jueves, diciembre 29, 2011

‘Missión Imposible II’: mayor exageración sí era posible

 
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No vas a disparar Sean!. No a ésta ‘perra’, porque ahora vale 37 millones de libras!!”.
- Nyah (Thandie Newton).

 

Para el año 2000 la noticia era la segunda parte del agente Ethan Hunt, nuevamente bajo la producción de Tom Cruise y Paula Wagner pero esta vez con una estrategia comercial acorde con los tiempos que se estaban viviendo. los inicios del nuevo milenio. Pero Tom Cruise seguía con sus aires de omnipotente y su orgullo le exigía cambiar radicalmente al personaje perseguido y calculador de la primera parte; se exigía un cambio radical, de mayor brillo y de mayor espectacularidad y vaya cómo lo consiguió.

Para semejante cambio y semejante alcance se necesitaba un director de acción. Y ése director era John Woo, el oriundo de Hong Kong tenía una vida curtida en el cine de acción de su país y su llegada al occidente estaba consolidada gracias a hits del género como la interesante ‘Código Flecha rota’ (1996) y la imprescindible ‘Contra Cara’ (1997), tenía un estilo que no era nada del otro mundo pero se basaba en el montaje fastuoso de escenas de acción con el abuso de la cámara lenta en situaciones extremas y con música de suspenso en alta tensión, fuera de eso también se le reconocía unas fotografías bien cuidadas y una buena dirección de actores. A pesar de su edad (tenía 55 en ese momento) era considerado un director moderno y firmó para dirigir a Cruise en MI2. No sólo eso! no pudo imponer toda su visión creativa y su patrón le exigió no preocuparse, porque él haría todas las escenas de acción.

 

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El guión era simple a más no poder y que casi se asemeja a un sobrante de cualquier film de James Bond: una compañía biofarmacéutica crea una enfermedad devastadora y su propia cura, entonces el científico que ha trabajado en este proyecto es engañado y el agente Sean Ambrose del MIF intenta robarlos para tener a su control tanto el virus como su antídoto. Como Sean era el reemplazo de Hunt en muchas misiones era obvio que Ethan ingrese a solucionar este conflicto y no sólo eso, para armar su equipo se le exige recrutar a Nyah (una preciosa Thandie Newton), anterior novia de Sean para lograr el mayor acercamiento posible. Créanme, un triángulo amoroso de cuyo desarrollo depende el mundo entero.

En lo personal me gustó ver un cambio en el comportamiento de Ethan, emocionalmente más involucrado y sentimentalmente preocupado por la situación de Nyah, quien a su vez me parece un personaje bien concebido y que Thandie Newton le da una sensualidad y carisma casi automáticos, muchos no lo vieron así, pena por ellos. De principio veremos la ambición del traidor Sean Ambrose (un sobreactuado Dougray Scott), las habilidades femeninas de Nyah y el histrionismo – vuelvo a repetir, exagerado - de Tom; el regreso de Ving Rhames y la fugaz aparición de Anthony Hopkins completaron el cast.

El guión volvía a ser obra de Robert Towne, un habitual de Cruise que ya había trabajado en films como ‘Días de trueno’ y ‘La Firma’. Esta historia –para el agrado de Tom – exigía un lucimiento exagerado del personaje principal y la manera de reintroducir al personaje: haciendo montañismo libre, no sólo conseguía enganchar desde el principio, elevaba demasiado las expectativas. Pero un film como este necesitaba buenas locaciones y en efecto sí lo fueronfueron España y Australia además de buenos secundarios, todos ellos cumpliendo las reglas del director y éste sirviendo a la visión de su contratante.

 

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Técnicamente inobjetable, una fotografía y una edición de sonido dignos de una producción de 125 millones de dólares de presupuesto. La música de Hans Zimmer correctísima y una banda sonora que incluía a Limp Bizkit y Lisa Gerrard completaron este paquete comercial que arrasó en el mundo. Todo se saldó con un ingreso de 546 millones pero los más críticos y muchos fans la consideraron un retroceso con respecto a su antecesora debido – con justificación -  a unos diálogos bajos, una ostentosa artificialidad y una notable ausencia de la esencia de esta saga: las misiones de engaño, misiones ‘imposibles’. Aunque me pareció injusta el film obtuvo dos nominaciones a los razzies.

Pero Tom Cruise era inmune a todo ello y nosotros sabíamos que tarde o temprano tendríamos secuela.

sábado, diciembre 24, 2011

Satoshi Kon: ‘Los padrinos de Tokio’, la navidad de los marginales

 
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Nada debería obligar a alguien a abandonar a un hijo! Significa que se tomó el amor y se tiró… como la basura”.
- Hana.

 

No habría de pasar mucho tiempo (sólo 2 años) para que el 2003 Satoshi Kon vuelva a dirigir una película, pero ni sus más fieles admiradores ni la industria cinematográfica japonesa se esperaban que la temática de la nueva aventura de Satoshi sensei fuera una película cruda, visceral, terrenal, urbana, oscura, lineal, dramática y por increíble que parezca… navideña. Estamos pues ante ‘Tokyo Godfathers’.

Keiko Nobumoto ya tenía experiencia como jefa de historias de la mítica ‘Cowboy Bebop’, ella y Kon desarrollaron una historia de relato humano y lejos de las tramas psicológicas y alucinantes de las anteriores obras del director, quien a su vez asumía el reto completo de girar 180 grados en su habitual estilo. Cómo sino explicar, a raíz de su gran talento y valentía, que haya salido artística y comercialmente triunfante de este impresionante film? Vamos paso a paso.

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Tres marginales y una angelita

Hana es una drag queen homosexual que debido a un escándalo en su club ha decidido vivir en la calle, Gin es un ex corredor ciclista que ha perdido a su esposa e hija y Miyuki es una joven que ha abandonado su hogar tras apuñalar a su padre. Tres pobres habitantes en Tokio en vísperas de navidad que ya se conocen de mucho tiempo y que no se perdonan sus pasados. El destino quiere que los tres se encuentren con una bebita abandonada, así como lo oyen, una niña bebé abandonada en un basurero. Le bautizan como Kiyoko (‘niña pura’) y de repente todas las emociones se cruzan en sus vidas: la sorpresa, la negación y la determinación de salvar a la beba y llevarla con sus padres… pero por dónde comienzan? porqué la abandonaron? es que no la querían? la niñita sirve a Hana para ejercer de madre aunque sea una sola vez en su miserable vida, a Gin para recordar que alguna vez fué padre y a Miyako para recordar que nació niña y no supo la sociedad entenderla.

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Pero en su aventura descubren que las cosas no son como parecen, las personas se dividen en muy buenas y muy malas, que la bondad puede encontrarse en cualquier parte y que el horror de sus vidas no es la única porque existen muchos otros marginados. Kon, como el genio que es, utiliza a la ciudad de noche y de día la utiliza sin luz, casi nublado por completo, con la nieve como elemento común y con el sufrimiento de la gente como inicio de este recorrido por las almas urbanas. Los tres compañeros se sujetan en una misión complicada que es salvada una y otra vez mediante coincidencias (o será que el tema es el destino, Satoshi sensei?) que les hace replantear su situación. Hana recuerda su pasado, Gin se encuentra con su pasado y Miyuki se topa con su presente, mientras que el futuro de nuestra beba se debate a cada instante: en una mansión lujosa, en un bar clandestino, en una casa destruída, retratos de un mundo consumista que ignora las almas de sus habitantes.

Obra que homenajea y obra que influye

Sin duda una obra que se debe al cine urbano de finales de los 70s, en especial del toque americano o neoyorquino; con toques de humor que alivian la extrema crudeza visual de sus escenarios, humor que dicho sea de paso es muy occidental. La animación típica del estilo de Kon encaja perfectamente con la planificación artística y técnica: los barrios, las calles, los edificios y la fotografía todos soberbios, utilizando colores grises y oscuros que van variando lentamente hacia los colores vivos según las exigencias del guión; punto máximo en la escena final donde se percibe casi un milagro y donde la luz logrará esa sensación que Kon busca. Casi sin fisuras, ‘Los padrinos de Tokio’ recibió la aclamación de la crítica y del público y logró conmover audiencias en todo el mundo. Aquí en Bolivia logré verla en la red ATB una madrugada de diciembre en vísperas de navidad (como hoy!) y siempre me acompaña en los recuerdos, como retrato crudo y redentor de lo que son capaces las personas, para bien o mal, para querer o para olvidar.

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El éxito de esta realización explica porqué uno de sus admiradores más fieles, Darren Aronofski, no tuvo problemas cuando tuvo que dirigir otra obra terrenal, dramática y marginal tras la polémica levantada en ‘The Fountain’, sino recuerden ‘El Luchador’ tanto en tonos como en formas. Kon confirmaba lo que se decía de él, que es un director de culto.

Mis amigos, felices fiestas a todos!!!

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Sigue el especial de Satoshi Kon en el blog:

Satoshi Kon: ‘Millennium Actress’; la épica historia de una promesa
Satoshi Kon: ‘Perfect Blue’; obra visionaria del horror psicológico
Satoshi Kon: El guión de ‘Rosa Magnética’ dentro de ‘Memorias’
Satoshi Kon: supervisando ‘Patlabor 2 The Movie
Satoshi Kon: ‘Roujin Z’, animador para un relato de dignidad en la tercera edad
Nuevo especial se aproxima: el gran Satoshi Kon

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jueves, diciembre 22, 2011

Video: Christopher Nolan y sus juegos mentales

 

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‘The Dark Knight Rises’ (‘El Caballero Oscuro emerge’) está en el medio del ojo del huracán desatado hace 7 años cuando la Warner le dió el 110% de su confianza a éste director para manejar una franquicia enterrada por ellos mismos. Ya le hemos hecho un especial y cuando sea el momento tendremos que asistir al fin de su trilogía, de su versión del héroe más complejo y fascinante que haya saltado del mundo de los cómics y ha viajado muy bien éstos últimos años en el cine: Batman.

Pero como Bruno Díaz y Batman es un conocido nuestro, necesitábamos una vuelta de tuerca en ese mito oscuro que es aquel personaje millonario de día y justiciero de noche. Para girar nuestros tornillos debemos conocer al creador: Nolan como pocos tiene ese talento heredado de muchos maestros del cine para envolvernos con historias como juegos mentales, donde los giros de argumento son impresionantes, donde hay mucha melancolía por el estilo Kubrick o Tarkovski, donde hay mucha expectación y sobre todo, mucho respeto al público y su inteligencia. ‘Following’, ‘Memento’, ‘Insomnia’, ‘Batman Inicia’, ‘El Gran Truco’, ‘The Dark Knight’ y la última ‘Inception’ son pruebas de ello.

Bonito video, para dar cuenta regresiva al alzamiento del Caballero Oscuro, julio 2012:

En el blog recordemos los films del maestro:

Chris Nolan (1/7): ‘Following’, la declaración de intenciones
Chris Nolan (2/7): ‘Memento’, vivir en el momento, morir en el olvido
Chris Nolan (3/7): ‘Insomnia’, la vida sin reposo
Chris Nolan (4/7): ‘Batman Inicia’, el cine de héroes reinicia
Chris Nolan (5/7): ‘El Gran Truco’, las rivalidades obsesivas
Chris Nolan (6/7): ‘El Caballero Oscuro’, el control de la anarquía
Chris Nolan (7/7): ‘Inception’, el lugar íntimo llamado hogar

miércoles, diciembre 21, 2011

‘Transformers: El lado oscuro de la luna’; espectacular pirotecnia sin pena ni gloria

 
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- Nosotros fuimos dioses alguna vez, todos nosotros!! Pero aquí…
- No lo hagas….
- … Aquí sólo puede haber UNO!!!.
- Éste es MI planeta!!! ”.
(Sentinel, Optimus y al final Megatrón)

 

Y aquí estamos de nuevo, comentando la que debería ser la última entrega de los Transformers versión Michael Bay, esperaban una peor película que la terrible segunda parte? ó esperaban cine de acción con inteligencia, cine de emoción con argumento, ó por lo menos… cine de entretenimiento con palomitas para devorar?. Pues visto lo ofrecido ni lo uno ni lo otro.

Una producción agotada con una sola idea y una sola escena

Y esa idea es… que uno de los sentinelas de Cybertron traicione el pasado de los transformers e intente traer a su planeta a la órbita terrestre, que debíamos haber averiguado eso en 1969, fuera de eso hablamos que los autobots deben marcharse por diferencias con unos pocos humanos y luego intenten salvar a la humanidad en una ciudad americana, digamos Chicago y digamos con las banderas americanas en primer plano. Como gancho para los fans de los films estará Shia Labeuf (a quien extraño más en esos films independientes ó de autor que hacía) y como ya no está Megan Fox introducimos a la modelo aspirante a actriz Rosie Huntintong-Whiteley. Muchos extras, muchos efectos, menos revoluciones y desorden por segundo (se agradece) y muchos planos secuencia que dejen maravillada a la gente que luego pensará haber visto la mejor película de robots que haya existido en el cine. No nos podemos dejar engañar.

Discrepo con este nuevo estilo que tiene Michael Bay, alguien que parece tocar su propio techo por no tener exigencia en la dirección de historias y habiendo perdido la mano dirigiendo actores. Extraño su pulso firme y equilibrado que nos hacía interesar ya sea viendo a Nicolas Cage ó Sean Connery ó Ed Harris en ‘La Roca’; también extraño su propuesta de estilo videoclip que manipulaba nuestros sentimientos en ‘Armaggedon’. No hay ni lo uno ni lo otro. Perdón, sí existe el Michael Bay de ‘La Isla’, tan poco autoexigente, poco firme y para colmo de los males, cortando y pegando planos de esa ligera película, más otras venidas de ‘Pearl Harbor’ y ‘La Roca’.

Y eso ya es un mal síntoma. Significa que se tiene una mala economía de recursos ya que tras darle luz verde con 195 millones de dólares (cúantos requirio Neill Bloomkamp para ‘Distrito 9’?, ah, 30 millones) no le alcanzó para cubrir post producción y requirió meter material de archivo de sus propias escenas –acaso pensaba que nadie se daría cuenta?- además como relleno porque la destrucción de Chicago, y esto no puedo negarlo, sí está creíble.

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Pero fuera de lo creíble es ver al personaje de Rosie no hacer nada con una ciudad derrumbándose, no es creíble que luego se le ilumine la conciencia y le hable a Megatrón como niñera al niño que se ha portado mal, no me creo que tras derribar un edificio –la ‘única’ escena novedosa en general -  al vestido blanco de Rosie (y su rostro) no se le vea ni un solo escombro ni daño; es inverosímil que tan pocos humanos se interesen en salvar las millones de vidas de la urbe y es inadmisible que pocos humanos sigan siendo los malos del mundo, amén de que buenos o malos sean yankees. No hay crecimiento actoral en Shia, me preocupa que parezca cansado de su personaje y que haya perdido el carisma de la primera película pero más me preocupa saber que a Bay no le interesa revisar ni los diálogos ni preparar a sus actores para que sean menos sobreactuados en el montaje final; creo que sabe que la mayoría no se dará cuenta y nos estarán mandando imágenes sobre exageradas en secuencia a nuestras retinas.

No lo veo mal, después de todo disfruto ver escenas de acción hechas de forma artesanal como los autos en el puente de ‘Bad Boys 2’, pero cuando el CGI le inunda todo el montaje pierde a los actores y éste film es la mejor muestra de una dirección que ha perdido el control. Parece más suelto dirigiendo a los robots. Ojalá sepa cómo salir de sus limitaciones y vuelva a ésos films donde importaba tanto la historia como la forma de presentarla.

Porque ‘Transformers: el lado oscuro de la luna’ sólo ofrece mucha pirotecnia, mucho ruido y poca historia.

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jueves, diciembre 15, 2011

‘Misión Imposible’: la reinvención del cine de agentes

 
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Luz roja!… luz verde!!!”.
 

Como estamos a punto, a tan sólo días de la llegada de la cuarta parte de la saga más esperada por los fans de Brad Bird, y luego por los fans de la serie y del concepto llamado ‘Misión Imposible’ seguido por los fans de Tom Cruise–los que quedan tras botar la mitad de su reputación en el show de Oprah– , es que nos vemos en la obligación moral y personal de reseñar las películas que hizo este interesante actor, con sus luces y con sus sombras, como todo.

Modernizando las misiones imposibles

Primero hay que comenzar con un dúo, conformado por Tom Cruise y Paula Wagner quienes adquirieron los derechos de la serie televisiva para que Tom fungiera como productor y contrate según sus gustos particulares a toda una industria a medio camino entre los profesionales clásicos (amantes de la serie) y profesionales modernos (de mediados de los 90s y donde algo llamado Internet debía nombrarse). Ésta es la verdadera figura de Cruise: el empresario con un gran olfato comercial, y de paso corriendo varios riesgos que amenazaban la idea de hacer una película sobre la mítica serie norteamericana y mundial. Vamos, hay que admitirlo, esta su visión del concepto dividió a medio mundo, sirvió para que nuevas generaciones se enteren de lo que iba la IMF y para que otro tanto la detestara por tocar a uno de los íconos del show.

 

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Puede que no recuerden los más jóvenes pero cabe rememorar que Cruise era amo y señor de Hollywood a principios de los 90s, tal era su poder que sus límites de actor los ponía él mismo, no sabíamos que estaba en la Cienciología pero sabíamos que se sabía una superestrella en toda la extensión de la palabra. En 1993 había presentado la endeble ‘The Firm’ pero el 94 sorprendía con su impresionante Lestat en ‘Entrevista con el Vampiro’; cuando se supo que iba a producir y supervisar su nueva adquisición y que éstos eran  nada más y nada menos que los derechos de MI todo Hollywood encendió el hype, se elevó al expectativa y se esperaron todas las noticias posibles. Puede que la parte más difícil fuera encarar el guión complejo y antihistórico de Robert Towne pero Tom es Tom y se dió modos para traer un maestro en conflictos de poder y ambición: la elección de Brian de Palma (que había rodado la tremebunda ‘Carlito’s Way’ con Al Pacino antes de aceptar este encargo) sin duda fue todo un acierto. Súmenle a ello 80 millones de presupuesto y vean cómo el riesgo es asumido como azúcar en café caliente.

Tom es el agente Ethan Hunt, miembro de la IMF y Jon Voight es Jim, el cerebral líder del equipo de Ethan; el robo de una lista ficticia con los nombres de los agentes de Europa oriental es supuestamente el motivo para la acción del equipo para capturar al soplón dentro de la CIA. La ejecución del plan conlleva una traición y el equipo de Hunt es asesinado quedando solamente con la compañía de la esposa de Jim (una bellísima Emmanuelle Béart) mientras son perseguidos como los sospechosos de la trampa que se las ha tendido. Ethan deberá aliarse con el enemigo, rearmar un equipo nuevo, viajar por Virginia, Londres y París, encontrar al traidor y arreglar este problemón antes que la CIA le capture.

 

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Jim es el traidor!!!

Polémico fué – lo recuerdo como si fuera ayer – las primeras impresiones del film. Fué un exitazo total debido en gran medida a la presencia de Cruise y esas escenas diseñadas para quedarse en la historia del cine de agentes secretos: como el mítico robo contra la gravedad en Langley ó la peligrosa incursión en el tren transcontinental. Queda en la retina y en la memoria la memorable banda sonora (la original de Lalo Schiffrin y la nueva de Adam Clayton y Larry Mullen de U2), así como la sensación de un buen nivel técnico: fotografía, montaje, sonido y unos efectos especiales cuidados a más no poder aunque es justo decirlo, con fallas al final (manejando un elemento siempre difícil como el helicóptero dentro de un túnel). Pero se ve la mano de un director experimentado, que si bien no explota todas las novedades que podían arriesgarse sí logra sostener el film sólo con Cruise (como debió ser su intención) y no tiene el más mínimo temor de presentarnos como villano a un Jim corrupto, hastiado y enojado con sus patrones; los actores están pues, demasiado correctos.

Vuelvo a mencionar que estamos en 1996 y tras el debut millones de espectadores quedaron satisfechos así como una buena porción de la crítica, empero los puntos oscuros sobre ‘Mission Imposible’ a través del tiempo son muy evidentes: Cruise hace de Ethan un muñeco mecánico inteligente pero sediento de venganza, la maldad de Jim no se justifica de manera completa y el guión es tan lineal y rápido que no se detiene en profundizar en los personajes (ó en el agente Hunt) de manera que podamos sentir más allá del cine de suspenso y entretenimiento que nos venden.

Digo, que nos vendieron y que dos películas después seguimos comprando.

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domingo, diciembre 11, 2011

‘Happy Feet 2’: más infantil y menos musical

 
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Cada paso cuenta”.
 

5 años han pasado desde que tuvimos esa desgarradora e impactante primera película de animación sobre pinguinos llamada ‘Happy Feet’, un film atípico, demasiado dramático en sus alcances gracias a un maestro en dirigir historias de soledad y búsqueda interior como es George Miller quien repite en esta ocasión y que también tenía una fuerza musical y una puesta en escena visual muy potentes, se llevó el Oscar a la Mejor película animada en los Premios Oscar de ese año ganándole de manera sorpresiva a la favorita ‘Cars’ de Pixar.

Ya no hablemos de talento, hablemos de identidad

Mumble y Gloria son ahora los líderes del territorio pinguino Emperador, la cantante y el bailarín reemplazan al padre y la madre de Mumble como los estandartes de sus compatriotas. Erik, hijo de ambos, comienza su rutina infantil inicial pero no demuestra talento musical alguno de forma que cae deprimido a corta edad. Tras seguir a Ramón a la otra nación pinguina descubre que todos ellos se sienten fascinados por Sven, un ave que se hace pasar por pinguino volando y contando su experiencia con los humanos. Es justamente la capacidad de volar y la experiencia de Sven que influyen en Erik más que su propio padre, algo que seguramente no debe ser del agrado de alguien que intenta criar a su hijo. Mientras tanto dos pequeños krills (algo como pulgas en forma de calamares, disculpen mi ignorancia) de nombres Bill y Will se separan de su numeroso grupo, Will sueña con otra identidad y otra vida más allá de la rutina de existencia en los millones y millones de krills de su bancada mientras que Bill sólo le presta amistad y compañía, dos diminutos bichitos que tendrán a lo largo del film su propia aventura.

Y como la tierra va cambiando sucede una tragedia: se desprende un gran témpano y los pinguinos del territorio Emperador quedan atrapados de forma completa, Mumble retorna con los niños aventureros de la nación de Ramón y encuentran a su pueblo en problemas, mientras trabajan todas las formas de proveerles de comida y de esperanza muchos otros asistirán a colaborarles, la otra nación pinguina lo intenta, los humanos expedicionarios lo intentan pero el tiempo se les va acabando y el hambre y la locura hacen carta de presentación.

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Pues miren que tenemos una historia interesante e incluso se puede decir que el nivel técnico presentado no tiene fisuras: ahí están los pinguinitos que ya conocíamos, así de tiernos y así de conflictivos, con sus cosas buenas y malas y son una extensión de esa primera parte. Pero falta algo, algo que baja su puntuación global lejos de la sorpresa que supuso ‘Happy Feet’ y creo que esa ausencia radica en haber debilitado dos grandes fortalezas de la anterior película: los números musicales y la puesta dramática, existen ambos es esta secuela pero no superan lo anteriormente visto. Las canciones prometían (con ese inicio con LL Cool J y Justin Timberlake) y el drama podía presentarse con la trampa mortal a la que es sometido el pueblo Emperador, pero el guión no explota todas las ideas, los diálogos bajan de tono, se nota que desean ser amplios en audiencia y en ese sentido parece ser más infantil, todo un tiro en la culata.

Los bichitos que salvan el show

Ahora, si las cosas no me fallan encontré mucho entretenimiento y mucha coherencia con la aventura paralela de Will y de Bill, dos pequeñas criaturas buscando una vida más grande e inimaginable que el diseño natural que se les dió a los de su especie, me gustó esa humilde historia y me agradó la conexión con la historia principal, no salen lo suficiente y el doblaje latino que se vió en el cine no les hace justicia, dicen que Brad Pitt y Matt Damon están muy bien en la versión original (me compraré el DVD por nada más) aunque faltará la voz original de Gloria, me entristece pero es justo recordar lo bien que estaba la primera parte con Brittany Murphy, qepd.

Happy Feet Two

No es el éxito que sus productores esperaban y queda muy abajo en calidad musical de su antecesora, talvez la versión de los pinguinos y elefantes marinos de ‘Under Pressure’ de Queen y David Bowie se me pueda quedar en la memoria; más que suficiente, con eso supera lo decepcionante que fué –en lo personal – asistir al visionado de ‘Cars 2’, hasta ahora la mas floja en su categoría en este año.

viernes, diciembre 09, 2011

Escenas inolvidables: la conversación de Shaka de Virgo con Buda en ‘Los Caballeros del Zodíaco’

 
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Shaka, ¿porqué estas tan triste? tan sólo tienes 6 años y a pesar de ello te sientas ahí todos los días a llorar, qué es lo que te preocupa?.
- Hoy ví muchos cuerpo muertos flotando en el río Ganges y en la orilla peregrinos de toda la India se purificaban, tuve la impresión de que celebraban la
muerte en lugar de la vida, porque es tan pobre este país donde nací??, parece que solo nacemos para sufrir y lamentarnos, la gente vive sólo entre desgracias.
- Shaka, eso te pone triste?
- Claro, ¿quién quiere una
vida llena de tristeza?.
- Estás equivocado
Shaka, donde hay tristeza hay alegría, y es lo mismo de otro modo, hermosas flores florecen pero eventualmente mueren, todo en este mundo va cambiando, siempre en movimiento, nunca igual, todo cambia, la vida del hombre es igual.
-  Pero si la
muerte es inevitable debe ser que la tristeza es quien domina nuestras vidas! aún cuando superemos el sufrimiento… busquemos amor y felicidad, la muerte lo unificara todo, no entiendo… ¿porque nacemos en este mundo cuando no podemos desafiar algo tan completo y eterno como la muerte?.
- Shaka… parece que lo has olvidado
- ¿Olvidado?
- La
muerte no es el final de todo, sólo es el siguiente paso

 

Recordando hasta ahora la última saga de ‘Saint Seiya’ que se conocío acá como ‘La Saga de Hades’ es que podemos rememorar ese impresionante comienzo en los primeros 12 episodios, donde Hades envía a sus espectros para asesinar a Athena y de esta forma reinar en el mundo de los vivos. En esta aventura tres caballeros dorados ya fallecidos han vuelto a la vida y van por un sendero peligroso: Saga de Géminis, Camus de Acuario y Shura de Capricornio; quienes se infiltran en una misión suicida, de doble persecución y de mucha valentía, para llevar el mensaje a Athena deberán enfrentarse a Shaka de Virgo en una de las batallas más recordadas de esta épica serie, donde también seremos bendecidos con la visión de los dos árboles gemelos de sal.

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Fuera de este contexto de aventura se tiene una escena de alto valor espiritual, que implica la niñez de Shaka y sus dudas tan profundas sobre la vida, el sufrimiento y la muerte, trabajada con una belleza artística pocas veces visto en los muchísimos capítulos de Los Caballeros del Zodiaco y que presenta enseñanzas del Budismo dentro de un contexto dramático (la pelea entre los caballeros dorados) y que sale airoso en su presentación.

Disfruten esta preciosa escena inolvidable:

martes, diciembre 06, 2011

Brad Bird: dirigiendo a ‘Los Simpson’

 

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Después de la traumática experiencia en ‘The Plague Dogs’ Brad comienza un período personal diferente en lo profesional y que le aleja de sus trabajos habituales de animador. Cinco años después retoma su labor centrándose en un camino diferente del animador normal, para ello trabajaría para una producción de Steven Spielberg llamada ‘Amazing Stories’ , una serie que cambiaba siempre de temática variando entre la ciencia ficción y el misterio. Era 1987 y pronto llegó a escribir y dirigir un episodio de la segunda temporada llamado ‘Family Dog’ (cuándo no) donde el protagonista era la mascota de la familia Binford, una familia disfuncional americana (prototipo de lo que vendría a ser luego ‘Los Simpsons’). Como anécdota comentarles que Tim Burton se encargó del diseño de los personajes.

Tras la repercusión mediática de este trabajo se propuso que se convirtiera en una serie de televisión, Brad se negó a continuar con el emprendimiento dejando el proyecto y alegando que el mismo no tendría futuro en el medio televisivo. Pronto vendría su primer encargo para un film con personajes de carne y hueso co-escribiendo el guión de ‘Baterías no incluídas’ (conocido por nosotros como ‘Milagro en la calle 8’) dirigido por Matthew Robbins y que como recordamos contaba la aventura de dos micromáquinas extraterrestres salvando a unos humanos en Nueva York, dónde más.

Y llegaron los 90s

Quizás su prestigio ganado por ‘Family Dog’ le sirvió para que la Cadena FOX le involucrará en el equipo creativo del show ‘Los Simpsons’, que ya estaban en el camino de la independencia del Show de Tracey Ullmann. Bird dirige el episodio No. 12 de la primera temporada: ‘Krusty gets busted’ que es todo un clásico hoy en día, es el capítulo de la trampa que le tiende Bob Patiño a Krusty el payaso con la consiguiente colaboración de Bart y Lisa. no sería la primera dirección de Brad ya que pronto repite para el recordado capítulo ‘Like Father like clown’ donde Krusty y su padre, un rabino judío intentan reencontrarse, éste es un episodio de la tercera temporada, que cerraba aquella época de Los Simpsons que conocemos ahora como la etapa familiar.

 

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A Brad siempre le gustó el diseño y la personalidad de Krusty, en esos dos capítulos se nota su cariño por darle una dimensión muy humana, tanto en el conflicto de la traición sufrida como en el sufrimiento por el padre que le rechaza; quedan ambas en la memoria del espectador como los capítulos más importantes de este personaje capital de Springfield.

Si bien Brad ya estaba con un empleo fijo y trabajaba de asesor de la FOX para el equipo de Matt Groening, pronto se dió cuenta que su carrera en ese momento se estaba formando en la televisión y que podía cumplir con encargos varios. Prueba clara de ello es haber dirigido el video musical ‘Do the bartman’ producido en noviembre de 1990 y lanzado en 1991. No debía ser un problema: la rebeldía inocente de Bard en contra de sus enemigos declarados de su infancia: la escuela, el padre controlador, las ganas de libertad creativa y de seguir la moda reinante: el pop noventero, rap, los beats de ciudad; todo ello con gotas de saxo y coros de R&B, incluso se dice que el mismo Michael Jackson – fan declarado de Bart – escribió las letras, un dibujo animado y a la vez un pincel de la época!

Todavía me acuerdo, era un éxito sin que aún se transmitiese en Bolivia. El canal universitario la rotaba con mucha frecuencia y en el mundo las cosas eran mucho mejores: en Inglaterra llegó al No. 1 (el show de Los Simpsons tardó cuatro años más en llegar a esas tierras) y tanto en Europa como Australia se paseó en todas las listas llegando a lo más alto. Un gran ejercicio de estilo y un video testimonial que vale la pena ver:

Pero después de 8 años, Brad dejaba de aprender de la tv y volvería al cine de animación.

Sigue el especial de Brad Bird en el blog:

Brad Bird: el joven animador de Disney
Brad Bird; narrador con mucha humanidad