martes, septiembre 28, 2010

Robin Hood (2010), demasiado correcto y pronto

"- vienes?
- si me lo pides cortésmente,"
(Marion y Robin)

Bien, bueno, muchos saben cómo idolatro a Riddley Scott y cómo me parece un director de alta profesión, también reconozco su evolución y destaco sus falencias: en los últimos 10 años ha hecho películas por encargo (siempre esclavo de sus contratos) y por 10 años le han dado presupuestos mantodósticos, Robin Hood sigue con las marcas de su talento y también de sus mencionadas falencias.
El primer reto era establecer un Robin Hood moderno y de nuestros tiempos. No lo logra. Al menos a una generación como la nuestra sigue posicionado en nuestras mentes el Robin Hood con Kevin Costner y dirigida por Kevin Reynolds (1991) la primera versión tachada de aventurera, romántica e infantil, jeje.
El segundo reto era colocar un blockbuster mundial, como que lo consiguió a medias gracias cuando no a su actor favorito: Russell Crowe y otras incorporaciones de renombre (bueno, Cate Blanchett y William Hurt) realizando una nueva versión para nosotros del personaje de Robin Hood, el guión? pues interesante, histórico, adaptado a la época, correctamente actuada y dirigida y sobradamente amena.


Este es el problema con Robin Hood, pues no sorprende; agarra los elementos clásicos de Hood que ya conocíamos y sólo se realizan ajustes "nuevos" que al final resultan en un Episodio Cero tan suficiente como para pensar en una secuela que deje mejor parado a éste remake de Riddley pero tan pronto que no consigue alejarse de la sombra del Hood de Costner, aunque no fuera tampoco una grandiosa película.
En fin, esperaré ver al maestro nuevamente cuando realize el nuveo film-precuela de Alien, su primer hijo cinematográfico más de 30 años después y en pleno auge del cine 3D, ánimo Riddley!!!

domingo, septiembre 26, 2010

The Expendables, excusa para ver a quienes hacían el trabajo rudo

" - cuál es su maldito problema?
 - quiere ser presidente."

The Expendables de Stallone es una oportunidad de mercado, es una acierto de idea para un segmento respetado de audiencia que desea ver cómo se encuentran los Stallone, los Lundren; pero no para quienes ya vemos a los Statham, los Li, los Rourke; y la escena entre Arnold, Bruce y Silvester? cómica y divertida sin duda, fuera de eso?

Veamos, estamos en la historia de Church, un tipo que reculta mercenarios para realizar tareas encubiertas en favor de la maquinaria capitalista del imperio, sí es cierto y no se puede ocultar el hecho que aunque parezca todo rebelde y social, el lucro que se han mandado para el marketing del film sólo ratifica lo que vemos en pantalla, a Church se le encomienda intervenir un país peligroso de américa latina (O_o) y en su trayecto se topa con la milicia local y los intereses del capitalismo centrados en ese país. En su equipo le acompañan  gente experta y actores de acción de mucho trayecto pero ésta es la presentación, no esperen gran contenido.
Statham es quien sale más favorecido porque en él se centra el traspaso del mando de la nueva sociedad de Church, mientras que Mikey Rourke protagoniza la voz dela reflexión y Stallone el centro de la atención al encanar a un mercenario en sus últimas aventuras, muy buena predisposición actoral pero con un guión que no satisface el moderno cine de acción, que es más realista o fantástico que el de antes; no se va a ningún extremo y en el papel de conseguir que todos ingresen al visionado se pierden los hilos argumentales, tampoco es que sea una maravilla eso de pelear por liberar uno o varios pueblos, estos hilos son solo clichés de nuestros países.



En fin, es una excusa para actualizarnos y ver qué sucedió con aquellos que antes golpeaban más duramente.

sábado, septiembre 25, 2010

Makoto Shinkai (4/4): 5 centímetros por segundo

Y con su última obra conocida que data del 2007 concluimos este especial de un visionario joven en vida, Makoto a dado señales de que pronto nos entregará un nuevo trabajo del cual esperamos sus temas constantes: el tiempo-el espacio-el amor; mientras tenemos noticias del maestro rememoremos su obra culmen: Cinco centímetros por segundo.



"...Y en el momento que siguió, me llené de una insufrible tristeza. La calidez de Akari y de su alma...¿cómo podría albergarlas? ¿dónde podría llevármelas".
(Takaki-kun)

***Aquí spoilers****
Apenas y dura una hora pero es capaz de albergar tres historias secuenciales, las tres hablan de Takaki Tohno, un niño que pasa a adolescente y finalmente a joven, hablan de él y de su triste corazón.
La primera historia se llama Selección de las flores de Cerezo y nos cuenta cómo Takaki va en busca de su amiguita, Akari. Su alma gemela a quien conoci de niño y por quien viaja cientos de kilómetros para reunirse y saber de ella por estar alejados debido a las ocupaciones de sus padres. El escenario común es la nieve.


La segunda historia se llama Cosmonauta, y trata de la vida de Takaki en otra región de Japón, se centra en el corazón de la joven Kanae que queda prendada de Takaki y de su frustración reiterada de decirle que le quiere dado que Takaki recuerda mucho a Akari. El escenario común de esta historia son las olas del mar.


La última historia se llama 5 centímetros por segundo y nos cuenta la actualidad de un Takaki joven que deprimido por el recuerdo de Akari camina la ciudad fría y sin sentido para él mientras vemos flashbacks de su vida, es la más deprimente de las tres partes así como la más triste porque presenciamos que Akari ha continuado con su vida en todo sentido y Takaki no. Es la más dramática porque el dolor en silencio de Takaki se nos muestra en su caminar, en los lugares donde reside y en sus visiones de la ciudad, es pues, la más cruda realidad de un sentimiento por alguien a quien no ha dejado de soltar y de extrañar, es una combinación de escenas muy realistas, muy duras, muy fuertes.

***fin Spoilers****

Obviamente que una historia así no se hubiera comercializado en todo el mundo y ganado la reputación que tienen, gracias a un final que puede conmover y sujetar ese halo de esperanza que le tenemos a Takaki-kun, por eso el film es una historia sobre los apegos, sobre la forma en que nos aferramos a las personas como recipientes de nuestros sentimientos, también es una obra sobre la timidez, el riesgo de decir "te quiero" y perder muchas cosas y en sí, es una obra sobre el destino. Cuando vuelvo a ver el film me embarga mucha tristeza y es porque el diseño que el maestro ha dispuesto es para conmover, lejos pero muy lejos de los dramones televisivos, lo que podemos encontrar en sus escenarios, sus luces, sus oscuridades y sus diálogos es el talento de alguien que ha sabido llegar al corazón de mucha gente, un servidor incluido.

viernes, septiembre 24, 2010

El Joven Manos de Tijera, la inocencia de un ser diferente


"  - Abrázame.
       - ...No puedo."
 (Kim y Edward)

Clásico entre los clásicos, sólo pondré pocas líneas para recordar(nos) esta bella película.
Tim Burton en su mejor momento comenzaba su asociación con su actor protegido, un tal Johnny Deep que borda el papel de su vida hasta ese momento.

Edward Scissorhands cuenta la triste historia de Edward y su relación con una sociedad que le observa, le discrimina y le utiliza como espejo de sus miedos y de sus verguenzas. Éste es el guión de un film impecable, bien dirigido, musicalizado y actuado, con una belleza gráfica innovadora a su época y con varios momentos sublimes del cine moderno. 

La llegada de Ed a la ciudad y la forma en que se acoge en la familia de Peg, la llegada de su amor (Kim) y cómo ella siente sentimientos profundos por nuestro héroe, las aventuras, el baile con los trozos de hielo y el maravilloso y melancólico final hacen del Joven Manos de Tijera un recuerdo imborrable y yo diría que incluso debería ser un recuerdo obligado... del cine de nuestra generación, de los 90s.

Luego Tim tendría sus altibajos (más bajos que altos) y Johnny lograría tener una de las carreras artísticas más prolíficas de todos los actores que hayamos visto.


domingo, septiembre 19, 2010

Makoto Shinkai (3/4): Más Allá De Las Nubes, el lugar prometido


"Por favor! tengo que decirle cuanto le he amado todo este tiempo...si sólo pudiera decirle eso entonces no necesitaré nada más... por favor..."
(Sayuri)

Para el 2004 Makoto junto con ComixWave logran estrenar en todo Japón The Place Promised in Ourly Early Days (Kumo no Mukō, Yakusoku no Basho, Más Allá de las nubes), y logra el reconocimiento internacional tanto en los circuitos principales como en los independientes, Kumo es la prueba definitiva de la presencia de un nuevo genio japonés de la animación y que mezcla en proporciones correctas la forma y el fondo de sus historias profundas, románticas y de ciencia ficción.


La historia trata de dos amigas y una chica, dos muchachos quienes siempre han deseado viajar hacia luna torre enigmática reconstruyendo un aeroplano, la torre emerje de un territorio neutro en un Japón alterno, a puertas de una tercera guerra mundial y con la presión internacional fuerte sobre la región, pues sucede que se ha construido una torre hacia el cielo cuya utilidad es científica: es el sitio del nacimiento de realidades alternas en nuestro tiempo, su creador no dió mas información y su nieta es quien tiene las conexiones más fuertes con su obra, es justamente ella (Sayuri) quien promete ir junto a los muchachos (Hiroki y Takuya) hacia la torre, pero desaparece y años más tarde es reencontrada en Tokyo, Hiroki tratará de cumplir su promesa con ella, a toda costa y cueste lo que cueste.



Bellísima historia, imponente puesta en escena y todo una demostración de dirección artística, de montaje, de animación y narración. Obra cumbre de Makoto (hasta ese momento) y que incluso le valió el apodo del ser "el nuevo Miyazaki" por su carisma y por mentener una línea de protagonismo entre dos corazones jóvenes en nuestro caso de Hiroki y Saruya, él se convierte en ausencia de ella en alguien deprimido por su pasado y presente y cuya motivación para proseguir reside en la promesa realizada del viaje difícil en su niñez y ella se convierte en un espíritu presente para él y que en sueños le mantiene atado a la promesa realizada.

Poderosa manifestación de amor, les dedico ahora un grandioso y bello AMV:

Créditos Springdancer82 en Youtube, canción: Grand Finale (OST: Joven Manos de Tijera)

martes, septiembre 14, 2010

Escenas memorables del cine: El baile de PULP FICTION

En Pulp Fiction (Tarantino, 1994) John Travolta sale a pasear con la esposa de su jefe a pedido de éste, la señora de Wallace (Uma Thurman) presenta en breves minutos su personalidad cautivadora a todos y no sólo a John, caprichosa por su bienestar escucha la convocatoria para el concurso de baile en el restaurant y.... empieza una de las más grandes escenas del cine moderno.

YOU NEVER CAN TELL de Chuck Berry es el fondo, la música y el ritmo del baile de John y Uma, dos seres aparentemente despreocupados por la salida pero que sirve de puente para una tragicomedia que seguirá posterior al baile, cuando Uma se intoxique, jajajaja.
Disfruten!!!

Superman : Doomsday (2007),

"No olvides llamar a tu mamá."
(Lois Lane)

Miren que debe ser la primera vez que hago una reseña de una animación norteamericana.

El universo de la DC Comics tiene a Batman y a Superman como sus estandartes, sus íconos de mercado, los superhéroes de varias generaciones. Superman en particular ya casi no tiene secretos y sus adaptaciones cinematográficas pasaron de sublimes a penosas (del I al IV) a desconcertantes (Bryan Singer, 2006). Este film animado de 2007 pertenece al Superman: Animated Series y sube un escalón más en el grado de violencia.

Pues nos encontramos con la historia adaptada del cómic de Doomsday que cuenta la muerte de Superman mientras éste al fin disfrutaba de su vida privada a lado de Lois Lane y sus preocupaciones de orden mundial, cae otro extraterrestre a La Tierra y Luthor se aprovecha de él, se descontrola y en una buena batalla tanto el mounstruo como Superman salen mal heridos, Superman deja de latir.


La vida posterior de los habitantes de Metrópolis, en especial de Lois y la madre adoptiva de Clark: Martha, continúa a pesar de la ausencia del héroe, Lex aprovecha la situación y crea un clon de Superman que tuerce su visión moral, ese es el conflicto que lamentablemente queda resuelto de forma acelerada. Sus puntos interesantes? la animación de siempre ahora añade violencia a nivel PG-13, el romance de Superman y Lois queda bien relatado, las escenas de acción estan plenamente conseguidos. Sus puntos débiles? el argumento corre al final, hay una ausencia total de Clark Kent y está pobremente basado en el cómic.

Disfrutable si no tienes nada que hacer? sipi.

domingo, septiembre 12, 2010

Kuttsukiboshi Parte 1: Las apariencias que parecen engañar


"Por un largo tiempo yo guarde mi secreto, solo seguía lo que ella me decía, pero...actualmente tengo otro secreto del que ella no sabe nada. Me enamoré de Aya, de todo lo que ella representa, fué amor a primera vista."


Planificado para lanzarse como OVA en dos partes, la primera salió en agosto 2010 y la segunda debe esperar nuestras ansias hasta el verano de 2011 (:S), Kuttsukiboshi puede definirse como un anime de lo más minimalista, dura apenas 21 minutos y como ven su animación es de lo más sencilla, se nota el bajo presupuesto en todos sus aspectos. Pero mejor vamos a repasar su interesante historia.

Kiiko está enamorada de Aya, locamente y terriblemente enamorada de Aya y mientras ella le ayuda con las secuelas de su accidente (Ki adquiere poderes) no sabe cómo aguantar verla sin que la timidez le gane, hasta que se da cuenta que Aya... siente lo mismo! Bueno, eso parece.


Las situaciones siguientes son demasiado (demasiado recalco) íntimas entre ellas, algunas muy directas y otras que dejan lugar a la imaginación, perversiones que la aparente inocencia de Aya realiza con Ki-chan hasta que se descubre un secreto muy impactante...ejem..no diré más.

Y esa sería la reseña de lo que tenemos por el momento en Kuttsukiboshi, juega con los límites del ecchi  hasta el punto de dejarnos intrigados, y *spoiler* sólo el detallito del juego de estrellas que no se separan es suficiente para ver este yuri anime *spoiler*.

Y ahora... cómo creen que esperaremos hasta el 2011???

sábado, septiembre 11, 2010

Miami Vice, con la M de Mann

"- Hola chica.
- Hola chico."
( Sonny e Isabella)

Michael Mann es uno de mis preferidos, es un capo entre los directores y tiene algo que todo director o aspirante debe tener: un estilo propio, claro que lo de propio en una profesión como esta es casi irreal pero aquellos quienes vemos señales comunes entre sus obras siempre agradecemos su uso habitual.
Miami Vice (2006) aunque no lo crean es el remake de la serie ochentera que el mismo Mann produjo hace mas de 25 años, quien diría que él mismo llevaría a la pantalla grande su hijo televisivo contando para ello con Jamie Foxx y Colin Farrell, el resultado ha sido un film de acción sin aditamento adicional que aborda el tema del tráfico de sustancias y objetos ilegales hacia USA con entrada en Miami.


Miami es esa ciudad americana tan latina como yankee, que muchos venden como sitio turístico, seguro que lo es, pero bajo los lentes de Mann es una ciudad donde se lucha al crimen como en otra, los detectives Ricardo y Sonny son dos de esos agentes cuyas vidas son arriesgadas bajo el límite de sus vidas y las pocas vidas que les importan, en caso de Ricardo será su novia (policía también) y en el caso de Sonny será (ésto es lo interesante) la administradora del traficante de turno, son seres funcionales a las leyes y que operan mecánicamente con la misión constante de combatir aquello que han jurado combatir.

Y tal vez ése sea el fallo del film, la profundización de los dos agentes no se desarrolla al mismo grado que otros personajes de los films de Mann (como el de Robert DeNiro en HEAT ó Ali en ALI) donde los hombres rudos siempre cuentan con una figura femenina que sirve de aterramiento para sus corazones, si bien es cierto que existe la intención de mostrarnos a Sonny y Ricardo como seres humanos con sentimientos, es también cierto que ello encuentra su límite en el metraje para permitir las escenas de acción, eso sí, situaciones románticas, de haber hay.

martes, septiembre 07, 2010

Makoto Shinkai (2/4): Voces de una estrella distante, el amor a pesar del universo

"Este correo tardara un año en llegarle... un mensaje tardará 8 años desde Sirius, Noboru-kun...¿te olvidarás de mi?"
(Mikako).

Dice la leyenda que Makoto tardó un año y dos días en armar esta película, que dura 25 minutos y que dobló la versión original junto con su esposa, aquí se cuenta la historia de Noboru y Mika, dos muchachos en la tierra futura que comparten su juventud pero se separan al definir ella su carrera: piloto espacial en busca de los Tarsianos, los alienígenas en conflicto con los humanos. Ocurre un accidente en el espacio y ella recurre a los mensajitos desde celular para comunicarse con Noboru, le recuerda, le rememora, le llega a valorar en la distancia infinita del universo, se da cuenta...Mika...que le quiere.

Y cuánto más alejada más años tardarán los mensajes, ésta es la tragedia, la historia y el tema de Hoshi No Koe (Shinkai 2002).


Recuerdo cómo me impactó esta obra el 2003, en el club de la Pastoral Juvenil de la Lanza y en la humilde exhibición de un club de animé que pasó la obra en calidad CD, me sobrecogió su puesta en escena, los colores, la animación minimalista y la ambientación preciosista, supe al primer instante que me llegaría a doler por dentro.

Porque? porque me hizo sentir muy triste por la metáfora de la distancia con la persona amada, ¿importa el tiempo o la distancia ó la distancia del tiempo cuando dos corazones coinciden?, ¿porqué esperar a que ocurra el alejamiento para pensar al fin en lo bueno que es alguien? y que ese alguién puede ser algo para mí? o todo para mí?

V de Venganza, la sociedad controlada y el gobierno que la controla

"Bajo de esta máscara hay algo más que carne y hueso, bajo esta máscara hay unos ideales, y los ideales son a prueba de balas."
- V.


V for Vendetta (2006), es la adaptación de James McTeigue y fué guionizada por los hermanos Wachowski sobre la obra de Alan Moore (el creador de Watchmen), Moore como saben prohibió ser acreditado en muchas de sus obras adaptadas al cine y V no fué la excepción, repasemos en pocas líneas esta buena adaptación (a mi juicio) que llegó a ser incomprendida en su época.




Venganza se escribe con V, así de simple, menos simple es la trama del film: nos encontramos en la Inglaterra del futuro donde un partido fascista sube al poder y utiliza todos los medios disponibles para el control del orden social, simplemente las personas observadas, las personas diferentes, con opiniones que no comulgan con el gobierno o con la idea de sociedad del canciller, toda esa sociedad es objeto de la represión física y psicológica a base de temor y rigidez de ese gobierno, a tal grado de servir (la gente) de ratones de laboratorio para los fines crueles y mercantiles de este neofascismo. V es un sobreviviente de este régimen, implanta venganza sobre los tiranos de la nación ocultándose en la máscara del personaje de Guy Fawkes, encuentra en su destino a la muchacha de nombre Evey quien primero es forzada a probarse y es luego puesta en libertad para vivir como conexión a la realidad de V.

Mientras V planifica el golpe al gobierno.


V personifica el anarquismo sociológico, planificado y justificado, el Canciller y su aparato representan el autoritarismo operativo de la dictadura del partifo gobernante, ambas ideologías chocan en el film, en medio estan Eve, los detectives, la gente, la sociedad, quien tomará protagonismo al final y decidirá la suerte de su destino, no conoceremos con certeza la verdadera identidad de V, pero como se plantea en el film, V puede ser un(a) superviviente del régimen tirano, la voz de la venganza, de los muertos por no tener más pecado que la opción al disenso.

Interesante película, con un montaje y fotografía interesantes, con actuaciones demasiado regulares (Natalie Portman hubiera hecho mejor papel creo yo) y con ajustado uso de recursos, logra convencer en los momentos de tensión, de injusticia y crueldad, y logra hacernos pensar en los momentos de venganza. Sobre su trasfondo político cada uno saque su mejor conclusión.



domingo, septiembre 05, 2010

Volver al Futuro, la mejor trilogía de ciencia-ficción-comedia lograda


"Tal vez nos veamos nuevamente en el futuro ó... en el pasado"
- Dr. Brown

Robert Zemeckis en gran forma, fué el director adecuado para el proyecto adecuador (en palabras de la época) y es lo que dijeron las críticas sobre Back to the Future (1985), donde Michael J. Fox y Christopher Lloyd se encargan de llevar a cabo un cine de aventura, de comedia y de ciencia ficción ochentero, con todas sus grandes cualidades (y también defectos) pero cine con fuerza juvenil sin duda.

Spielberg la produjo, trato la obra con una producción estupenda: la historia del viaje del tiempo en una máquina atractiva para los muchachos de los 80s (que auto más hermoso no?) , efectos especiales bien cuidados y una trama que entretenía, era calibrada para no molestar y contaba con continuos recuerdos de los 80s y el futuro (un futuro de 2015 sin mencionar el Internet ??? jeje) que fué planificada como una visión que ahora no nos asombraría, pero cómo nos gustaba verla en esos años no?

"Nunca más me llamarás gallina"
- McFly

Los aspectos técnicos hacen a la trilogía una unidad visual y sonora hasta ahora no superados, tiene otra ventaja: son aventuras diferenciadas porque la primera instala una aventura del tiempo, en la segunda se conflictúa el futuro, el presente y el pasado y en la tercera asistimos a una aventura de westerns, tampoco podemos dejar de notar sus falencias en especial de actuación donde los personajes se vuelven caricaturas de ocasión, pero que en el global queda todo perdonado, asimilado e incluso aceptado.

Si un fallo puede achacarse a la planificación fué la distancia entre los films, la primera se lanzó en 1985, la segunda en 1989 (4 años es mucho y derivó en ganancias moderadas) y la tercera en 1990 (para lograr el cierre), los grandes resultados en taquilla (en especial de la primera) y su recuerdo por las emisiones en la TV han hecho de esta obra de Zemeckis un clásico sin duda.

viernes, septiembre 03, 2010

Starship Troopers, grandioso cine de parodia política


Uno puede ver la genialidad de personas tocadas por la suerte en los films, claro que también sucede lo contrario: ver personas con tanta mala fama en la industria del cine. Paul Verhoeven tiene las dos cosas.
Director amado y respetado por Robocop, famoso por Bajos Instintos y odiado por Dreamgirls (todas ellas, pese a quien pese obras de culto) Paul nos ofreció un gran cine paródico de la guerra y de la política de guerra en Starship Troopers (1998), que bien recordamos por la peli donde un planeta de malvados  insectoides atacan la Tierra, la peli con interesantes efectos especiales de presupuesto calibrado, de gran carnicería y cutrería de sangre y por la aventura coherente con la parodia de las guerras, igual de estúpidas e igual de necesarias por que el humano y sus rivales no se ponen de acuerdo...a sobrevivir se dijo.


El material fuente (una novela de 1959) fue adaptada para convertirse en la historia de un trío de jóvenes que cambian el placer de la vida normal por la "ciudadanía militar", que es la gran narración de esta película y donde somos expectadores de un guión lineal, adornado por flashbaks televisivos al estilo de los 40s adecuados al contexto. Vemos cómo los amigos siguen juntos a pesar de las adversidades, de los malentendidos y de la presencia de unos enemigos a quienes no conocen y apenas llegar a conocer. La película no tiene un final cerrado para el conflicto y así como estaba ofrecía varias vetas que podían utilizarse como una franquicia (esfuerzo desperdiciado en las horribles 2da. y 3ra. parte), es también un film que debía posicionar a sus jóvenes promesas en el estrellato aunque creo que de todos ellos solo Denise Richards tuvo un relativo éxito posterior.

Cine de palomitas sin duda con gotas de conciencia bélica o antibélica, mmm, y si hago un especial de Paul Verhoeven? mmm, no.

Makoto Shinkai (1/4): Ella y su gato


"Yo mismo, probablemente ella también..pensamos mucho sobre este mundo... creo que nos gusta"
(El gatito)

Makoto Shinkai es ahora una marca, es la representación completa del anime independiente japonés que emblema un nuevo estilo gráfico, la participación de la naturaleza (ambiental, citadina, humana) como un actor más dentro de sus obras es digno de mencionarse, nadie puede quedar indiferente.

'Ella y Su Gato' ('Kanoko to Kanojo Neko', 1999) es un cortometraje épico y reconocido como la ópera prima en su carrera, está realizada en blanco y negro y cuenta la breve historia en 5 minutos de un gato y su dueña, una muchacha cuya vida de adolescente es observada por el gatito desde su corta pero tierna (muy muy tierna) perspectiva; no hay primeros planos, el gatito apenas es un esbozo, solo muestra una faceta y se da más importancia a lo que siente el minino en su campo visual: el entorno, el clima y las entradas de luz y de sombra; es pues, un testimonio desde el punto de vista del gato, de sus sinceros pensamientos, su inocencia y la fiel compañía que juega a lado de su amada dueña... al final del cortometraje, ambos (la chica y su mascota) dirán las palabras escritas arriba, recordando a todos que al final del día las cosas más importantes y las cosas que nos gustan se encuentran en este frío, caluroso, iluminado y oscuro mundo.

Para ustedes, esta preciosa obra que inicia el especial de Shinkai: