domingo, enero 30, 2011

Oscar 1989: ‘Conduciendo a Miss Daisy’

 

driving-miss-daisy

Un viejo hombre de color y una vieja mujer judía perdidos ambos por la carretera… éso es algo lamentable de ver!”

Comentábamos con JP Sucre hace dos días la forma en que muchas veces la Academia del Cine Norteamericano no siempre premia a las mejores películas de una gestión sino que suele dirigirse hacia premiaciones políticas o convenientes ó dependiendo del buen lobby de los promotores de los films, este año por ejemplo ‘El Discurso del Rey’ está de favorita gracias a la fuerte promoción de los Weinstein (quienes antes punteaban en Miramax) y por la calidad de su producto (que ya se espera una reseña aquí :); en eso que sentimos muchas veces como injusticia cuando se compara a la ganadora con otros films similares y mucha gente explaya sus críticas ácidas hacia la Academia y los Oscar y lo mismo con las categorías fuertes: dirección, guión, actores, etcétera. Seguro que pronto hablaremos de esas polémicas.

‘Conduciendo a Miss Daisy’ viene con esta repercusión, primero porque es la última película en ganar el Oscar sin haber sido nominada a mejor director! claro que el australiano Bruce Beresford tampoco sea alguien arriesgado; segundo porque este film es demasiado correcto, demasiado plano, intimista a ratos y superficial en otras; si hay un buen motivo para verla es para observar a una profesional: Jessica Tandy, quien recibiría el Oscar a sus 80 años por este film.

driving-miss-daisy_l

Hoke (Morgan Freeman) es un chofer encargado a la familia del señor Boolie, joven empresario e importante industrial de la Georgia de principios de los 60s, Boolie aún cuenta con su madre Daisy; matriarca judía que ya es viuda y que vive en solitario con su sirvienta y el recién llegado chofer. Entre ellos ocurre un evento muy previsible: una ‘amistad complicada’ por la forma senil de sus protagonistas, no es fácil rescatar mucho brillo sobre este relato lineal y sin riesgo, todos los mensajes ya se saben, todos los actos son sencillos y toda la ambientación es la adecuada.

Nueve nominaciones y cuatro premios, pero esperen, saben quienes fueron nominados ese año? les comento: ‘Nacido el 4 de Julio’ de Oliver Stone (volvió a erigirse como mejor director), ‘Mi Pie Izquierdo’ (Daniel Day-Lewis ganaría el Oscar a mejor actor por el film), ‘La Sociedad de los Poetas Muertos’ y ‘Field Of Dreams’, mucho se comentó que premiar a ‘Driving Miss Daisy’ fué una decisión salomónica por la presión de las distribuidoras de los demás candidatos; pero en su época sí que despertó susceptibilidades, aunque sean ciertas (como se constata actualmente) que el Oscar es un premio a las decisiones preferenciales y no siempre miden la calidad de los films, aún así nuestro especial seguirá avanzando. Sonrisa

J.Tandy/D.Ackroyd: The 1989 film "Driving Miss Daisy" co-starred Dan Aykroyd as Boolie Werthan, who tries to convince his widowed mother, played by Jessica Tandy, to hire a chauffeur.  Aykroyd received a Best Supporting Actor Oscar® nomination for his performance in the film.  Tandy's performance as southern matron Daisy Werthan earned her a Best Actress Oscar.  "Driving Miss Daisy" will screen at the Academy of Motion Picture Arts and Sciences in Beverly Hills on Monday, September 8, 2003, as part of the 75th anniversary screening series "Facets of the Diamond: 75 Years of Best Picture Winners."

viernes, enero 28, 2011

Oscar 1988: Rain Man, los hermanos más distintos


" - Me utilizaste, utilizas a Raymond, utilizas a todo el mundo.
- A Raymond? Hey Raymond (hablándole), estoy utilizándote? Te estoy usando Raymond?
- (Raymond): Si.
- Cállate! ... El responde una pregunta de hace media hora!"
(Susanna, Charlie y Raymond)


Imaginen la Tierra, el mundo entero, un mundo donde reinan Michael Jackson en la música, Madonna en el pop y un joven llamado Tom Cruise en el cine, imagínenlo un instante, están en 1988. Tom venía de una racha comercial impresionante: Risky Business, Legend, Top Gun, El Color del Dinero y Cocktail; realizados todos en 4 años! Tom asumía un papel adecuado para él: el joven que ha ejercido de oveja negra de su familia que al fallecer el padre -y con quien ha tenido una difícil relación- debe recojer la herencia por ley, no se imagina la sorpresa: hay herencia para un hermano que no conoce (Dustin Hoffmann) que vive recluido y que es autista.


Esta magnífica mancuerna funciona como reloj en la pantalla, acompañados por una preciosa Valeria Golino (le hemos perdido el rumbo la verdad), Charlie y Raymond deben trasladarse de un lado del país a otro pero siempre surge la personalidad inocente de Raymond lo que crea una historia de aventura, luego de drama, luego de aventura y así hasta que tengamos lo que ahora se llama "películas de viaje interior", obviamente que el cambio que es visible está en el personaje de Tom (Charlie) que debe revisar su paciencia una y otra vez. Tampoco se puede negar que Dustin está convincente, debe ser por esa entrega y por visionar un film correcto (aunque poco riesgoso y sin ganas de transgredir) que la misma superó a muchas las del género.

Nominada a 8 óscares y ganadora de cuatro: mejor película, mejor director, mejor actor (Hoffmann) y mejor guión original, surgió una polémica generalizada por no nominar a Cruise en actor (ó actor secundario), objeto de mucha protesta de sus fans en los medios. Fué la 5ta. nominación para Dustin y su segundo Oscar tras 'Kramer Vs. Kramer'' , volvería a ser nominado más tarde por 'Cortina de Humo' y desde ahí ha tenido una cal y otra de arena



jueves, enero 27, 2011

Oscar 1987: ‘El ÚItimo Emperador’

 

emperor3

Sólo se es responsable por lo que uno hace! toda su vida usted pensó ser mejor que cualquiera. Ahora piensa que es el peor de todos!!”

Bernardo Bertolucci sigue vivo, no es tan famoso o venerado como Kubrick o Ford o Pollack o muchos otros pero se ha hecho un nombre en la industrias, gracias a su trabajo en su natal Italia, a sus obras mainstream como la interesante ‘El Último Tango en París’ ó la polémica ‘1900’ (quién aguantaría 315 minutos de largometraje? eh?). Bernardo fué contratado en 1986 por el productor independiente Jeremy Thomas quien se encargó de la logística del proyecto: logró convencer al gobierno de China para filmar en China, en La Ciudad Prohibida y en muchas importantes locaciones, fueron seis meses de duro rodaje.

Y como saben, ya le hice una reseña hace mucho tiempo, con el enlace aquí: The Last Emperor.

emperor2

Aisin Puyi es el último de los emperadores de la dinastía Qing, gobernantes de la región que han regido desde la llamada Ciudad Prohibida, una ciudad palacio que no se dedicaba mucho a administrar sino a servir de vivienda de los monarcas, en la China fuera de este sitio se suceden los cambios sociales más fuertes; se está creando una república y de un modo u otro la actual dinastía no tiene cabida en el nuevo diseño chino por lo que Puyi sufrirá para hacerse de una vida con significado. No es una situación normal que al conocer predeterminadamente tu destino éste sea cambiado de golpe.

Obsesionado con recuperar su título, con ser reconocido, con ser parte de la historia de su dinastía, el emperador recibe instrucción occidental (con un Peter O’Toole correctísimo). Puyi desarrolla el concepto del estado de Manchuria; región autónoma que reclama como la capital de su imperio, se instala en esta región, buscará que le reconozcan y sólo provoca indiferencias, a tal punto llega su ansiedad de reconocimiento que buscará amistades peligrosas: los japoneses llegarán y le utilizarán, será recordado entre otras cosas por ser un títere.

La biografía del último emperador que vemos es un largometraje precioso, exacto en música, cinematografía y vestuario; nominada a 9 premios, los ganó todos pero como rareza contarles que no tuvo nominaciones a ninguna categoría actoral.

emperor1

miércoles, enero 26, 2011

Oscar 1986: ‘Pelotón’ la guerra como reflexión

 

platoon2

Ahora pienso, viendo el pasado, que no peleamos contra los enemigos; peleabamos contra nosotros mismos. El enemigo estaba en nosotros. La guerra se acaba ahora para mí, pero siempre estará presente, por el resto de mis días… Hay veces que me he sentido como un niño, nacido de aquellos dos padres…”

 

Y ahora nos toca hablar de otra institución americana: Oliver Stone, director de cine que tuvimos la ocasión de verle en Bolivia el año pasado por su documental ‘Al Sur de la Frontera’. Stone era un favorito recurrente de los miembros de la Academia, al menos por ellos quienes veían en él el artesano del cine político y autocrítico de su país; ha tocado muchos temas espinosos, ingratos pero necesarios; entre ellos su trilogía sobre la Guerra en Vietnam: ‘Platoon’, ‘Nacido el Cuatro de Julio’ y ‘La Tierra y el Paraíso’.

La producción de Pelotón fué una pesadilla de principio a fin, Stone estuvo en la misma guerra de Vietnam y al finalizar los 60s le envió un guión inicial al mismísimo líder de los Doors: Jim Morrison (tiempo más tarde se supo que Jim seguía estudiándolo en París al momento de fallecer); tuvo que aplazar su idea debido a la salida de otros films en los 70s que seguían tratando con crudeza el tema de Vietnam, en especial ‘Apocalipsis Now’ de Coppola; cuando sintió que estaba listo para una nueva generación la presentó en 1986. Rodada en Filipinas, el casting fué de lujo conformada por jóvenes que luego harían historia en el cine americano con muchos varios destinos: Charlie Sheen, Tom Berenger, William Dafoe, Forest Whitaker, Kevin Dillon, Johnny Deep, Corey Glover, Francesco Quinn entre muchos otros: era una gran película coral y para añadir polémica a los actores se les exigió un plan riguroso de ambientación, creando traumas y haciendo trabajar a full time al psicológo, como ejemplo de este período se les exigió realizar labores recurrentes del ejército como cavar fosas para los muertos.

 

platoon1

Chris Taylor (Sheen) aterriza en plena guerra de Vietnam y formará parte de una tropa con los sargentos Barnes (Berenger) y el sargento Elias (Dafoe), las acciones de las que Chris tomará parte cuestionan y sorprenden su capacidad de comprensión, la villa, las reuniones de grupo, la locura de Barnes y la amistad de Elias le tenían en rumbo hacia el fin de su inocencia; Chris se somete al peor de los aprendizajes: ver en directo, participar en directo, de la decisión sobre los límites de la vida por la guerra misma.

Nosotros le acompañamos, estamos con él, con la tropa y con sus vivencias, no es una muy bonita experiencia les diré pero es una aventura, muy bien hecha y si bien ahora sirve como mensaje demagógico de prevenir a la guerra como método del hombre a la larga sigue conservando ese recuerdo de película de guerra bien hecha, bien dirigida y muy impactante; de lo mejor del género. En los Oscar fué nominada a 8 premios y ganó 4: mejor película, mejor director, mejor sonido y mejor edición de sonido, no ganó en ninguna categoría actoral pero Berenger y Defoe fueron nominados a mejor actor secundario.

platoon3

Sí, ése es Charlie Sheen.

lunes, enero 24, 2011

Oscar 1985: ‘Africa Mía’, un continente como excusa

 

oafrica1

– Tú me lo arruinaste, sabes?

- Qué cosa?

- El placer de estar solo.”

Hablar de un maestro como Sydney Pollack es para mucho rato, alguien que nos dejó a sus 73 años (el 2008) y dirige desde sus 21 años, hablar de Sydney es recordar la perfecta ‘Ellos Disparan a los Caballos’ (1969), ‘The Way We Were’ (1973), ‘Ausencia de Malicia’ (1981); ‘Tootsie’ (1982), ‘Se Presume Inocente’ (1990), ‘Sense and Sensibility’ (1995), ‘Cold Mountain’ (2003), ‘Michael Clayton’ (2007) y ‘The Reader’ (2008); alguien que ha traspasado el cine clásico y llegó al cine moderno; un director que ha vivido éxitos y fracasos, obras buenas y obras regulares.

En lo personal ‘Out Of Africa’ me parece una de sus obras muy regulares.

Adaptada de la obra autobiográfica de la danesa Karen Blixen (Meryl Streep), la película narra varios episodios sobre el origen y el desarrollo de una baronesa europea con la región africana que le tocó como hogar: Kenia. Movida por su necesidad de hallar una vida para su existencia, contrae un matrimonio por conveniencia y conoce un nuevo lugar, con sus problemas, sus habitantes, sus paisajes, sus necesidades, y también conocerá a Denys (Robert Redford). Entonces es donde se revela el romance en este film al ser testigos nosotros de cómo ambos se van conociendo y van intimando, relato romántico y convencional donde se basa el recuerdo de ‘Africa Mía’. Karen es una mujer determinada, firme y práctica mientras que Denys es como una pluma en el viento, reconoce su autocomplacencia, le gusta su libertad, saber sus límites, vivir riesgos; son dos polos opuestos que se unen y que en un momento dado cuestionan su visión sobre la vida en pareja, yo me quedo con esos recuerdos.

oafrica3

Porque? porque África es sólo el lugar donde esto sucede, digamos que no transforman radicalmente a la sociedad que les cobija (más allá de la educación a los niños que promueve Karen), ni tampoco busca rumbos o explicaciones históricas para todos los protagonistas, es pues que estamos ante una película convencional y reitero, complaciente, al final una suma de decorados correctos, actuaciones correctas, tomas preciosas y relatos de vida con el continente de fondo, una excusa para la historia de amor, no hay más; por eso creo que Pollack no debió sorprenderse de que le dieran el Oscar a mejor director, lo merecía más por Tootsie! pero la Academia es así, ya verán en otros films.

Tuvo 11 nominaciones, ganó 7: película, director, cinematografía, guión adaptado, banda sonora (genial John Barry), sonido y dirección de arte; algo increíble por ser el mismo año con otros monstruosos films: ‘El Color Púrpura’, ‘El Beso de la Mujer Araña’ y ‘Witness’.

oafrica2

domingo, enero 23, 2011

Oscar 1984: ‘Amadeus’, un hombre llamado Mozart

 

amadeus1

Discúlpeme su majestad, yo soy un hombre vulgar! pero le aseguro, mi música no lo es.”

Narrar la vida de Wolfgang Amadeus Mozart fué un proyecto que se venía gestando desde hace mucho tiempo, es típico que al realizar una película histórica se gaste unos enormes presupuestos en decorados, en sets, en vestuarios y en dirección artística; pues con ese grado de seriedad se tomó la empresa de filmar ‘Amadeus’, para ello Milos Forman se sentaría en la silla del director; Fahrid Murray Abraham como Salieri y Tom Hulce como Mozart además de un casting importante para acompañar el asunto.

‘Amadeus’ trata sobre la envidia, Salieri y Mozart son los músicos de la corte de Viena, al servicio del emperador Joseph II; pero es obvio ver (y escuchar, jeje) quién es el mejor. Mozart es un joven genio de música que supera a sus colegas, pero Mozart es en este relato, un hombre. Y uno lleno de problemas, que vive bajo el recuerdo del padre, el peso de su familia, el estrés del trabajo y la forma en que se exige para demostrar lo que es, inmaduro y débil en muchos aspectos, siempre se queda presente en nosotros su ridícula risa. Salieri pasa por todas las artimañas para vencerle en lo profesional: es su amigo y practica para ello la hipocresía, es su colega y utiliza el engaño, es su confidente y utiliza sus secretos, trata y trata; pero ambos están lejos de ver cómo el destino les ha dado su lugar. Si menciono más seguro que cometeré spoilers.

amadeus2

Pero es una película que envejece bien, que otorga un homenaje a la música clásica universal, al arte de una época y a las complicadas relaciones profesionales y humanas, tiene un montaje imponente y claro, una banda sonora apropiada. Tuvo la friolera cantidad de 11 nominaciones ganando en 8 de ellas: mejor película, mejor actor (Abraham), mejor guión adaptado, mejor dirección de arte, mejor vestuario, mejor maquillaje, mejor director y mejor edición de sonido.

sábado, enero 22, 2011

Darren Aronofsky : Requiem por un Sueño (2000)

"      Estoy sola. Tu padre se fué, tú te marchaste hijo. No tengo a nadie a quien cuidar. Qué tengo ahora Harry? estoy sola. Ya estoy vieja."
'Requiem For A Dream' (2000) fué la primera película que ví de Aronofsky casi 10 años atrás y representó para mí toda una terrible y amarga experiencia. les adelantaré: una película cruda, ruda, dura, impactante y realista, aunque no lo parezca. Sara es una madre que ha quedado viuda junto con su hijo, Harry. Este muchacho continúa su relación con Marione y su amistad con Ty, parecería una situación normal de 4 personas en los suburbios de Nueva York, de no ser por un hecho triste: la adicción de todos a las drogas. Los tres jóvenes son adictos, la madre se vuelve dependiente de las anfetaminas debido a que aparecerá en un concurso por TV, tiene su propio y pequeño sueño: verse bien a su edad y alegrarse por todos: su hijo, su esposo muerto, sus amigas. Por otro lado, Harry y Marione son hermosos jóvenes pero el destino de perdedores, de marginados, de excluídos sin oportunidades les marca, son superados completamente por el vicio, en muchos intentos pondrán sus vidas primero para satisfacer su adicción, así como suena así se observa.


Sara (Ellen Burstyn), Harry (Jared Leto, que jovencito), Marione (Jennifer Connelly, preciosa como siempre) son los absolutos protagonistas de este macabro relato, porque va todo para peor, tiene una historia que sólo se resume en bajar y bajar en niveles más oscuros y horribles del comportamiento humano, lo que hacen para seguir satisfaciendo sus necesidades - de alegría, de cordura, de satisfacción, todo lo banal y estúpido que ocasiona el consumo de drogas - sólo lo puedo resumir con una palabra: decadencia. Talvez ése sea el mensaje que se propone para este film: una moraleja sobre los sueños, todo lo que hacemos para llegar a ellos, aunque no sea lo que deseamos, aunque nos sacrifiquemos nosotros mismos.

Filmada para aterrar al espectador, el siempre fiel amigo de Darren, Clint Manseel compone una música con gotas de tecno que acaba por clavarnos el alma (en especial la canción 'Lux Aeterna' famosa por este film), el montaje, el sonido y la fotografía son todos como el guión: crudos, muy crudos. A nivel de escenas tenemos a un Darren directo: ofrece imágenes impactantes como el ingreso de la droga al organismo humano (esas pupilas dilatadas por Diossss), y otras en primer plano que dejan anonadado (pobre Jennifer Connelly, la han masacrado en todo el sentido laboral de la palabra), todos estos ingredientes le dan una reputación a Aronofsky, que ha utilizado los recursos de su anterior film Pi al extremo. Como saben cuánto le odian, le darán al film la categoría R (mayores a 17), Darren apela la etiqueta, no le harán caso, Darren contraataca: habrá versión editada y otra Uncut, es un genio.

Ellen Burstyn fué nominada a mejor actriz por su papel, Jennifer recibiría el suyo un año después por A Beautiful Mind, Jared Leto sigue siendo el interesante artista que era y Marlon Wayans... mmm... a quién le importa? jeje. 

Ahora amigos, un regalo: Darren compró los derechos de 'Perfect Blue', ese thriller poderoso de la animación japonesa dirigida por su ídolo, Satoshi Kon, sólo para clonar la escena de la ducha, no pregunten que estaba antes o después de esta escena en ambos films, no lo querrán saber. Véanla:

viernes, enero 21, 2011

Especial: Toy Story 3 quiere el Oscar a Mejor Película (3/3)

 

ts10

Vamos por el premio a mejor película. Queríamos hacer la mejor cinta y la crítica ha sido clara respecto a eso, además hemos sido el número uno en taquilla del año así que no veo porque no podríamos ir por todo […]  Nos encontramos ante el dilema de que nunca una película de animación ha ganado el premio a mejor película, por eso hemos usado imágenes de películas ganadoras en esta categoría para reflejarlo. Estoy convencido  que le encanta a todo el mundo y con su apoyo y nuestra campaña estoy seguro de que la gente verá que el premio de consolación no es el apropiado para una película como Toy Story 3”
- Rich Ross, Presidente de Walt Disney Studios.

Y terminamos este miniespecial dedicado al homenaje que realizó Pixar mediante su última película a otros films memorables que han ganado el Oscar a Mejor Película, a estas alturas y después de la temporada de premiaciones de las asociaciones de críticos y sectores especializados es difícil que Toy Story 3 remonte las expectativas, aunque el consenso es que sí será nominada y es la mayor candidata en la categoría de película animada ; tampoco se puede ocultar la aclamación mundial ante esta obra máxima de Pixar (que sí, que Disney sólo promociona el producto) y que es probable que este máximo listón sea otro reto a superar para el siguiente film de esta empresa (permítanme dudar), ni modo; será lo que deba ser.

Mientras tanto, los últimos cinco posters; todos propiedad de Pixar Disney:

“Nada igual desde Motín a Bordo” (Mutiny On The Bounty, Frank Lloyd, 1935)

ts12
“Nada igual desde Pelotón” (Platoon, Oliver Stone, 1986)


ts11
“Nada igual desde El Gran Golpe” (The Sting, George Roy Hill, 1973)


ts3
“Nada igual desde Belleza Americana” (American Beauty, Sam Mendes, 1999)


ts4
“Nada igual desde El Señor de Los Anillos: El Retorno del Rey” (The Lord Of The Rings: The Return Of The King, Peter Jackson, 2003)


ts5

Oscar 1983: ‘Terms of Endearment’; la fuerza del cariño

 

terms3

- Eres una mujer increíble, pero yo soy el hombre equivocado…

- Ni siquiera sabes lo mucho que me hecharás de menos.”

(Garrett y Aurora)

James L. Brooks es una institución norteamericana, actor, productor y director en todos los ámbitos del cine y la televisión; muchos le conocemos por ser productor de la serie ‘Los Simpsons’ o por haber dirigido ‘As Good As It Gets’ (‘Mejor Imposible’), y últimamente por fracasar estrepitosamente en su última comedia: ‘How Do you Know’ con su actor fetiche Jack Nicholson, Owen Wilson y Reese Witherspoon. Ahora tiene 70 pero cuando realizó ‘Terms Of Endearment’ tenía 42, era uno de sus primeros films y le fué tan bien, tanto con decirles que pasó más de 10 semanas entre los primeros dos lugares de la taquilla y recaudó más de 100 millones de $us, allá en 1983.

La película cuenta la vida de Emma (una joven Debra Winger) y su madre Aurora (una portentosa Shirley Maclaine), sin figura paternal que se conozca, ambas crecieron juntas y enfrentan a su manera el matrimonio de Emma, algo que no es del agrado de Aurora, Emma se casa y por amor se une a Flap (Jeff Daniels) con quien forman una familia; una muy disfuncional por cierto, pero completa: la película trata muchos temas entre ellos los complicados lazos familiares, la confianza en el amor a cualquier edad (Aurora conocerá al austronauta Garrett) y la desconfianza hacia las personas que queremos; en síntesis estamos relatando la vida de Emma, madre joven, esposa con defectos, mujer de familia.

 

terms2

El secreto del éxito del film es la proporción adecuada entre drama y comedia; la historia de las dos protagonistas tiene tres momentos bien definidos: la madre y la hija se convierten en Aurora y Emma para volver finalmente a sus roles de madre e hija; Shirley Maclaine se manda una actuación sobresaliente como la madre contradictoria, autoritaria y reprimida que es, quien debe asumir la vida que su hija desea llevar, quien deberá soportar el transcurso del tiempo; los demás actores están muy bien pero no llegan al nivel de ésta profesional; salvo uno: Jack Nicholson en el papel de Garrett. Emma en cambio nos muestra pura humanidad, la preocupación de su familia y la aceptación de su vida frente a un esposo poco seguro, sólo podría explicarse mediante el cariño que tiene a aquellos que la rodean, aunque no lo muestre como quisiera.

Actuaciones, montaje y una fotografía sencilla y una dirección amena; le valdrán al film 5 premios de la Academia: mejor película, mejor guión adaptado, mejor director, mejor actriz (Shirley Maclaine) y mejor actor secundario (Jack Nicholson).

terms1

jueves, enero 20, 2011

Escenas Inolvidables: ‘Black Swan’, Nina observa a la chica vestida de negro

 

blackswan2

Como se sabe, Darren Aronofsky es un seguidor fiel de las obras del japonés Satoshi Kon (a quien debemos un especial señores), el artista nipón de animación ha dirigido obras muy controversiales así como famosas, dentro del terreno del thriller, de la psicosis, de la trastornación.

Millennium Actress y Perfect Blue (de Satoshi Kon) por ejemplo tienen como protagonistas a dos señoritas atormentadas por su estresante vida profesional en el mundo del espectáculo, Darren Aronofosky ya tiene la suya: se llama Black Swan y para comentarla aún debo cumplir con su ciclo, pero como ya la ví no me impide adelantarles sin muchos spoilers una escena (de las tantas) de esta magnífica obra.

Natalie Portman (:P) interpreta a Nina, bailarina seleccionada para la obra ‘Cisne Negro’ una tragedia contada desde el ballet con la metáfora del cambio interno de una chica inocente a una chica determinada y oscura, Nina ya es seleccionada pero tras su primer ensayo el director no le da mucho crédito, diciéndole que el verdadero reto es la interpretación del Cisne Negro, Nina observa de lejos el ensayo de los demás miembros de la compañía y observa a una joven vestida de negro! agraciada, espontánea y también bailarina…Lily (rol de Mila Kunis); para poner más sal al asunto se aproxima el director y alaba a Lily, es donde se instala el conflicto en Nina y desde donde comenzarán sus tremendos problemas.

No la obtuve en vídeo así que … que esperan! vayan al Center o al Norte y reclamemos, debemos esperar mucho para verla????

blackswan1

miércoles, enero 19, 2011

Oscar 1982: Gandhi, el padre de la India



"Recuerdo que el camino de la verdad y del amor siempre ha triunfado. Pueden existir tiranos y asesinos, y por un tiempo, ello pueden parecer invencibles, pero al final, ellos siempre fracasarán. Piénsalo: 'siempre' "
(Mahatma Gandhiji)
Sir Richard Attenborough al fin se haría cargo de uno de sus mayores sueños: filmar el biopic de una de las figuras más importantes en la historia de la humanidad del siglo XX: Mahatma Gandhi, aquél que a través de la filosofía de la resistencia dura con base en la desobediencia civil y la 'no violencia' logra unir a las diferentes naciones de la gran India, logrando la independencia de la administración británica allá en 1947.

Un proyecto gigantesco en todos los sentidos, involucrando a muchos países y muchos profesionales de todas partes del mundo: Ben Kingsley era un desconocido hasta ese entonces y ya rondaba los 35 años, su papel como Gandhi le valió el Oscar y muchos premios más; además los secundarios eran de lujo: Candice Bergen, Edward Fox, Martin Sheen, Ian Charleson (otro año más haciendo de creyente cristiano, jeje) y además un muchachito de nombre Daniel Day-Lewis, quién diría; junto con ellos un ejército de cinematógrafos, artistas, actores de la India, técnicos y músicos, Ravi Shankar se hizo cargo de la banda sonora realizando una composición sobria, sencilla y efectiva.



Gandhi es un largometraje, valga bien recordarlo, porque la vida de este hombre daba para una serie larga de tv, por lo que el guión fué trabajado para seguir la vida de Mohandas desde su joven práctica en Sudáfrica hasta su deceso; asimismo es una película clásica, tiene todo lo que una biografía debe tener y por primera vez nos acercaba al ser humano antes de encabezar la revolución india, una persona que vive la injusticia social de sus compatriotas y hace de sí una causa muy universal: la resistencia frente a la injusticia y la opresión y el respeto a la soberanía de los pueblos. Hay otro aspecto muy importante que tampoco debe olvidarse al ver esa gran obra que es Gandhi: el conflicto interno; una nación que alberga a otras numerosas en población y diversas en creencias: musulmanes, hindús, budistas, cristianos, judíos y muchos otros; una nación así enfrenta sus problemas al tener la oportunidad de auto administrarse, crea problemas, existe intolerancia, causa diferencias, el mismo hombre destruye al hombre, demasiada carga para quien llevó a ese pueblo a la libertad. Así se define el legado de un film como éste: no olvidar el poder de una persona y no olvidar respetar la diversidad de todas las personas.

Ese mismo año estaban nominadas otras interesantes películas: Tootsie de Pollack y ET El Extraterrestre de Spielberg, no se sintieron mal, Gandhi barrió con 8 estatuillas doradas.


martes, enero 18, 2011

Oscar 1981: 'Carrozas de fuego', los británicos van llegando

 

 

chariots1

A quien me honra, yo también honraré.”
 
'Chariots Of Fire' (Hugh Hudson, 1980) competía ese mismo año con otros tres pesos pesados y todas norteamericanas: 'Atlantic City' (con Burt Lancaster y Susan Sarandon); 'Indiana Jones y el Arca Perdida' (con Harrison Ford) y 'Reds' (de Warren Beatty y Jack Nicholson); al final Chariots ganó y no hubo muchas objeciones.
Producida por Dodi Fayed (quien llegara asi a ser luego casi suegro de la Princesa Diana), nos ubicamos en la Inglaterra de 1924 donde el equipo británico olímpico de atletismo cierra filas en las exigentes categorías de fondo en dos espectaculares corredores: Eric Lidell y Harold Abrahams, los dos protagonistas de esta historia. Eric es un ferviente y activista cristiano, corre porque piensa que es una extensión del don físico que Dios (cree) le ha otorgado, excelente orador y motivador, lo que le motiva es su fé ciega en sus creencias; en cambio Harold tiene otro origen, es un judío inglés reconvertido que carga con la pesada responsabilidad de autosostenerse, estudia en Cambridge y recibe la educación de un caballero, le apasiona correr pero a diferencia de Eric, lo hace para probarse así mismo.
 
chariots2
 
Una película muy completa: la competitividad deportiva en primer plano y la re-creación de un país diferente al que conocemos, una región que ya olvidó la I Guerra Mundial y se esmera en formar caballeros, le confía a su juventud los destinos a todo nivel de su futuro y el deporte es una expresión de ello. Eric es un excelente creyente de su fé pero al manifestar sus dotes causa la preocupación de sus seres queridos (en especial de su hermana), Harold se muestra exigente con él mismo, desea correr a nivel profesional y contrata a un entrenador de alto nivel; mitad árabe y mitad judío (el recordado profesor Sam), lo que le trae problemas en Cambridge, pasan las dificultades y todo el equipo se traslada a París, la sede de los juegos, para vivir su destino.
 
No les diré más, salvo los aspectos técnicos: una dirección fluída pero un guión con metraje innecesario a momentos; fotografía acertada y una dirección de arte preciosa: nos creemos en 1924! los escenarios, los trajes, los datos, todo lo que es historia está bien puesto. La música vino con un toque muy moderno: Vangelis y la célebre canción ‘Chariots Of Fire’ se convirtió en un gran hit comercial ese mismo año y es un himno deportivo al mismo nivel que el ‘We are the champions’ de Queen o el ‘Rock and roll Part II’ de Gary Glitter; además que toda la banda sonora es similar; hay unos planos en cámara lenta que nos muestran el dolor en milisegundos de la amarga derrota así como la fugacidad de la sufrida victoria. Demasiado correcta, muy de caballeros, los británicos saldrían triunfando ese año de los Oscars: mejor película, mejor banda sonora, mejor guión original y mejor vestuario, ah! y candidata de la Palme d’Or en Cannes, por si acaso.
 
 

lunes, enero 17, 2011

Darren Aronofsky: Pi, la fé en el caos

"- Me fué otorgado a mí! esta dentro de mí! me está cambiando!!!
- no, te está matando, porque no estás listo para recibirlo"
(Max Cohen y el rabino)

Darren Aronofsky comenzó su carrera cinematográfica a los 29 años y en 1998 con este thriller filmado en blanco y negro, con todas las técnicas que aprovechan el uso de colores radicales y lo más importante: con una historia interesante, a medio camino entre el suspenso más ácido y un thriller de bajo perfil: Pi, retitulado también como Pi, Fé en el Caos.

Como muchos saben, el número Pi dicta la relación entre la circunferencia y su diámetro y su valor (3,141592654...) no ha sido exactamente calculado (dicen que ya tenemos 5x10^12 cifras decimales)  llegando a esfuerzos infrahumanos para seguir conociendo sus propiedades, presente en geometría, comportamientos físicos, astronómicos y eventuales, esta eventualidad desordenada que rige la naturaleza es para nuestro protagonista sólo un escenario más del caos, para eso existe La Teoría del Caos, claro está. Max Cohen es un genio matemático judío que sufre de intensos y terribles dolores de cabeza; su genio matemático le vale para dedicarse al estudio de los patrones en el mundo entre ellos la bolsa de valores, una forma que los humanos dedican su tiempo y su dinero para generar ingresos en base al éxito de terceros y el riesgo económico; a Max le comienzan a perseguir una secta judía interesada en que colabore en la traducción numérica del Torah así como megaempresarios de Wall Street, decididos a que éste señor encuentre el significado de esos patrones; grandes intereses (religiosos y humanos) que nuestro protagonista asume.


Rodada totalmente con $60.000, Darren emplea un uso de recursos de manera creativa; nada espectacular y que se basa - como Following de Christopher Nolan - en el peso del guión sobre la actuación de sus actores, consigue un film muy logrado, que tiene guiños de suspenso y de horror y nos ubica como espectadores de primera fila del matemático atormentado, unas alucinaciones muy fuertes y un ritmo preciso; Darren tiene su oportunidad para declararnos la temática general que le seguirá: el sufrimiento humano por un motivo personal: Max nos causa compasión por todo lo que debe sufrir para asimilar en su cabeza tanta carga, cuál el motivo en su caso? su genio, el exceso de inteligencia que en su caso, le lleva a horribles situaciones, horribles pensamientos y una horrible resolución.


Sin pretenciones, con mucha efectividad y dándose trabajo para sobresalir en el circuito de directores, Darren tendrá una oportunidad para seguir tratando el sufrimiento humano ésta vez de la mano de otro catalizador: la drogadicción, será dos años más adelante.

domingo, enero 16, 2011

La Saga Crepúsculo: ‘Eclipse’; leve y débil mejoría

 

 

eclipse1

 

Decisiones, decisiones”
(Jane)
Fichar a David Slade tampoco ha cambiado de manera espectacular a la Saga Crepúsculo, la franquicia ha vuelto a tropezar pero esta vez con menor dolor, su buen trabajo en ‘Hard Candy’ y su regular trabajo en ‘30 Días de Oscuridad’ fueron el currículum del nuevo director, contratado con las expectativas de incluir al segmento de espectadores que deseaba más terror y acción a la tercera novela de la Twilight Saga.
Pues poco, sabor a poco; tras ‘Nueva Luna’ hemos dejado a Bella con su decisión de convertirse a su nueva vida tras su graduación, ahora ella tiene otra encrucijada: es el centro de un ataque de las facciones neofitas de los vampiros, muchachos recién transformados que tienen como integrante a Victoria, pareja de James, un vampiro asesinado por Edward en la primera película.
 
eclipse3
 
Las relaciones? preguntamos porque éste ha sido el motivo comercial del éxito de la novela y de los films; pues están ahí: el romance entre Edward y Bella enfrenta la graduación y el tema de la transformación por la decisión tomada, el chico lobo Jacob y su manada están presentes y conocemos más de sus intenciones hacia Bella, la familia Cullen y los Volturi, están presentes, se ha puesto un casting interesante.
 
Pero la historia centrada en Eclipse es débil en su historia fuera del romance: el conflicto de los clanes y de las estructuras de los vampiros sumada a la venganza de Victoria parecerían muy buen argumento, pretenciosa como debía ser, pero fallando en la ejecución: con las mismas actuaciones planas destacando nuevamente Robert Pattinson, porque Kristen y Taylor siguen igual (tampoco hay mayor exigencia), la fotografía es acertada y la música es suficiente; reactivar el triángulo amoroso ha sido un éxito y sí se agradece que la misma Bella no muestre confusión, es claro a quien quiere más decidiendo ubicar a todos en su corazón, como ella misma dijo: una elección entre quien debe ser y quien actualmente es; hay claridad en esta película  pero a costa de una historia poco potente, batallas mal coreografiadas y efectos especiales muy pobres. Eso sí, es la menos mala de las tres entregas.
 
eclipse2

viernes, enero 14, 2011

Sakura Card Captor (II): los orígenes de Kinomoto

 "Creo que su nieta debe estar con mi mamá, en un lugar con un cielo muy hermoso"
(Sakura)
Los capítulos 11 a 20 de Sakura Card Captor tienen la misión de llevarnos a la vida social de nuestra heroína, de esta manera todos conoceremos al mítico colegio de Tomoeda, los compañeros y compañeras de Sakura, las parejitas, la extraña atracción de Li a Yukito y lo más importante: la historia de sus padres. Fujitaka era un profesor novel cuyo destino fué encontrar accidentalmente a una joven bellísima, hermosísima, preciosa, una chica tierna que trabajaba de modelo y era demasiado inocente, su nombre Nadeshko. Sí amigos, la primera gran polémica se centra en aquella relación entre un profesor y una estudiante, los padres de nuestra Sakura (a continuación vean su encuentro: Nadeshko cae sobre Fujitaka desde un árbol, tras ir al rescate de un gato).


Ahora que la muchacha ha encarado el reto de conseguir las cartas debemos estar atentos a los grandes y pequeños sucesos que veremos: descubrimos que Tomoyo es la hija de una prima de Nadeshko, que de ahí viene su cabello oscuro y largo (una ícono sin duda), que Li-kun sabe capturar cartas y Sakura se siente mal cuando es recriminada por él, que las cartas tienen naturalezas muy diversas: algunas amables y otras muy bruscas; nos están preparando para grandes acontecimientos.

Polémica: profesores y estudiantes, sucede algo?
Mire por donde se mire, lo que estamos presenciando en esta serie no puede ser más verdadera: hay sentimientos de estudiantes que sobrepasan lo normal: entran en lo platónico y quiere (no quiere) ir más allá. El caso de Fujitaka sensei y Nadeshko levantó mucho comentario en el lanzamiento pero había una carta más que CLAMP se reservaba: la amiga de Sakura. Rika Sasaki y el profesor de la clase: Terada sensei, una historia que asimilamos como tierna e inocente por parte de Rika, que le respeta, silencia su amor, le obsequia presentes. Y para mayor polémica, al parecer las niñas lo saben, en secreto la apoyan.


miércoles, enero 12, 2011

David Fincher: 'La Red Social', el genio creando su imperio


"- Respecto a los cargos, creo que merezco algo de reconocimiento por parte de este tribunal.
 - perdón?
- Sí.
- No entiendo...
- Cuál parte?"

He de agradecer a todos, muchas muchas gracias, hemos llegado por el momento a la última parte de este especial dedicado a un director importante, un visionario sin lugar a dudas, a David Fincher y su última obra por el momento: 'The Social Network', todos esperamos que su versión de 'La Chica con el Tatuaje del Dragón' de la saga Millennium siga demostrándonos su gran estilo visual, narrativo y cinematográfico.

El éxito de 'La Red Social' ha tomado a todos por sorpresa, a la crítica y a los espectadores porque no se esperaban - no esperábamos - semejante trabajo con bajo presupuesto y un guión impecable (gracias a Aaron Sorkin, todos los méritos hacia él) fruto de la adaptación del libro 'Millonarios por Accidente' de Ben Mezrich, y reitero la palabra adaptación porque el libro es transformado de tal forma que Sorkin entrega en bandeja de plata una de las historias más completas sobre amistad, sobre ambición, sobre (des)confianza.

Como ya todos conocemos facebook y ya le hicimos una reseña en este blog, ahora nos limitaremos a otros aspectos mucho más puntuales: por ejemplo, esa cinematografía, esa fotografía que a muchos molesta pero que a otros nos fascina: es marca de David el manejo del brillo, luz y colores dentro de ambientes oscuros y nocturnos, más meritorio si debe relatarse en espacios cerrados, en oficinas, en aulas, en habitaciones.


Por ejemplo, las actuaciones, todas mayúsculas, todas rayando la perfección: Jesse como Mark está incontrolable al hacernos creer el genio y la soberbia que presume, así como su defecto a ser alguien sociable, algo tan fuerte que no puede superar a pesar de estar creando el imperio más impresionante de nuestro últimos tiempos. Andrew Garfield como Eduardo Saverin enternece, nos cae bien todo el tiempo, le entendemos lo que hace, Justin Timberlake como Sean Parker asusta, se come la pantalla, se adueña de las mentes, nos hace creer en el éxito, nos da miedo sus traumas; Armie Hammer hace de dos hermanos gemelos, con eso les digo todo, todos son humanos al fin y al cabo.

Y por último, esa música: desde las pistas musicales más diversas (White Stripes, 10 cc, Dennis De Laat, Dead Kennedys y los Beatles, que más se puede pedir?) hasta la banda sonora más adecuada gracias a Trent Reznor y Atticus Ross, no nos olvidamos de un montaje soberbio, una narración fluida y una dirección certera: cierto que en 'Zodiac' debía concatenar tiempos, cierto que en 'Benjamin Button' debía narrar con espectacularidad, cierto que en 'El Club de la Pelea' tiene mayor ejercicio de estilo visual y de guión; no ha importado que David haya filmado su película más sencilla resultando en su obra más compacta, aún así y con sus menos recursos, nos ha maravillado a todos.

7000 y contando :D

martes, enero 11, 2011

Especial: Toy Story 3 quiere el Oscar a Mejor Película (2/3)

Continuamos con la promoción que Disney hace sobre el trabajo de Pixar, en esta oportunidad 5 ganadoras más del Oscar a mejor película en versión de nuestros amigos (todos los pics son propiedad de Pixar):

"Nada Igual desde El Sonido de la Música" (The Sound Of Music, Robert Wise, 1965)


"Nada igual desde Annie Hall" (Annie Hall, Woody Allen, 1977)


 "Nada igual desde Shakespeare Enamorado" (Shakespeare In Love, John Madden, 1998)


 "Nada igual desde El Silencio de los Inocentes" (The Silence of the Lambs, Jonathan Demme, 1991)


Jeje, y el que me gustó más de esta selección:

"Nada igual desde Slumdog Millionaire" (Slumdog Millionaire, Danny Boyle, 2008)