martes, enero 31, 2012

Oscar mejor canción 1983: 'Flashdance... what a feeling' de Irene Cara


 Adrian Lyne es un director muy interesante, muy pocos de estos directores han logrado reputación por un estilo controversial dentro del cine mundial, a Adrian le encanta la figura femenina y el erotismo extremo en entornos difíciles, complicados en lo emocional y también en lo geográfico. Ahí están '9 semanas y media', 'Atracción fatal', 'Propuesta indecente', 'Lolita' e 'Infidelidad'; una carrera interesante por donde se vea.

En su segunda película llamada 'Flashdance' vemos a una joven Jennifer Beals (que luego veríamos como protagonista de esa gran serie que es 'The L Word') como Alex Owens, trabajadora laboral de la industria del acero de día pero aspirante a bailarina profesional en las noches y que va en busca de un sueño americano: ingresar a un conservatorio de baile y danza en Pittsburgh. No hay mucha novedad más allá de lla intriga que significa ver la peculiar vida de esta bella joven, su lado romántico y sus problemas.

Pero hay una base musical que no se puede dejar desapercibido en ninguna parte, y es que el soundtrack diseñado para 'Flashdance' es casi testimonial; una pieza de colección! Y es que continuando con la tendencia de esta década vemos un amplio dominio del pop en todos los sentidos y aquí la música de moda, los synthpop estaban para quedarse como clásicos, bastaba escuchar a Kim Carnes y Joe Esposito en semejante album. La canción 'Flashdance... what a feeling' donde ya participaba Irene Cara como compositora, es un protagonista de este año y se quedará para la eternidad en los grandes clásicos, llegando al No.1 en Billboard y ganando en una de las batallas más emocionantes de la entrega de premios Oscar a titanes como la épica 'Maniac' de Michael Sembello (del mismo soundtrack) y la leyenda Barbra Streisand con 'Papa can you hear me' y 'The way he makes me feel' por el film 'Yentl'.

A disfrutar se dijo!


Sigue el especial en el blog:

Oscar Mejor canción 1982: 'Up where we belong' de Jennifer Warnes y Joe Cocker
Oscar Mejor canción 1981: 'Arthur's theme (best that you can do)' de Christopher Cross
Oscar Mejor canción 1980: 'Fame' de Irene Cara

domingo, enero 29, 2012

Oscar mejor canción 1982: 'Up where we belong' de Jennifer Warnes y Joe Cocker



En 'An officer and a gentleman' Richard Gere es un oficial candidato de la naval americana y Debra Winger es una trabajadora fabril protagonizan una pareja muy especial que se involucra en una relación romántica. El personaje de Richard Gere (Zack) además debe vivir en un tormento que ha arrastrado desde la niñez, tras soportar el suicidio de su madre. Una película correcta sin más y que significaba uno de los primeros trabajos del inconstante director Taylor Hackford, quien realizó luego films más interesantes como 'Sangre por sangre', 'El Abogado del diablo' o 'Ray'.

Para la canción de la película se contrataron las voces de Joe Cocker y Jennifer Warnes, él tuvo que ser rehabilitado en la música popular tras sus años difíciles de finales de los 60s y sus tremendos 70s, mientras que Warnes tan sólo había tenido un gran hit en 1976 con 'Right time of the night' seguido de hits menores. Canción romántica de gran popularidad, llegó al No. 1 en Billboard y ganó el Oscar a mejor canción a otras candidatas como 'Eye of the tiger' de Survivor (por 'Rocky III') y 'It might be you' de Stephen Bishop (por 'Tootsie'). Como anécdota indicarles que la canción no debió ser usada en el final de la película, algo en el que el productor y el mismo Richard Gere estaban de acuerdo menos el director; quien tras insistir ganó su derecho a la filmación con la canción.


sábado, enero 28, 2012

Oscar Mejor canción 1981: ‘Arthur’s theme (best that you can do)’ por Christopher Cross

 

G-228  Max (Russell Crowe) enjoys the company of his supposed long-lost cousin Christie Roberts (Abbie Cornish) in A GOOD YEAR.

En la original ‘Arthur’ el comediante Dudley Moore interpreta a Arthur Bach, un millonario playboy irresponsable y alcohólico que trata de evitar un matrimonio arreglado y en el trayecto conoce a Linda (Liza Minelli) terminando de enredar su complicada situación. El gran protagonista de este clásico es la ciudad de Nueva York y todos sus lugares, especialmente el Queens, los hoteles gigantes y el Central Park. Una obra que recuerda el amor que le tiene un país a la ciudad más fascinante del mundo! Lamentablemente el film tuvo que sufrir tres tragedias en el futuro: el director Steve Gordon murió un año después por una ataque al corazón siendo ésta su única película; además tuvo una secuela desastrosa con los mismos actores en 1988 y para rematar tuvo un remake horroroso el 2011 con… Russell Brand.

Para la canción principal se necesitaron hasta cuatro profesionales trabajando en una melodiosa canción que no fuera cómica sino nostálgica: Burt Bacharach (que ya había ganado un Oscar en esta categoría por ‘Butch Cassidy & the Sundance Kid’ adivinen qué clásico se mandó), Carole Bayer, Peter Allen (quien fuera esposo de Liza) y el cantante Christopher Cross. La canción fué un hit mundial y estuvo presente en los rankings anuales de dos años consecutivos: 1981 y 1982; llegó al Número 1 en Billboard e incluso se hizo una reedición con una banda J-Pop para el mercado japonés el año 2004, ahora es conocida mundialmente como ‘La canción de la luna y Nueva York’ también como ‘El tema de Arturo’ y como ‘Serenata a NY’. Logró triunfar frente a dos grandes mounstruos igual de nostálgicas y poderosas: la épica ‘Endless Love’ de Lionel Richie con Diana Ross por el film del mismo nombre y la canción de la película de James Bond: ‘For your eyes only’ de Sheena Easton.

A recordar se dijo!

Sigue el especial de los Oscar a mejor canción, para reinvidicar estos premios:

Oscar mejor canción 1980: ‘Fame’ por Irene Cara

viernes, enero 27, 2012

Oscar mejor canción 1980: ‘Fame’ por Irene Cara

 

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En un año que ya estaba cambiando el rumbo de la música pop, ‘Fama’ fué lanzada y dirigida por Alan Parker. ‘Fama’ contaba la historia de varios muchachos dentro de la mítica New York High School of Arts, algo tipo Victorious pero neoyorquino y sin el toque de humor que ahora conocemos, pero era una película musical y Parker se enamoró del libreto tras buscar opciones menos arriesgadas como fueron para él ‘Expreso de medianoche’ (1978), quién diría que pronto le veríamos dirigiendo la psicodélica ‘The Wall’ con los Pink Floyd. En el futuro tendría su serie de televisión y sus remakes innecesarios.

El Soundtrack de ‘Fame’ es la creación de un compositor llamado por Michael Gore quien luego realizaría la música para ‘Terms of endearment’. Además esta obra le dió un éxito pop a una joven cantante llamada Irene Cara que actuaba en el film en el papel de la afrolatina Coco Hernández, ella tuvo las canciones más comerciales y ésta lelgó a convertirse en un gran clásico. Canción eminentemente pop y que ya daba los ritmos visionarios de los sintetizadores espaciales que hicieron furor en toda esa década, llegó al No. 4 en Billboard y ganó el Oscar a mejor canción a otros títulos como la bellísima ‘9 To 5’ de Dolly Parton (por ‘9 to 5’); ‘On the road again’ de Willie Nelson (por ‘Honeysuckle rose’) y la misma Irene Cara en ‘Out here on my own’ (por ‘Fame’).

Recordemos pues este primer Oscar a mejor canción, en el siguiente enlace:

 

miércoles, enero 25, 2012

Especial Oscar 2012; 31 años de canciones y películas

 

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El día martes se ha desvelado la lista de las nominadas a las distintas categorías para los premios Oscar de este año con muchas ingratas sorpresas y otras que no las entiendo por no haber visto la mayoría de las películas que se encuentran nominadas, seguramente intentaré ver las que pueda pero es que nuestros distribuidores no ayudan.

El año pasado me fué muy bien con nuestro especial de ‘30 años de premios Oscar’ y éste año deseaba de corazón continuar reseñando otras grandes categorías como los últimos 30 ganadores a Mejor Dirección, Mejor actor ó Mejor actriz, sólo que, tristemente, he comprobado que la Academia tiene un problema complicado que puede cambiar el futuro de estos premios en una categoría muy apreciada por la audiencia: la categoría a Mejor canción de película. Y este año la cifra ha sido de escándalo por que tenemos a dos nominadas! y veremos anonadados cómo ‘The Muppets’ se enfrentará contra ‘Río’. Algunos piensan que la Academia desea quitar este interesante premio por no poder ejercer control de los mismos mientras que otros piensan que no saben cómo gestionar esta categoría entre tanta calidad diferente.

Hay que redimir este panorama! hemos decidido abrir un nuevo especial recordando los últimos 31 ganadores del Óscar a Mejor canción de película, entre los años 1979 a 2010 y recordaremos obras musicales importantes e incluso influyentes de varios géneros musicales. A cantantes ganadores tan extraños como Christopher Cross ó Eminem y películas tan diversas desde ‘Top Gun’ hasta ‘El Señor de los Anillos: El retorno del rey’; todo servido mis amigos, para reinvidicar estos premios!!!

Como adelanto una de las mejores actuaciones en vivo de la Academia, el año 2000 (para la gestión 1999) Robin Williams interpretaba la canción ‘Blame Canadá’ (‘Culpa a Canadá’) de la película ‘South Park: Bigger, Longer & Uncut’).

 

lunes, enero 23, 2012

Brad Bird: ‘Ratatouille’

 
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El cambio es una opción, y se inicia, cuando se decide”.
- Remy.

 

Para el año 2007 Bird tenía un encargo demasiado grande: iba a dirigir un film preprogramado por Pixar que ya había tenido la partida de su primer director Jan Pinkava, Brad venía de ‘Los Increíbles’ y le encantó la idea de una rata amante del talento humano para cocinar, haciéndose dueño de sus propias fortalezas y derribando prejuicios. Pinkava ya había comenzado el diseño conceptual el año 2000 así que no le debió resultar sencillo el reemplazo en su cargo a pesar de seguir acreditándose como coguionista. No podía hacerse de otra forma, por lo visto se rumorea que estaba siguiendo la influencia de Disney quienes estaban presionando a un trabajao muy infantil debido a lo mal parados que habían quedado tras la compra sin derecho a intervención artística. Por lo visto Lasseter y todos los demás le bajaron la confianza y Brad tuvo que encargarse casi de inmediato reescribiendo el guión y con cambios que incluso no se hicieron efectivos sino en la misma etapa de producción. O sea, riesgo y más riesgo.

Lo dijimos hace años

En el pasado nunca oculté mi desdén por Francia, sus habitantes y en especial por París, que me parecía una ciudad muy glamorosa, exultante y hasta insoportable. Pero al igual que el crítico Ego, lo que probé en Ratatouille fué exactamente lo que pidió: perspectiva, simple como eso. La tierna historia de una rata con el mayor de los talentos en el lugar menos esperado que es la cocina de los humanos y la forma en que llega a convertirse en el chef del restaurante otrora más admirado de París es digna de las cinco nominaciones que obtuvo a los oscares de ese año. Porque?

Por partes, el guión es soberbio y escrito con una gran ternura y respeto hacia todos los públicos, desde los más pequeños hasta los adultos, (nótese la “perspectiva”) y con unas decisiones radicales que como ya dijimos, se concretaron en plena producción; por ejemplo citar que el personaje del chef Linguini no debía morir!  Ésta es sin duda la base del trabajo de Pixar, quienes en mi opinión son pues lo peor que pudo sucederles a Disney, la aparición de esta empresa y sus historias no sólo pone en ridículo las obras históricas de Disney sino que también les crea una dependencia artística y comercial que no parece tener fin.

Luego está el sumamente cuidado aspecto técnico, ver los adoquines en las calles de París, las luces nocturnas, la vestimenta de los peatones y comensales, los detalles de la cocina incluyendo el soberbio color de los ingredientes, el sonido, la iluminación, la fotografía, la animación que hizo famoso al equipo de Bird dos años atrás con ‘Los Increíbles’, es impecable.

 

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Y al final, la perspectiva; es casi una paradoja pero muchos de nosotros provenimos de una generación que debía leer a Esopo, Saramago y otros cuentistas de siglos atrás cuando de repente no somos capaces de ver de cuidar y de apoyar al nuevo talento como Remy, seguimos creyendo que la animación es un mero entretenimiento infantil, es un craso error que venimos cometiendo como sociedad y espero de mucho corazón que eso cambie, además una película tan hermosa, deliciosa, sencilla y profunda como ‘Ratatouille’ así lo comprueba.

Una pequeña autocrítica

Hasta este punto Brad ya recogía su segundo Oscar y estaba nominado a muchos otros más, consiguió poder y un prestigio artístico en la industria que él deseaba utilizar para llevar a cabo su obra más ambiciosa llamada ‘1906’. Esta obsesión de Bird no tendría apoyo financiero y operativo aún juntando Disney y Pixar y recién este 2011 se indica que se apoyarán con la misma Warner Brothers para llevar a cabo este proyecto. ‘1906’ trata de los terribles sucesos antes, durante y después del terremoto de San Francisco en el mencionado año y de la corrupción local y persecución policial tras esa tragedia, al menos eso dicen. Pero Bird tuvo que resignar su idea para un descanso merecido, que no se dió por mucho tiempo cuando veamos el hasta ahora último film de este especial.

Ahora toca colocar dos puntos en el tapete y que muestra una evolución cualitativa en lo que respecta a ‘Ratatouille’ y su estudio respecto a las otras. Son aquellos pequeños detalles No-Disney que un arriesgado como Brad deseaba explotar más en la pantalla pero que al final se quedaron en anécdotas, el primer detalle es la escena entre Colette y Linguini cuando ella le enseña las bondades de las verduras para ser cocinadas y le dice que para conseguir las mejores, o se las cultiva ó se las obtiene mediante favores, acto seguido vemos a uno de los cocineros ‘sobornando’ al distribuidor para conseguir verduras de calidad; díganme y sean francos… qué le dirían a un niño si pide explicaciones frente a este pequeño pero real detalle?

 

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El segundo detalle trata de la conversión de Anton Ego (a quien Peter O’Toole pone la voz) tras volver a su memoria los recuerdos de su inocente niñez, antes de convertirse en crítico, antes de convertirse en un ser rudo y duro que daba mala leche, su parlamento es sin duda una de las mejores muestras de cine adulto, autoreflexivo y visionario, que me llegó a definir lo que hago en este blog sólo como reseñas y no como críticas, no comentaré más:

En muchos sentidos el trabajo de un crítico es fácil. Arriesgamos poco, porque gozamos de una posición que está por encima de los que exponen su trabajo y a sí mismos a nuestro criterio. Nos regodeamos en las críticas negativas que son divertidas de escribir y de leer; pero el hecho más amargo que debemos afrontar los críticos es que, a la hora de la verdad, cualquier producto mediocre tiene, probablemente, más sentido que la crítica en la que lo tachamos de basura. Pero hay veces en las que un crítico realmente se arriesga en 'pro' del descubrimiento y la defensa de algo nuevo. El mundo es hostil para los nuevos talentos y las nuevas creaciones; lo nuevo, necesita amigos.
 
Anoche yo viví una nueva experiencia, una comida extraordinaria procedente de alguien singularmente inesperado. Afirmar que tanto la comida como el cocinero han cuestionado mis ideas preconcebidas sobre la buena cocina, sería quedarse muy corto. Me han estremecido hasta lo más profundo. En el pasado, nunca oculte mi desdén por el lema del Chef Gusteau “Cualquiera puede cocinar”, pero me doy cuenta de que no había comprendido realmente lo que quería decir con ello. No es que cualquiera pueda ser en un gran artista, sino que los grandes artistas pueden proceder de cualquier lugar.
 
Resulta difícil imaginar orígenes más humildes que los del genio que cocina hoy en Gusteau's, y que, en opinión de un servidor, es nada menos que el mejor Chef de Francia. Volveré pronto a Gusteau's hambriento de creacionesl ”.
 

Sigue el especial de Brad Bird en el blog:

Brad Bird: ‘Los Increíbles’

Brad Bird: ‘El gigante de hierro’

Brad Bird: dirigiendo a ‘Los Simpson’
Brad Bird: el joven animador de Disney
Brad Bird; narrador con mucha humanidad

domingo, enero 22, 2012

‘Yo no tengo muchos amigos’; muchachos de hoy

 
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Es cierto que en la sociedad de hoy, la gente piensa que si no tienes amigos eres alguien extraño. Pero con eso… acaso no se equivocan un poco? ”.
- Kodaka.

 

‘Boku wa Tomodochi ga sukonai’ comenzó su camino como novela ligera el 2009, éste es un camino muy utilizado ahora y que asegura que una historia de ficción tenga una buena base literaria para ir por otras plataformas. Es como tener primero el guión de lo que se quiere contar y en Japón nuestra diosa Suzumiya nació en este circuito, el literario. El año 2010 la Media Factory como editorial comienza la edición en manga de esta interesante novela y sin perder tiempo, en un esfuerzo contrareloj y bajo la dirección de Hisashi Saito y el estudio AIC se comenzó con la serie animé ordenando 12 capítulos, recientemente finalizados. Ante nosotros podemos estar hablando de una de las series modernas más interesantes, compactas y reales de los últimos años, veamos pues qué se dice sobre ellos.

Las amistades de hoy, virtuales y reales

Kodaka ha ingresado a una escuela católica con una fama de poco social, contribuye para ello una imagen de chico delincuente, cabello rubio y rasgos anglo debido a su padre japonés y su madre inglesa. Un día descubre que Yozora, una de las chicas más populares de la escuela (y de cabello negro), tiene una disfunción personal: no sabe cómo hacer amigos reales y se apoya en sus amistades imaginarias lejos de la verguenza que arrastra este descubrimiento. Cuando ambos cuestionan la validez de los amigos en carne y hueso que les establece la adolescencia educativa aparece una hermosa y guapa rubia de nombre Sena. Sena es la hija del director y a pesar de su alto nivel académico es arrogante y soberbia, le gustan los videogames (especialmente los erogames) y ya no puede socializar con las chicas de su curso.

 

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Basta con estos tres muchachos para entender la mayoría de los aspectos de la juventud mundial, en una sociedad que descuida mucho la formación personal del individuo da mucha satisfacción que en un país como Japón, donde la gente trabaja sobrehoras, se haga una comedia juvenil en base a tres vidas desoladas y que se tienen a ellos mismos para complementarse. Kodaka no cree en la sociedad y se comporta como rebelde cuando puede pero desarrolla preocupación por sus nuevas amigas. Yozora utiliza el insulto y la tiranía con Sena como medio para sentirse superior y complacerse a ella misma mientras que Sena, chica insegura y triste donde las haya, se protege en sus juegos y en su mundo prefabricado de todo lo que la vida real le niega, pero anhela tener amigos de verdad.

En un arranque de originalidad (estoy siendo sarcástico), Yozora, Kodaka y Sena fundarán el ‘Club de los Vecinos’, un nuevo club estudiantil que poco a poco irá traendo otros miembros igual o más extraños que sus fundadores; y para no perder el carácter comercial la serie nos brinda historias plásticas, escenas muy poco definidas en cuanto a la sexualidad de estos muchachos, humor negro bien mostrado y una animación que sobresale por el grandioso uso del color en detrimento de los detalles, que no son tan relevantes. Es cierto que peca de mucha ingenuidad por el montón de clichés que tiene (como la hermanita de Kodaka, una pequeño emo obsesionada con lo gore), pero desde hace mucho que no me divertía con un animé ligero. También es justo decir que como serie testimonial nos sirve mucho, porque dibuja los trazos de las nuevas formas de ver la amistad.

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viernes, enero 20, 2012

Jim Carrey; The Best Of

 

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Nacido el 17 de enero de 1962, acaba de cumplir 50 años uno de los actores más importantes que ha dado la comedia americana en los últimos tiempos, carismático de principio a fin y con unas ganas de sobrevivir a sus propias decisiones; hoy a llegado el momento de reseñar lo Mejor de Jim Eugene Carrey, sin más. Este actor canadiense admirador confeso de Eckhart Tolle, comenzó su carrera en el cine en los años 80 siendo un perfecto desconocido durante una década. No le iría mal cuando su talento cómico sorprendió a todos con ‘Ace Ventura: detective de mascotas’ (1994) superándose con papeles clave como ‘La Máscara’ (1994) ó ‘El Grinch’ (2000) pero también ofreciendo actuaciones lamentables ó cuestionables fruto de sus malas elecciones por pésimos guiones, en bodrios como ‘Dick y Jane’ (2005), en ridiculeces como ‘Batman Forever’ (1995) ó en intentos de drama/suspenso como ’Número 23’ (2007).

Aún así nadie le puede desconocer 30 años de trabajo arduo y variado, trabajando con versatilidad en varios personajes difíciles e imponiendo una personalidad arrolladora desde el primer minuto que se puede ver su presencia en la pantalla, esperemos que Jim nos pueda dar más en los siguientes años, de momento recordemos 10 actuaciones memorables y antológicas:

No. 10. Me, Myself & Irene (2000). Jim en el papel de un policía y padre de 3 hijos afros muy inteligentes que sufre la llegada de Irene, una magnética Reneé Zellweger; para vivir una aventura rural divertida y nada complicada. Ah! por cierto que también actuaban Chris Cooper y Richard Jenkins.

No. 09. Tonto y Retonto (1994). En dúo con el desaparecido Jeff Daniels en otra película de los hermanos Farrelli. Tanto su Lloyd como el Harry de Jeff merecieron audiencias en todas partes, una serie de televisión animada y una precuela lamentable, jeje.

No. 08. Bruce Todopoderoso (2003). Hasta ahora su única colaboración con Morgan Freeman, Jennifer Aniston y Steve Carrell; no es un film demasiado notable por los absurdos diálogos de una historia sobre poder y responsabilidad con fondo cómico… pero desde otro punto de vista… cuándo volverán a juntarse estos 4 actores? Sólo Dios sabe.

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No. 07. Una serie de eventos desafortunados (2004). Olaf, el Conde Olaf. Gran creación e interpretación artística de un Jim Carrey iluminado que puede cargarse tres personajes distintos a la vez y haciéndoles la vida imposible a los hermanitos Baudelaire.

No. 06. Man On The Moon (1999). Película infravalorada que trata sobre la vida del comediante Andy Kauffman, Jim hace un papel celebrado y bajo la dirección de un Milos Forman poco dedicado. Aún así es capaz de presentarnos la vida de Andy incluyendo su faceta de luchador wrestler. Le acompañaban Paul Giamatti, Danny De Vito y Courtney Love.

No. 05. The Cable Guy (1996). Millones odian esta película, dicen que raya lo absurdo y que insulta la inteligencia de los espectadores. Yo no pienso así, pienso que es una película que ubica la comedia trágica a un nivel muy alto, la historia de Chip Douglas (o Ricky Ricardo? jaja) que atormenta a Steven, el contratista de Tv por cable; alcanza cotas de humor negro que pasan a la historia como la escena del karaoke. Algo lamentable? Matthew Broderick, uno de los peores actores de su generación.

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No. 04. La máscara (1994). Nada que decir. Significó toda una sensación en su tiempo, por la historia infantil, por la aparición de una preciosa Cameron Díaz, por los efectos especiales y por la cara verde de Jim.

No. 03. Eternal sunshine of the spotless mind. (2004). Tristemente y hasta ahora, el último gran papel de su vida. Michel Gondry dirigiendo a Jim y a Kate Winslet en la mejor historia del cine sobre amor y olvido. Joel Barish y los tres tintes de cabello de Clementine son ahora recordados como íconos del cine moderno.

No. 02. El Grinch (2000). Si Jim puede declarar sobre su legado en el futuro, podrá decir con mucha seguridad de que fué el protagonista de una de las más grandiosas historias navideñas del cine. Su Grinch y el manejo de maquillaje facial sumado a la voz que le imprime al personaje le dan de por sí, el sitial que se merece como actor consumado de comedia.

No. 01. El Show de Truman (1998). Una de las mayores injusticias cuando se habla de premiaciones a las actuaciones, haber olvidado su interpretación de Truman en los Oscars 1999 y más lamentable fué que la Academia le invite a presentar un premio en esa ceremonia. Con razón los Oscars pierden cada vez relevancia! Truman y Jim se funden en la vida de un joven a quien le han engañado toda su vida, en el reality show más crudo y hambriento de rating que se haya visto en la pantalla. Peter Weir filma una obra protesta y el dibujo de Carrey casi parece natural. Hasta la fecha es la cima de su carrera.

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Gracias por la lectura!!!

jueves, enero 19, 2012

‘Misión Imposible III’: frenética y nerviosa

 
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Lo que yo venda y a quién le venda debería ser lo último que te deba preocupar…. Ethan”.
- Owen Davian.

 

Desde el primer momento que nos metemos en la continuación de la saga de Tom Cruise ya percibimos algo diferente, algo que no se notaba en las dos anteriores entregas y algo que marca la pauta de éste y varios otros films del género: el estilo televisivo de acción, para ello tenemos que hablar de un hombre que está marcando este pulso dentro del cine, alguien que ya conoce cómo seducir audiencias con trucos pequeños y planos cercanos a la cara de los protagonistas, alguien como J.J Abrams.

Abrams ha nacido por y para las artes cinematográficas pero comenzó en la televisión, de su mente y sus equipos de producción logró convertirse en uno de los artífices de la creación de series modernas dedicadas a la acción, a la ciencia ficción, al suspenso y al detectivismo, de esa forma es difícil no asociar actos como ‘Alias’, ‘Felicity’, ‘Lost’ y ‘Fringe’ como creaciones de éste personaje que es un genio para unos y un mero actualizador spielbergiano para otros. Creador, productor, compositor, guionista y director consumado de TV. Éra el indicado para que alguien como Cruise, con su habitual olfato comercial (y luego artístico) le encargue su primera película como director tras no lograr concretar con David Fincher (por increíble que parezca) y tras descartar a Joe Carnahan por diferencias creativas. Corría el año 2006 y Cruise deseaba darle otro tono a su criatura.

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Ethan Hunt y el guión, torturados

Ethan quiere sentar cabeza con su novia Julia y está comprometido para casarse. Pero le llega la noticia del secuestro de una de sus pupilas, como quiera que le une emocionalmente la situación de su protegida se va a rescatarle con un equipo de la IMF fracasando en su intento pero anotando con la captura del traficante de armas (un correcto Philip Seymour Hoffmann) detrás de la operación que seguía su estudiante. Lamentablemente descubre que el traficante Owen Davian tiene más colmillos y poder de lo que aparenta e inmediatamente comienza su castigo contra Ethan y su íntimo entorno.

Siendo sinceros con lo resumido…. alguién ve una historia aquí? un argumento interesante? ó sólo una excusa para colocar explosiones ó persecuciones? Sí, ‘Mission Impossible III’ está más cerca visualmente de ‘Bad Boys’ (Michael Bay) que de ‘La Supremacía de Bourne’ (Paul Grengrass). Es decir, que este guión estaría condenado al fracaso a pesar de que incluye una buena escena clásica como la intervención del equipo en el Vaticano. Por lo demás es una historia más simple y aburrida que su antecesora y casi cayendo en el ridículo por unos diálogos poco trabajados y la existencia de algo llamado ‘pata de conejo’… pero no contaban con la astucia de J.J. Abrams quien de forma inteligente elige algunos planos de cara directa (como exageraba en ‘Lost’), otros planos de frenético movimiento (como la escena del puente) y exprime a todo el equipo de montadores, maquilladores, editores de sonido y efectos especiales que tiene a su cargo. Incluso se presenta inteligente trabajando con Michael Giacchino en la banda sonora. Qué resulta de su dirección? salvar el guión que estaba condenado al olvido y eleva una película sencilla a otra que ofrece un entretenimiento nervioso, de acción y potencia, nervioso de principio a fin.

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Una trilogía que cumplía

No hay más -en lo personal- que comentar para ‘Misión Imposible III’, talvez indicar dos aspectos que se podrán medir en el tiempo: que fué la primera dirección en cine para J.J Abrams, quien se mostró muy soberbio pero dueño de su talento en la preciosa ‘Star Trek’ pero bajó las revoluciones en su homenaje a Spielberg en ‘Super 8’. Como conjunto los films de esta saga ofrecían un estilo nostálgico como la dirigida por Brian De Palma pero se modernizaba de forma muy exagerada como la dirigida por John Woo. No importa mucho que hablemos de sus directores, para ser claros hay que recordar al dueño completo de esta trilogía: Tom Cruise, el segundo aspecto que debemos recordar. Sus decisiones han determinado un conjunto que funciona en la acción pero que no se cuestiona ni en lo más mínimo al sistema de poder de centros como la CIA ó el FBI. Por eso el IMF parece poco cuestionable, una organización que puede albergar traidores y salvadores como Ethan Hunt, el típico norteamericano que salva el mundo.

Pero al caprichoso no le bastaba con ello, y volvió a convocar a las masas el 2011, ya nos espera ‘el Protocolo Fantasma’.

 

Sigue el especial en el blog:

‘Missión Imposible II’: mayor exageración sí era posible
‘Misión Imposible’: la reinvención del cine de agentes

domingo, enero 15, 2012

Brad Bird: ‘Los Increíbles’

 

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Pero papá siempre dice que no debemos avergonzarnos de nuestros poderes, que nos hacen especiales.
- Todos son especiales Dash.
- Ésa es otra manera de decir que nadie lo es.”
 

Después del éxito crítico pero con bajo desempeño comercial de ‘El gigante de hierro’ Brad sentía una presión profesional y familiar de gran magnitud, de manera que al tiempo debía lidiar con la vida en familia y ver las siguientes opciones que le presentaran. La Warner Bros había adquirido el guión de Brad el mismo que contenía una maqueta original en base a la transformación social de varios superhéroes que son retirados por la misma sociedad, argumento muy maduro pero difícil de vender al público infantil. Aun así la WB seguía programando a ‘Los Increíbles’ para ser desarrollado como una película en 2D, empero, el desastroso desempeño de ‘Looney Tunes: back in action’ precipitó la liberación del guión y al no tener compradores directos el mismo Brad se hizo con los derechos de su propia idea.

Presentó su guión a John Lasseter quien fuera su viejo compañero de la preparatoria, John vió una gran oportunidad y programó el proyecto dentro de Pixar con un calendario ajustadísimo con Brad como director, prácticamente le entregó un equipo talentoso y la motivación de ser el primer film animado de Pixar con protagonistas humanos y para ello, quién mejor que Bird?

 

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La familia y la nostalgia de los hombres inmaduros

En ‘Los Increíbles’ asistimos a la traumática transición de dos superhéroes contemporáneos: Elastic Girl y Mr. Increíble (Helen y Bob), quienes enamoran y deciden casarse para continuar con sus aventuras, batallas contra los villanos y también atender esta nueva causa que es el matrimonio. Empero la sociedad ya no siente la protección de éstos y otros tantos superhéroes por lo que se ven obligados al retiro silencioso y anónimo para rehacer sus vidas como seres comunes de la sociedad. Para Helen esto representa realmente un alivio porque preveemos que quería ser una madre trabajadora y una esposa tradicional, es decir, que deseaba formar una familia, pero el caso de Bob es crítico ya que sufre de retronostalgia por sus éxitos pasados, por la fama, el poder y la popularidad que tenía Mr. Increíble y aparta su papel como Bob, el esposo. La crisis del adulto varón que no acepta el tiempo de sus glorias pasadas.

Y éste es mis amigos el mayor logro de la película de Brad Bird, su completa honestidad al mostrarnos directamente la frustración de Bob en su vida actual, el camino irresponsable que toma al ingresar en nuevas aventuras y de cómo arrastra a su familia en su problema. Sobre este concepto somos agraciados con un film de animación que hace bien en potenciar el guión, de dibujar correctamente a los personajes y de entretener, porque parece tan difícil entretener sin caer en vergonzosos clichés! Pero en ‘Los Increíbles’ no hay soberbia, sólo una historia de una familia frente a su destino.

 

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Formas y fondos de un film premiado

Uno debe sumergirse en el DVD de la película para averiguar el gran trabajo encargado a Bird y su equipo en Pixar. Los personajes por ejemplo, son una colección de homenajes y parodias a la cultura americana de los superhéroes y es una respuesta al modo de Pixar de cómo se ven ahora estos seres sobrehumanos y poderosos, de forma contestataria a editoriales como DC o Marvel, casi como deseando emular a lo que hicieron los de DreamWorks con ‘Shrek’ (Andrew Adamson, 2000) sobre cómo veían a los (in)tocables personajes de cuentos de hadas de Disney. Es una película sobre la adaptación, de cómo algunas personas logran pasar por las etapas de la vida como Helen, Frozone y en especial la espectacular y carismática Edna Modas. Pero también es un relato sobre la familia y los problemas internos de cada día (como la cita con la que abrimos este post); es un relato sobre lo clásico y lo moderno que vemos en el uso de las tecnologías en el antes y después del matrimonio de los Parr, y también es una película sobre las decisiones tempranas como aquella que origina la transformación de Incrediboy en Syndrome.

Lejos de toda duda, los arriesgados pasos siguen vigentes hoy en día: la música de Michael Giacchino nos transporta a los mejores momentos de Bernard Herrmann ó Lalo Schiffrin ó de todos los músicos en los films de James Bond. El montaje y la estrategia de animación de las personas humanas nos hacen pensar que a Pixar no les costó nada pasar de animalitos parlantes a humanos con superpoderes, además que el tratamiento de sonido y efectos visuales son totalmente soberbios. Cuando se hace entretenimiento en base a éste modelo Pixariano –del cual hablaremos en el siguiente post de Brad Bird – no habría razones para salir mal de una sala de cine, y en este caso menos.

Nominada a 4 premios Oscar, logró derrotar en una decisión seguramente complicada a la que estaba considerado como gran favorita: ‘Shrek 2’ de Andrew Adamson, además que recogía la estatuilla a mejor edición de sonido. A Brad le esperaba ahora una nueva historia de Pixar, pero al contrario de ‘Los Increíbles’ ésta era una historia por encargo que el estudio le encargaría tras retirar al primer director designado, se trataba del amor de un ratón … por la cocina.

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Sigue el especial de Brad Bird en el blog:

Brad Bird: ‘El gigante de hierro’
Brad Bird: dirigiendo a ‘Los Simpson’
Brad Bird: el joven animador de Disney
Brad Bird; narrador con mucha humanidad

viernes, enero 13, 2012

Escenas inolvidables: 'Kare Kano': Arima descubre que está enamorado




Obra clave para entender el animé romántico, muchas cosas se pueden decir y se van a seguir diciendo de 'Kare Kano', tal como ahora; considerada allá arriba en la cima de las más grandiosas series de animación de todos los tiempos. Hay que decir las cosas como son.

Pero hoy no escribiremos mucho, sólo nos dedicaremos a recordar una de las tantas escenas importantes en esta historia íntima que trata de dos muchachos enamorados: Arima y Yukino. Tras quedarnos muchos episodios con los pensamientos más personales de Yukino, la serie nos ofrece un capítulo íntimo sobre la personalidad de Arima y la llegada de Yukino a su vida y a su corazón. Una escena del recuerdo que es más bien una anécdota porque recuerda cómo otra chica deseaba confesarle sus sentimientos y él, tras acudir a la cita antes de lo previsto se encuentra por accidente ('accidente', jeje) con Yukino.

En fin, a recordar se dijo. En otra entrada volveremos a recordar las memorables sensaciones que nos ha dejado en el tiempo la serie de Hideaki Anno.



sábado, enero 07, 2012

‘El Árbol de la vida’; pretenciosa, sublime y difícil de ver

 
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Cuándo tocaste mi corazón por primera vez?”.
 

Dedicado a mi abuelita Juana:

Recuerdo la primera vez que me encontré con Terrence Malick, y sufrí, sufrí tanto que mi corazón quedó dolido con su trabajo pues tuve que sobrevivir a la mastodóntica ‘La delgada línea roja’ (1998) y fué la que abrió toda mi curiosidad sobre el estilo de este director. Pero estaba totalmente equivocado, no era un director! es una leyenda viviente, una persona trastornada y un artista con una gran reputación. Cineasta, fotógrafo, geólogo, filósofo, guionista, periodista, productor, artista introvertido, ermitaño, alguien poco sociable, caprichoso pero como pocos, un genio de lo visual y narrativo que se encuentra en el olimpo de los mejores directores vivos. Porque? si a sus 68 años sólo ha hecho 5 películas en su vida y la tercera la hizo después de 20 años? Quién es Terrence Malick? y aún más importante… Porqué el 90% de los actores de Hollywood enloquecen para trabajar con el?

Es algo difícil de explicar y para ello requiero hacerle un especial (de verdad que sí lo haré), pero puede resumirse en lo siguiente: nacido en Waco Texas (esto también es discutible) en 1943, Terrence sacó su corto ‘Landon Mills’ en 1969 para trabajar como guionista 5 años. Le llegó su oportunidad en la dirección a sus 30 años dirigiendo a un joven Michael Sheen en la preciosa y juvenil ‘Badlands’. Luego le siguió ‘Days of Heaven’ (1978) con Richard Gere; un film algo menor que el anterior en fuerza expresiva pero mayor en fuerza visual. Luego Malick se embarcó en un exilio artístico y personal para volver 20 años despúes con una multitud de actores actuando para él en ‘La delgada línea roja’ cerrando su filmografía el 2005 con la preciosista aunque contemplativa ‘El Nuevo Mundo’. Tardó 5 años en escribir y producir ‘El Árbol de la Vida’ (‘The Tree of life’), una producción que cambió muchas veces y se rodó en total hermetismo tal como él deseaba aunque no fué como originalmente se concibió: el papel de Brad Pitt estaba reservado para Heath Ledger.

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El cine como medio para hablar con Dios

La familia O’Brien es una autobiografía de la vida de Malick en Texas y para mayor morbo cabe resaltar que Terrence perdió a un hermano que iba a ser músico en condiciones trágicas, muchos dicen que fué suicidio, muchos no lo saben a ciencia cierta. Pero en la película debemos reconstruir todos los hechos por una estructura que no lineal y que cambia entre lo imaginario y lo fantástico sin perdonar al expectador. Brad Pitt y Jessica Chastain son los esposos O’Brien y es ella quien recibe la fatal noticia de la muerte de uno de sus tres hijos. Jack recuerda todo eso ya de adulto (un soso Sean Penn) y con él asistimos a sus memorias: la vida con sus dos hermanos, con su conflictivo y complejo padre y con la ternura de su bella madre, asistimos a sus recuerdos más tristes y alegres, los más sencillos y los más complejos, asistimos a una confesión del mismo Malick sobre la vida rural de una familia cualquiera de los Estados Unidos, que ha sufrido la muerte de uno de sus integrantes, a las luces y a las sombras de un pequeño microuniverso.

Pero Malick sigue sin dominar sus técnicas pretenciosas y en su narración (si se le puede llamar así) también caben los pensamientos del padre donde Pitt encarna la dureza paternal de una forma totalmente terrenal. Su presencia crea temor, resentimiento y odio; ocupa los recuerdos de Jack de una forma cruda, su padre es la oscuridad en su vida. Pero Malick también nos presenta los pensamientos de la madre donde Chastain encarna el amor maternal de una forma celestial.Su presencia crea cariño, protección y libertad; ocupa los recuerdos de Jack de una manera cálida, su madre es la luz de su vida, y más que eso; se vuelve el vehículo para que el microuniverso de esa pequeña familia conduzca - bajo las dudas de una mujer que ha perdido trágicamente a su hijo – a ver el macrouniverso que se ha creado para cobijar a una galaxia, a una vía láctea, a un sistema solar, a un sol, a una Tierra, a la vida y al ser humano.

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Sí, así de pretencioso ha sido y será Malick. No le importa el qué dirán.

Sobre sus inclinaciones religiosas no se conoce mucho pero lo más seguro es que Malick cree en Dios. Yo no lo niego, sino porqué estaría viviendo ahora escribiendo sobre esta película? pero no me considero apto para creer basado en alguna religión. Terrence en cambio sí tiene bases dado sus estudios y sus propias dudas existenciales que ahora se vuelven más íntimas y más desnudas que nunca. Quiere hablar con Dios, no hay duda; la madre O’Brien busca respuestas al dolor y la resignación que sufre y se pregunta el porqué. Quién no se preguntaría eso? Y Terrence nos proyecta la creación del universo, así de directo, no contento con ello nos regala el nacimiento de la vida en la Tierra, Y va más allá… nos muestra (aunque improbable pero más significativa por su remota posibilidad) que existía sentimientos, como la piedad, en los seres vivos; para ello vemos como el pequeño dinosaurio siente lástima por su presa. Si hasta este punto no se han movido los pilares del existencialismo, pues algo tenemos de malo en nosotros mismos.

 

…Pero no se controla el desenlace

Pues claro que no es cine comercial y para ello las entradas a las proyecciones del film en otros países daban la opción de retirarse de la sala con devolución del costo si el expectador así lo quería. Es un cine muy intimista, demasiado preciosista y demasiado caprichoso en forma y fondo. Sin control como siempre y sin un cable a tierra, Malick duda en todo lo que respecta al personaje de Jack en el presente. Dicen que el mismo Sean Penn aceptó dolido la forma en que se presta su personaje en las escenas de la ‘actualidad’ y cuando debe reencontrarse con sus recuerdos, con su yo de niño y con sus padres pues vemos un punto bajo en el film: los efectos no son eficientes, parece un desenlace sin tono con todo lo que ya se había visto y esa playa y esas ‘visiones’ no son del todo coherentes con el momento espiritual de Jack, extraña ya que teniendo a lado a un maestro de la fotografía como Emanuel Lubezki bien podía mostrarse de otra forma, qué sé yo… como sueños.

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Pero es buscarle tres pies al gato, primero porque si uno no se encuentra acostumbrado a su ‘cine’ no habrá dudas y simplemente causará desinterés ó incluso desprecio, no es una película comercial, reiteramos. Y segundo, porque si uno acepta la propuesta de Terrence y le acompaña hasta el final pues obtendremos al final una sensación amarga por el viaje terrenal y cósmico al que hemos asistido: del universo y de la pequeña familia, y ante todo del amor y del odio.

En el campo técnico, Lubezki es dueño (lo firmo ahora) de los premios a mejor fotografía que se vayan a dar, pero también deberían nominar a Alexandre Desplat quien presenta una banda sonora soberbia y cede en los caprichos del director según su conveniencia; música clásica como Brahms se darán la mano con óperas impuestas para crear efectos audiovisuales expectaculares, como la suite 'Lacrimosa’ de Preisner en el inicio del universo. Todo lo que requieren es paciencia, tolerancia y amor al cine, hay que decirlo como es.

Cine pretencioso de autor, ‘El Árbol de la vida’ no invita a reflexionar sobre cine, sino sobre la vida.

lunes, enero 02, 2012

Brad Bird: ‘El gigante de hierro’

 
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Yo no soy arma”.

La historia detrás de ‘El Gigante de hierro’ (Brad Bird, 1999) es complicada pero puede resumirse de la siguiente manera: en el año 1968 Ted Hughes sacó la novela ‘El hombre de hierro’, que narraba la llegada de un alienígena robot a un pueblo norteamericano en plena guerra fría entre los Estados Unidos y la Unión Soviética. Años más tarde el músico Pete Townshed de The Who adaptaría en forma de ópera rock este relato para el año 1986 y expresó su deseo de llevarlo al formato de película al tener una experiencia satisfactoria con ‘Tommy’ (Ken Russell, 1975). Pues entre todo ese viaje la Warner Bros y su división de animación compraba los derechos y sumaba a Pete como productor para una versión animada pero no con las condiciones adecuadas para la elaboración de semejante proyecto.

La WB tenía un descalabro económico tras el desastroso rendimiento de la anterior película de animación de los estudios, la torpe ‘Camelot’ (1998); que causó despidos y recortes terribles además de lastimar el orgullo de un estudio grande, empero los derechos se tenían desde 1994 y se le había ofrecido la dirección a Brad Bird quien entonces esperaba el momento para empezar con semejante labor. Brad insistió en una reescritura de la historia original para el guión y Tim McCanlies se encargó de la nueva versión el cual – cómo es el destino – los mismos Hughes y Townshed dieron el visto bueno al gustarles el nuevo script. Como se podrán imaginar y tras la aprobación de la WB se dió inicio a la producción de manera poco convencional: la supervisión del estudio era mínima por no decir inexistente y el reducido presupuesto asignado le dió a Bird una gran presión para exprimir el guión. No todo era negativo porque tenía a su favor una gran libertad creativa que a la larga y en función del tiempo, podemos decir que fué totalmente beneficiosa.

 

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La inocencia de un niño y un amigo robot

Hoghart Hughes y su madre viven cerca del tranquilo pueblo de Rockwell en Maine, pero una noche de 1957 una nave espacial llega con un robot gigante dentro; tras su llegada Hoghart le ayuda salvándole de las redes eléctricas y comienza una amistad sui generis, basado en la alta tecnología del extraño gigante y su antigua y desconocida programación como artefacto gigante. Queda esto establecido como secreto ya que no sabremos la historia pasada del grandote, no conoceremos sus antecedentes y el tono del film siempre tendrá el marco temporal del presente en el desarrollo de sus hechos. El gigante consume chatarra para su funcionamiento y los pobladores sospechan de sus autos mordidos y sus objetos extraviados, al poco tiempo un agente del gobierno llegan a Maine y se obsesionará con descubrir la verdad tras estos extraños eventos.

No se les hace muy conocida este inicio? pues sí, pero veremos más adelante cómo esta fórmula de encuentros cercanos con lo desconocido ha servido para crear interesantes propuestas cinematográficas, en este caso sin ir más lejos.

 

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En la versión de Bird Hoghart y el gigante entablan una amistad sincera basada en el aprendizaje del robot, cuando se ve la necesidad se recurre a otros secundarios (como el artista Dean) que colaboran escondiendo al gigante de los militares; la madre de Hoghart es otra referencia en la personalidad del muchacho ya que su protección le da seguridad para aventurarse a seguir con su gran amigo y con una madurez pocas veces vista en los niños de este tipo de films, le enseña las cosas bellas y también horrendas del planeta donde ha ido a parar.

Vale poner aquí dos escenas del film que muestran la forma de dirigir una historia prestada y resaltar sus fuentes, por ejemplo en una de las escenas veremos la muerte de un venado por un grupo de cazadores y la reflexión sobre la vida y el alma. Como otro ejemplo Hoghart le enseñará a su amigo la existencia de figuras fantásticas como Superman (en una revista de cómics de la época), símbolo del bien y la justicia y que como el mismo gigante, provienen de un lugar lejano y ajeno a la Tierra.

 

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Lo vimos antes y lo seguimos viendo ahora

En este sentido debemos agradecer la fotografía y efectos especiales dignos de un buen film americano de animación clásica, es que siendo sinceros, la mayoría de ellos queda por debajo de las habilidades plásticas y técnicas de la animación japonesa. No en vano el rediseño del gigante recuerda a los guardianes del castillo en la mítica película de Hayao Miyazaki: ‘El Castillo en el Cielo’ (1986) y no es extraño recordar referencias de la inocencia de la niñez y sus ganas de superarse en las obras del maestro japonés. Sería injusto no mencionar la influencia de ‘E.T. El extraterrestre’ de Steven Spielberg, cuyo parecido en el inicio y en ciertas formas guarda estrecha relación y que alguien como J.J. Abrams (por cierto que él mismo recomendó a Bird para su primer film fuera de la animación) intentara llevar a una escala más grande en su poco original ‘Super 8’ (2011). Da más gusto notar algo mayor: que el film de Bird se mantiene por sí sola hasta su gran desenlace.

Y eso es una lección de producción animada: ese presupuesto (70 millones de dólares) sólo le dió un problema para no tener una película perfecta: su comprimido tiempo de 86 minutos. Pero suficientes para que Brad nos muestre la Norteamérica temerosa por la guerra nuclear hasta llegar a la locura de sus propios mandos militares, de meter música de los 50s, de homenajear el cine negro y de mostrarnos un cine familiar sobre inocencia y sobre tolerancia que merecía más de lo que se muestra. No le fué bien en la taquilla debido a la pobre campaña de la WB pero los años le han dado un estatus de culto, se volvió popular en los alquileres de films, en las ventas pequeñas y en el íntimo círculo familar. La crítica se rindió frente a este sencillo relato (97% en Rotten Tomatoes) y dijeron que es la mejor película animada no-Disney que se ha hecho hasta la fecha; también le dió reconocimiento merecido a Brad, quien se tomaba en serio su carrera.

Brad ya no volvería más al cine animado de dos dimensiones.

Trailer

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Brad Bird: dirigiendo a ‘Los Simpson’
Brad Bird: el joven animador de Disney
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