requiem For A Dream’ como anteriormente ya habíamos reseñado. Asimismo cabe notar a ‘Millennium Actress’ de Kon como una de las varias fuentes de ‘Black Swan’.

En el segundo podremos observar a ‘Paprika’ de Satoshi Kon con el fondo del trailer de ‘Inception’, el film de Christopher Nolan al que muchos le encuentran relación con la temática tratada ya en la obra del aclamado director japonés. Algo que estudiaremos al reseñar sus obras. Paciencia, que ya estamos cerca.

 

 

viernes, marzo 18, 2011

‘Let Me In’; Video tributo con ‘Mad World’

 

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Querido Owen, Me encuentro en la bañera. Por favor no ingreses. Quieres volver a salir conmigo esta noche? De veras me gustas. Con amor, Abby.”

 

Y… lo admito, esta película me gusta mucho.

Y no soy el único, público en general ha encontrado razones para que le guste la nueva visión de Matt Reeves sobre el popular film de la niña vampiro, y el niño con quien comienzan una bella y terrible historia de amistad y amor. Talvez se encuentra en el rumbo de convertirse en un clásico del cine de vampiros (espero que así sea) y todo por el trabajo centrado en estos dos pequeños y grandes promesas de actores: Kodi y Chloe. 

Una forma de ver cómo se va reconociendo una obra así es mediante los tributos de los fans alrededor del mundo, por ejemplo este vídeo AMV de la película con la canción ‘Mad World’ en la versión de Gary Jules (2003). Seguramente reconocerán la conexión con la película, por la letra y por la reedición de un clásico de Tears For Fears que es muy ochentero, justo la época donde se sitúa la película y donde también escuchamos canciones de grupos como Culture Club, David Bowie o Greg Kihn Band, todos los créditos a su uploader, disfruten:

pd. Les ha gustado el nuevo look? yo no me entusiasmé mucho, está en prueba.

pd2. Y Gracias por las 15.000 visitas!!!!!!!

martes, marzo 15, 2011

Escenas Inolvidables: Jim Morrison y su ritual chamánico en ‘The Doors’

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- Soy el rey lagarto. Puedo hacer lo que yo quiera.”
(Jim Morrison)

Hoy la mítica banda de ‘The Doors’ tocan en el tetro al aire libre en la ciudad de La Paz, me da mucha pena y rabia no asistir, para ver en directo a Ray Manzareck y Robbie Krieger; órgano y guitarra de ese grupo de rock esencial en la música mundial, de los Doors. Si han trascendido en el tiempo ha sido por la calidad de sus discos, sus reveses y sus retornos, por la mezcla de rock, blues, acid y descontrol; marca sonora de los dos ausentes en el concierto: John Densmore – el baterista más completo del rock clásico americano de los 60s – y obviamente por Jim Morrison, poeta, cantante, actor, director y artista, nunca estaba sobrio.

Asimismo ando preparando muy lentamente un especial que espero lanzarlo el 2011, sobre películas de cantantes y músicos famosos, lo ando postergando desde el año pasado pero fija que tendremos al biopic de ‘The Doors’. En la buenísima película de 1991 de Oliver Stone – que cuenta una historia exacerbada centrada en las locuras de Morrison – existen escenas en vivo que no pueden catalogarse sin usar la expresión ‘incendiario’. 

Una de sus actuaciones se centraba en una actuaciòn en la universidad de San Francisco tras negar a su propia familia al ingreso del concierto. Los policías estaban normalmente cercanos al escenario (fama que les precedía) y los Doors tocan ‘Not touch the earth’; en el éxtasis de la canción Jim comienza a bailar como un indio americano y el concierto se transforma en una ceremonia, un ritual. Jim es el rey lagarto, poseído toda su vida por la idea de ser un heredero chamán de las tribus de indios americanos ya que tuvo la oportunidad de presenciar a uno en un accidente de tránsito cuando era niño. La escena es soberbia porque en paralelo cuenta muchos de sus excesos que le costaban detenciones y acusaciones, están presentes la voz de Van Kilmer y el sonido en mezcla de Morrison así como los efectos especiales (no ver si son menores de 18 años) y la mágica atmósfera que en el cine rinde tributo al rock de todos los tiempos. Para ver y nunca olvidar.

No nos olvidamos de enviar buenas vibras al Japón.

lunes, marzo 14, 2011

Escenas Inolvidables: la conversación de Asuka y Misato en ‘Evangelion 2.0’

 

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– Al principio no quería ir a esa cena, estar con otros es divertido pero para mí es cansador. Es que no me gusta ver a otros felices… siempre me gustó estar sola, tampoco necesité amigos cercanos y nunca he tenido alguien que cuide de mi apropiadamente. Al principio creí que por ser la mejor piloto de NERV podría ir a esa cena. Ahora me doy cuenta de que es bueno estar con otros aunque parece que no encajo…

- Este mundo esta lleno de cosas interesantes que debes conocer. ”

(Asuka y Misato)

Estamos recordando mucho material del Japón en estos días, como no podía ser de otra manera.

En el film de Hideaki Anno ‘Evangelion 2.0 You Are (Not) Alone’ vemos una nueva versión en todos los sentidos sobre el mito viviente más importante de la animación japonesa moderna: Evangelion, como ustedes saben la obra más emblemática de Gainax iniciaba con el ataque de los ángeles, los mismos hijos de Adán, hacia la tierra residual, el planeta y los sobrevivientes que han quedado tras el fenómeno conocido como ‘El segundo impacto’, un experimento ocurrido en el Polo Norte después que el hombre descubrió a Adán (el hijo de Dios) y quiso despertarlo provocando un infierno, un apocalipsis. Psicosis, ingeniería, religión, fé, sobrevivencia, mecas, romance y dolor. Simplemente ‘Evangelion’.

En los capítulos de la serie teníamos un terrible arco argumental cuando se deciden hacer las pruebas de un nuevo Eva, robots bioorgánicos que reciben a un ocupante humano de preferencia un niño para controlarlo y combatir a los demás ángeles. En la serie como decíamos teníamos la presencia de un amigo de Shinji (el protagonista) dentro del mismo Eva pero en la película deciden un cambio tremendo y acertado: la misma Asuka, la tercera niña elegida es la seleccionada para la prueba dentro del nuevo Eva, y acude a la prueba antes de un evento que iba a intentar afianzar la confianza entre ella y Shinji y sus amigos: la cena que Rei organizaba para todos. Tiene la conversación que anotamos arriba donde se pone sincera con la supervisora Misato. Un privilegio que pocas veces teníamos en la serie y que es un regalo en esta nueva pelicula!!!

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Asuka es una de las chicas íconos del animé a nivel mundial, con su personalidad fría, determinada, orgullosa y confianzuda, todo un prototipo de chica que desea ser una mujer rápidamente. Sus miedos, sus temores, todo aquello que ella no desea exponer se verán expuestos dolorosamente después de la conversación… cuando un nuevo ángel ataque de forma muy profunda. Un ataque a su corazón.

Y mientras tanto…. ánimo al pueblo del Japón!!!

domingo, marzo 13, 2011

Escenas Inolvidables: el refugio en ‘El Cazador’ (‘Dersu Uzala’)

 

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– Tengo que irme porque sino, moriré de tristeza”

(Dersu)

 

Y recordemos una grandiosa escena de la ganadora del Oscar 1975 a Mejor Película Extranjera, del maestro de maestros. Akira Kurosawa, un genio del cine de todos los tiempos admirado por la comunidad mundial con admiradores declarados como Federico Fellini, Roman Polanski, Bernardo Bertolucci, Francis Ford Coppola, Steven Spielberg, George Lucas, Martin Scorsese y Zhang Yimou, o sea, un capo.

La película número 25 de Akira-sensei llegaba en su etapa quinquenal donde realizaba films cada 5 años. Una co producción japonesa y soviética que trataba la aventura de las delegaciones soviéticas en la frontera nor este a inicios del presente siglo y que le obligó a innovar en técniacs que el mismo había desarrollado: la filmación en exteriores naturales. La historia se basa en hechos reales según el libro y testimonio del capitán explorador Vladimir Arsenyev y su tropa quienes conocen a un explorador de raza goldi llamado Dersu Uzala. Dersu ya está entrado en años y tiene una gran experiencia en el bosque, algo que los soviéticos necesitan y comienzan su labor conjunta de recorrer el mundo. Claro, de ahí a la Siberia… cerquísima.

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Pues ocurre que el capitán y Dersu exploran territorio nuevo a orillas de un río congelado, como es una región lejana del mundo ambos se dan cuenta que han perdido el rastro de su caminata, hielo, poco suelo y pocas plantas, todo es planicie y no hay puntos de referencia. Se encuentran extraviados. Inicia el viento y una tormenta siberiana y tienen unos minutos para planear como sobrevivir antes de morir. Es la naturaleza quien sienta presencia y Dersu la conoce; pero no tienen tiempo, decisiones rápidas deben comenzar antes de que ocurra la tragedia y refugiarse debidamente o morir.

Dersu Uzala’ (‘El Cazador’) mis amigos, una preciosa pelìcula sobre el respeto y la amistad dirigida por un maestro de maestros, por Kurosawa. Y que aguante el valeroso pueblo del Japón!!!!

viernes, marzo 11, 2011

Tokyo Magnitude 8.0: Viva el glorioso pueblo del Japón!

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-Siempre estaré aquí.”
(Yuuki)
 
El Japón es el sueño, mi sueño, el de millones de personas que admiramos una cultura tan hermosa, tan fuerte, una nación que como en el transcurso de su historia se levanta de las adversidades, aprende de sus acciones, mira al futuro.
El lamentable suceso del terremoto del día de hoy 11-03-11 con una magnitud de 8.9 grados Richter me trae un triste recuerdo: la serie de animación llamada 'Tokyo Magnitude 8.0' producida en 11 episodios por el Estudio Bones y ganadora del festival Japan Media Art el año 2009. 

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En esta dramática (terriblemente dramática) historia nosotros seremos los compañeros invisibles, los espectadores de primera línea de un terremoto de 8.0 grados que sacude la vida de los habitantes justo en los distritos de Tokyo en pleno día. Dos niños serán los protagonistas: Mirai y Yuuki Onozawa, Mirai es la mayor y al principio es una niña con los problemas típicos de la preadolescencia, en cambio Yuki es apenas un crío, con toda la belleza de la inocencia que la niñez recuerda. Salen a pasear al inicio de sus vacaciones de verano cuando... 

El dolor. La muerte. Los sobrevivientes. Mirai y su hermanito deben convertirse forzadamente en supervivientes y comienzan su periplo para aguantar emocionalmente una tragedia como la que viven, increíble de veras. Se despliega un realismo que asusta y nuestros pequeños héroes reciben apoyo del ciudadano coún, de gente shockeada como ellos pero que se aferran a continuar viviendo, una tristeza que se siente y aún más cuando la animación nos presenta lo peor de estas catástrofes: las horas siguientes del terremoto. Porque la historia que se cuenta no es divertida más todo lo contrario... lo reconozco, pensé mucho en esta serie al enterarme de la terrible noticia. Asusta ver cómo la realidad supera a la ficción, muchas veces.
 
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La naturaleza es a veces implacable, a veces conviene recodar la fragilidad de la vida y cómo deberíamos valorar nuestra existencia frente al destino incierto, el misterio de la muerte es tan grande como el milagro de la vida.

Que viva el glorioso pueblo japonés! Nippon no hitobito ga eikō o okuru!!!!
 
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jueves, marzo 10, 2011

‘Wanted’: espectáculo para insultar a la física

 

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– Porqué ustedes me obligaron a hacer todo esto?

- Porque tú eres la única persona que él no podría asesinar”

(Wesley y Fox)

 

Cine de acción? ya ya, que ya viene entrando.

‘Wanted’ (Timur Bekmambetov, 2008) es una prueba de que se puede hacer una película de acción, mezclar un guión de cómic (literalmente hablando), insultar las leyes de la física –especialmente de la balística – ver a Morgan Freeman y Angelina Jolie de malosos, repartir explosiones y disparos a mogollón y salir victorioso de la crítica.

Basado en el cómic de Mark Millar, la historia se centra en la vida de un Loser con L mayúscula: Wesley Gibson (James McAvoy) que transcurre sus días hundido en su rutinario trabajo y en su pobre relación sentimental. Hasta que llegan Sloan y Fox a su vida (Morgan y Angelina respectivamente), le introducen a regañadientes en una organización profesional de asesinos con un método de inducción demasiado exigente, realizando misiones cada vez más complicadas y ocultando el pasado del mismo Wesley hasta que lo descubre y las cosas cambian.

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Y uno se pone en el contexto del género y sale sonriendo aún sabiendo de las cosas inverosímiles que suceden a cada instante, todo gracias a la buena actuación de James McAvoy; un ejemplo de cómo elegir proyectos y hacerse de un nombre en la difícil industria cinematográfica, su papel de médico asesor en ‘El Último Rey de Escocia’ ó el joven Robbie tan derecho en ‘Atonement’ y su próximo papel de Charles Xavier en ‘X Men First Class’ son retos para la versatilidad de un actor con gran futuro. Mientras que Morgan Freeman y Angelina Jolie actúan de secundarios muy bien estilizados, son clichés de personajes de cómics en carne y hueso y a pesar del camino de los absurdos en varias de las escenas salen con mucho carisma, pero repito, es cine de acción moderno, no esperemos un drama de gran contenido íntimo social, jeje.

Y como ambos apoyan el viaje de Wesley cabe también resaltar el envoltorio del film: decorados oscuros, escenas frenéticas de acción, efectos y sonidos calibrados al máximo, una música tan potente como adecuada (consigan la banda sonora de Danny Elfmann y las canciones de Nine Inch Nails que se escuchan) y una fotografía densa tan bien utilizada como se puede notar al final de la carrera del tren. Todos son detalles que acompañan al espectador y justifica los nervios de Wesley. En resumen una aceptable labor de dirección artística de primera y es que Timur sabe de su oficio, nos ha dado una película de acción nada creíble (o in-creíble) que desfila situaciones WTF en muchos momentos y que hará renegar a los más puristas (una bala curva? andaaaa) del género que nunca debe tomarse en serio, del género que sirve para entretener y emocionar en base al machismo (Jolie incluida) de bums, del género de acción.

 

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pd1. Gracias por las 14.000 visitas!!!!

martes, marzo 08, 2011

‘Let Me In’: déjame entrar en tu sangriento corazón

 

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– Quiero irme! Me dejarás?

- Te dije que no podríamos ser amigos.”

(Owen y Abby)

 

Y… está hecho. Ya tenemos la siguiente gran película de horror y romance desde… hace mucho rato. ‘Let Me In’ (‘Déjame Entrar’, 2010) una excelente recomendación de cine de vampiros y más que eso: un cuento romántico entre dos niños que parecen muy diferentes pero cuyo destino ha sido el encontrarse.

Hace dos años Tom Alfredson tuvo la suerte de dirigir ‘Let The Right One In’, un film sueco adaptado de la novela del mismo nombre de John Ajvide que contaba la historia de un niño de 12 años que conoce a una (niña) vampiro. Tanto la novela como el film fueron éxitos en Europa y su adaptación americana era cuestión de poco tiempo; el elegido tras las cámaras ha sido Matt Reeves a quien ya le vimos con mucho talento manejando actores, escenarios y efectos en la interesante ‘Cloverfield’ (’Mounstruoso’, 2006). Una buena elección ya que su versión también ha recibido felicitaciones incluso del anterior director y del mismo autor del libro. Alfredson fué el elegido para la versión americana pero el renunció porque prefirió ver una versión nueva de su obra, algo que luego celebró al considerar que Reeves no hizo un remake sino una versión homenaje.

La historia mis amigos no es difícil: Owen vive con su madre separada de su papá, vive en Nuevo México en un lugar demasiado frío y tenebroso; Owen es un chico solitario que busca la manera de (sobre)vivir en el pueblo y vive reprimido por las torturas de malvados compañeros de escuela. A su vecindad llegan una niña y un señor: Abby y quien parece ser su padre. De pronto llegan las desapariciones, los crímenes y los macabros hallazgos de cuerpos, cada vez más cerca y más cerca de la casa de Owen. Mientras tanto Owen y Abby se hacen amigos.

 

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Y se enamoran, cada cual a su modo. Owen tiene problemas al principio para aceptar a Abby tal y como es pero dada su terrible vida social y su inocente corazón le acepta al saber la verdad. Abby es quien muestra menos expresiones porque su personalidad se ha estancado en su edad y en su necesidad. Pero cuando muestra cariño a quienes ama lo hace de una forma muy propia: manos, rostros, abrazos. No sabemos porqué es así, el origen de su situación. Cuando ambos comienzan a conocerse suelen pedirse permiso para saber más de sus vidas, ocurre a todo nivel: desde ingresar a sus casas hasta la forma en que abren sus corazones, siendo el corazón de Abby el más enigmático, el más oscuro y por su naturaleza… el más sangriento. Seremos testigos del desarrollo de los acontecimientos y de los crímenes y sabremos (en forma muy previsible) que nada bueno le espera a la relación entre estos dos niños.

 

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Este muchacho Kodi Smit-McPhee en el papel de Owen me ha parecido una grata sorpresa y Chloe Moretz como Abby me ha dado otra alegría, no aparece mucho (sería polémico si se dieran más imágenes de su sangriento personaje), Chloe lo tiene todo para triunfar en el futuro ya que desprende un carisma automático en la pantalla y rinde en todo tipo de actuaciones: la amiga en ‘500 Días con Ella’ ó la impresionante Hit-Girl en ‘Kick-Assya conforman el currículum de la – ahora estoy más convencido – más grande actriz infantil del cine americano en este momento (tráguense eso chicas Disney). Ellos dos son el apoyo de la película sin el cual la acertada dirección de Reeves, la música de Giacchino y la fotografía empleada no darían un producto tan bien elaborado. Sólo me duele recordar los efectos especiales que no parecen estar a la altura y uno que otro bajón en la narración del guión pero que no desmerecen el conjunto.

Cine de vampiros de verdad (otro trago para los fans de la saga ‘Crepúsculo’) que sale airoso al narrar amor infantil en su historia, ‘Déjame Entrar’ muestra la universalidad del amor a costa de muchos obstáculos.

 

lunes, marzo 07, 2011

DreamWorks: ‘Camino a El Dorado’; aventura muy desperdiciada

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– Yo sé lo que son, y sé que cosas no. Y ustedes NO son Dioses!

- Tú no eres un Dios, Miguel? Me mentiste? Cómo te atreviste!”

 

La película número 3 de DreamWorks Animation Studios se sitúa en marzo del año 2000 tras todo un año de no estrenar ninguna otra película desde el éxito de ‘El Príncipe de Egipto’, para el proyecto fueron contratados Hans Zimmer y John Powell para la banda sonora y Time Rice con Elton John para las canciones. El director asignado fué Bibo Bergeron que tenía como curriculum ser animador de ‘Goofy: la película’ (1995), y las maquetas de ‘El Príncipe’ fueron usados para la nueva historia.

Tulio y Miguel, chicos pícaros caen por accidente en un viaje de España a las tierras recién descubiertas en la fiebre de conquistas posteriores a Colón, en el Nuevo Mundo descubren la tierra más famosa por las historias tanto fantásticas como históricas: la ciudad de El Dorado. Al llegar con el caballo incluido los habitantes les reconocen como dioses y es donde comienzan una aventura para los protagonistas: ser venerados como las deidades del inocente pueblo ó ver la forma de enriquecerse materialmente, en medio de ello existen situaciones cómicas que les obligan a plantearse sus propósitos iniciales, entre ellos su ambición.

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A estas alturas de la carrera de DreamWorks sorprende la forma del planteamiento para este film: tenían una excelente idea porque hay que reconocer el tamaño de la leyenda de la ciudad de ‘El Dorado’ y toda el mito que le rodea. Para ello usar las animaciones humanas de ‘El príncipe’ y añadir humor muy americano (algo que no me gustó demasiado) eran opciones recomendables para una película familiar, la cereza sería la canción de Elton John. Gran esfuerzo que se reconoce al principio…en el viaje, en la llegada y el descubrimiento de la ciudad..luego de ello la aventura cae, cae el ritmo, el humor es demasiado básico e insultante, los villanos no tienen esa potencia de los grandes malosos en animación, todo se desperdicia y se sale como se puede, un final muy débil. Un guión en descenso.

Mucho costo y poco beneficio, un presupuesto de 95 millones de $ (la más cara hasta ese momento) y un retorno de sólo 75 millones de $ supuso el primer fracaso comercial del reciente estudio, también fué un retroceso por parte de la crítica y del público, algo que en lo personal creo que le sirvió de mucho a la DreamWorks para encarar mejor sus siguientes productos. Empero su siguiente film daría el batacazo y gustaría a todos y ellos no lo producirían, serían sólo distribuidores.

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Llegaría ‘Chicken Run’.

sábado, marzo 05, 2011

‘Baka To Test To Shokanju’: de exámenes, idiotas y bestias chibi

 

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Él no es sólo un idiota, es él idiota definitivo”

Vuelve el animé al blog! nos dejamos de Oscares y demas cosas para volver a hablar esta vez de una seria moderna, serie de comedia, parodia, romance y risas: ‘Baka To Test To Shokanju’ (2010). Proveniene del manga del mismo nombre fué emitido hace un año con una entrega de 12 episodios en total.

De qué trata? cuál es el tema? imagínense lo siguiente: Yoshii acude a la Academia Fumizuki, el cual tiene un sistema de ubicación por clases dependiendo del rendimiento en el examen de ingreso: existen desde la clase A hasta la clase F, los mejores van a la ‘A’ donde tienen aulas de lujo, aire acondicionado, sofás, comodidades y placer y a medida que se observan los demás niveles en paralelo tales lujos y comodidades se degradan. El peor paralelo es el de la clase F: estudiantes estúpidos, ignorantes, antosociales, y con un aula lamentable! piso con tierra, pupitres rotos, noooo, es de lo peor!. Yoshii realiza su prueba y es enviado a la clase…..F.

 

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Pero es asombrosa la fama de Yoshii (cabello café), no sólo es uno de los peores estudiantes, es un lujo de ‘idiota’, como dice la frase…es él idiota definitivo!! (jaja), de ahí que sea célebre, pero en su nueva vida tiene que lidiar con Yuji, el representante que desea declarar la guerra a las otras clases, cuando esto ocurre se activa una pelea que se lleva a cabo mediante un formato de conocimientos e invocando a los mounstruos chibi de cada estudiante!, cuánto más estudian los de una clase más potencia obtienen sus muñecos (algo tipo Pokemon pero a lo bestia jeje); aquí es donde salen a la vista la bella Mizuki (cabello rosado), chica inteligente que por accidente a ido a caer a la lamentable clase F, también se hace presente Minami, la chica recién vuelta de Europa; como ellas se preocupan por la clase y van participando de los retos hacia las otras aulas junto con el resto de compañero (a cada quien más extraño) que se atreven a mejorar su terrible status. Cómo les irá? tienen alguna estrategia para combatir? su situación mejorará o empeorará cada vez? dejará de llover en Cochabamba? Jeje.

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La serie ha sido todo un éxito y se basa en el fuerte comportamiento cómico de las historias: golpes, decepciones, situaciones alocadas e incoherencias de última hora. Si no son muy aficionados a las modernas series animé de comedia pues ya es hora de que se vayan actualizando, no será un humor muy general pero que divierte a los otakus…sí que sí.

jueves, marzo 03, 2011

‘Amélie’, cine de precioso detalle


 " - Está enamorada!
   - Pero ni siquiera la conozco!
   - Oh, sí, si la conoces.
   - Desde cuándo? 
   - Desde siempre. En tus sueños. "
    (El hombre en la foto y Nino)

Tengo el grato placer de escribir una reseña de una de las más bellas películas de la anterior década, y que en abril se cumplirán 10 años de su estreno. Qué bárbaro, cómo pasa el tiempo :(.

Contamos la fabulosa historia de Amélie Poulain, una chica con problemas cardíacos (equivocados) a temprana edad, que ha perdido trágicamente a su madre, que ve cómo su padre se va aislando de la sociedad poco a poco y que desarrolla una activa imaginación para formular preguntas y respuestas a cuestiones de todo tamaño y de toda índole. Alguien que aprende a disfrutar de placeres muy puntuales y de vivir su vida a su modo. Todo lo que eran normal para Amélie cambia cuando descubre su capacidad de dar felicidad a otras personas, elaborando las estrategias más inusuales para personas que conoce y que no conoce. Desea sentirse bien con ella misma colaborando y apoyando y para ello se convierte en una samaritana moderna en la mitad de las veces y en una terrorista de la justicia en las otras ocasiones. Su nueva vida le va bien, hasta que le empieza a gustar un muchacho. No podía faltar el amor.

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Mis amigos, estamos ante un film lleno de preciosismo en todos sus detalles: colores, tonos y formas. Cuenta con decorados rápidos, hermosa fotografía, efectos especiales correctos y una música muy adecuada. Y cuenta con diálogos, eventos y personajes bien presentados; destacando siempre la presencia de Amélie, nuestra heroína y su descubrimiento de hacer el bien mejorando la vida de los demás sin que la noten: una chica altruista, colaborativa, tímida, inteligente y justiciera. Sin que lo sepa va conociendo mejor a su corazón y los eventos para conocer a Nino le sirven para decidir, decidir en arriesgarse a cambiar.




La película de Jean-Pierre Jeunet triunfó en todo el mundo, fué candidata a 5 Oscares y a muchos otros premios, le permitió al director hacer trabajos en todo el mundo y le permitió a Audrey Tautou convertirse en una estrella internacional en films como ‘El Código Da Vinci’ de Ron Howard y ´Coco Before Chanel’ de Anne Fontaine.