jueves, septiembre 29, 2011

Escenas inolvidables: la ciudad del futuro en ‘Ghost In The Shell’

 

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Preparados todos que en Noviembre celebraremos los 15 años de la llegada a Bolivia de la leyenda, del fenómeno de masas, de la obra que completó el verdadero concepto de ‘futuro apocalíptico’ iniciado en 1988 con ‘Akira’ de Katsuhiro Otomo. Muchos de nosotros recordamos con aterradora fascinación cuando nos llegó el rumor de que ya se tenía el animé definitivo sobre cyborgs del futuro.

Y se llamaba ‘Ghost In The Shell’, basado en la obra de Masamune Shirow.

Lanzada en Japón en 1995 y distribuida en forma internacional al año siguiente, la película de animación del maestro Mamoru Oshii afirmó el nacimiento de una comunidad de seguidores al animé que quería saber más sobre el arte y la cultura del imperio del sol naciente. Ya no era suficiente lo que se nos ofrecía en la TV local y no sabíamos de muchos mangas, sabíamos que las verdaderas obras de culto tardaban en llegar y las revistas y los extintos VHs nos aliviaban la espera (con, por ejemplo, la mítica ‘Battle Angel Alita’). La llegada de ‘Ghost In The Shell’ revolucionó las historias occidentales sobre el futuro y las sociedades que se formaban, fué semilla de muchas otras grandes ideas sino, pregúntenle a los Wachowski y su ‘Matrix’ (1999).

En el primer film vemos de cerca las operaciones de la sargento cyborg Kusanagi en busca de un terrorista cibernético de nombre Puppet Master que infecta con su causa a otros cyborgs. Su investigación la conduce a adentrarse en las entrañas de las ciudades futuristas del 2029, en una de las escenas más recordadas donde se fusionan poesía, animación detallista, color, diseño, música y montaje ya clásicos, que transmite una sensación de contemplativa aceptación de lo pesimista frente a paisajes que pueden ser los nuestros, es decir, de nuestros tiempos, parece un tributo a ‘Bladerunner’ ó un homenaje a Hong Kong pero va más allá y la supera en muchos aspectos. Para hablar de su legado y de la discusión profunda sobre la fragilidad del hombre y del individuo destinaremos el mes de noviembre, para encontrarnos 15 años después con ‘Ghost In The Shell’.

A continuación la mencionada escena:

 

Se parece tanto a una ciudad que recuerdo!

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domingo, septiembre 25, 2011

‘El Origen del Planeta de los Simios’; simple y agradable sorpresa

 
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No! No! No! No! No! No!”.
- César.

 

Sin duda uno de los temas apocalípticos de mayor trascendencia en la historia del cine ha sido la saga del Planeta de los Simios, una leyenda de la cultura popular que comenzó con la publicación en 1963 de la novela homónima del francés Pierre Boulle y que trataba de una situación futura de la humanidad, donde el hombre era esclavo del simio, la nueva raza dominante en todo el mundo.

Es pues, un clásico de la ciencia ficción y representa más que eso. Su versión cinematográfica realizada en 1968 por Franklin Schaffner (el mismo que dos años después se llevó todo por ‘Patton’) goza de un recuerdo sólido gracias a una historia bien realizada, recuerden al astronauta Taylor quien descubre un planeta donde los hombres sucumben a los simios, quienes son dueños de una sociedad propia y donde el humano no es más que un mero animal molestoso. Tras el impactante final vinieron a nosotros las lógicas secuelas: la frenética ‘El regreso’, la necesaria ‘El Escape’, la débil ‘La Conquista’ y la mediocre ‘La Batalla’; donde se intentaba explicar toda la franquicia y el origen del dominio de los simios, con las tres últimas películas (demasiado televisivas) y una serie de televisión que hacían negocio por todas partes.

Ya para 1975 se había exprimido todo lo comercial y artístico de esta saga y se requirieron 25 años para que Tim Burton se hiciera cargo creativamente del reboot de ‘El Planeta de los Simios’, fué un fracaso en todos los sentidos y supuso una gran decepción para mucha gente, imagínense que se necesitaron 10 años para la resurrección de este concepto y cuando todos nos temíamos lo peor: director novel, mucho secretismo, James Franco involucrado, temática a lo ‘Episodio 0’ y poca información viral en el ambiente; llegó la película de ‘El Origen’ sin mucho ruido y nos encontramos con una gran sorpresa.

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Un film con ritmo adecuado

Pero lo más interesante de este nuevo reinicio son sus cifras: 93 millones de presupuesto para un tiempo de más de 100 minutos; y con actores que son de segunda mano: James Franco y Freida Pinto son el perfecto enganche a la audiencia juvenil y la presencia de John Lithgow y Brian Cox siempre garantiza credibilidad. Todos los saldos de producción menos sueldos a actores, guionistas, productores y técnicos debía usarse en efectos especiales, éste es el secreto del éxito de la película: efectos visuales y de sonido creíbles que acompañan a un guión sencillo, casi ligero y sin más pretensiones que entretener.

Will Rodman (Franco) es un científico que investiga una nueva solución farmacéutica en células del cerebro para aplicarlas en la salud humana, y mientras su empresa la considera un producto revolucionario que les dará millones para Will es un asunto de amor hacia su padre quien sufre de Alzheimer. Al parecer encuentra una cura en fase final y tras un accidente con los simios de laboratorio decide adoptar a un bebé primate, aparentemente soluciona la enfermedad de su padre mientras el recién llegado se convierte en integrante de su familia. Bautizado como ‘César’, este simio recibe una gran inteligencia proveída por la ciencia y recibe un gran cariño fraternal y familiar proveído por la familia de Will.

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El líder nace y se hace

Empero la poca adaptación del hombre hacia César le provoca problemas y pronto se ve en aislación obligado a aprender a vivir con los de su especie, debe someterse a un ciclo duro y rudo de aprendizaje. En este punto asistimos a una narración simple y contundente viendo al joven César sufrir por aprender, por entender al humano, por entender a su propia especie y más que todo, por darle un nuevo futuro a sus iguales. El hombre, ambicioso por naturaleza se le opondrá.

Dénle el mérito a Rupert Wyatt, este director y escritor británico que tras el éxito de ‘Los Escapistas’ el 2008 (hay que reseñar este film ché) repite un ejercicio de estilo con mayor presupuesto y mucha sobriedad, logrando unos efectos soberbios y efectivos en toda la animación de los simios y en especial de César: la siguiente criatura ‘digital’ con mayor calidad interpretativa desde el Gollum del Señor de los Anillos. Llegamos mis amigos, a simpatizar con César y con su causa, nos quedamos con él en sus horas felices y nos quedamos con él en su proceso de ascender al puesto de líder, por su correcta animación es que logramos simpatizar con los simios en la batalla final, y todo lo anterior sólo prueba lo que andan diciendo en todos lados: el film es una gran sorpresa.

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domingo, septiembre 18, 2011

Escenas inolvidables: la entrega de la espada a la novia en ‘Kill Bill Vol. 1’

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He terminado de hacer aquello que hace 28 años juré a Dios no volver a hacer. He creado ‘algo que mata gente’’. Y en ese objetivo tuve éxito. Hice esto porque, filosóficamente, me solidarizo con su propósito. Puedo asegurar sin presunción, que ésta es mi mejor espada. Si en tu viaje te cruzaras con el mismo Dios, Dios saldría herido”.
- Hattori Hanzo.
 Dentro de esa gran obra que es ‘Kill Bill’, el cuarto film de Quentin Tarantino (y que dentro de su filmografía es la que mejor mezcla la sangrienta violencia de venganza con el cine homenaje) somos testigos de una ejecución sencilla y elegante sobre la mística de las armas, es amplia en sus objetivos y todos ellos han sido totalmente logrados en la primera parte de la aventura de la 'Mumba Negra'.
Pues como todos recordamos la novia interpretada por Uma Thurman aterriza en Okinawa para buscar al gran creador de espadas, una leyenda viviente de nombre Hattori Hanzo (obviamente un guiño tanto al personaje histórico como el de videogames) con quien inician una conversación a principio muy cómica hasta que se revelan las verdaderas pretensiones de Kiddo. Hanzo accede a colaborar con la cruda labor y en la escena que todos recordamos justifica su aceptación, basándose en un razonamiento de equilibrio y justicia demasiado torcido con el punto de vista de la novia y también del espectador, que en este punto de la película sólo quiere ver en acción a Uma y verla servirse de ese ‘rico plato frío’.
 Gran escena de veras, para verla click aquí.

miércoles, septiembre 14, 2011

Satoshi Kon: ‘Millennium Actress’; la épica historia de una promesa

 
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¡Nunca cambiaré! ¡Le amaré siempre!” .
(Chiyoko)

 

Para el siguiente trabajo de Satoshi Kon tuvimos que esperar tres largos y duros años. Se cuenta que tras el extraordinario éxito de ‘Perfect Blue’ Kon deseaba adaptar la novela ‘Paprika’ empero la bancarrota de la distribuidora de su anterior film le motivó a otros rumbos. El productor Taro Maki le ofreció la dirección de otra historia con amplia libertad siempre que mantuviera su estilo de interrelación entre la realidad y la fantasía. Kon escribió  una historia fascinante junto a Sadayuji Murai y que le quitaría el horror psicológico que le hizo famoso antes, mantendría la débil barrera de la imaginación humana y añadiría un toque épico e histórico a su siguiente historia teniendo como protagonista a una actriz de cine y siendo testigos de la reconstrucción de su vida. Mis amigos, con ustedes, tengo el grato gusto de reseñarles una obra importante de la animación japonesa y del cine mundial, camino de convertirse en el clásico que se merece, diez años han pasado para que al fin se pueda admirar como corresponde a ‘La Actriz del Milenio’.

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Los recuerdos de un admirador

Genya Tachibana es un director experimentado que junto a su joven operador aprovecha la destrucción de unos estudios antiguos de Japón para visitar a la estrella retirada Chiyoko Fujiwara. Pretende hacerle un documental dada su gran admiración hacia su divina y respetada actriz y de paso aprovecha para devolverle un objeto preciado: una llave. Chiyoko ya es una señora de edad y comienza a recordar, junto con Genya, su asistente y todos nosotros como privilegiados expectadores… su maravillosa historia. Desde niña, su encuentro con el poseedor de la llave, un muchacho artista de quien queda enamorada a temprana edad y con quien promete reunirse luego de la terrible guerra, vemos sus aspiraciones, pocas alegrías y demasiadas frustraciones a la hora de buscar a su hombre; vemos el paso inexorable del tiempo, la evolución de la industria cinematográfica en Japón, en cambio de su sociedad y las duras condiciones que ella y su gente han pasado en estos últimos 80 años.

Pero nuestra protagonista es Chiyoko, en retrospectiva vemos sus inicios en el cine japonés, sus viajes y recuerdos confundidos con las protagonistas de sus películas, todo, pero todo es puesto a nuestros ojos en todas las edades de su país. Es una maravilla de guión que arriesga nuevamente a desdoblar las realidades para atraparnos con la brillante dirección del maestro, si bien Chiyoko recuerda su vida terrenal también se compromete, gracias a su papel de actriz consagrada, a brindar todo de ella para sus papeles de princesa medieval, de geisha, de dramática mujer moderna y de astronauta. Cuántos años, cuántas décadas y siglos cubren sus personajes? Chiyoko carga en sus hombros con mil años de historia, de pasado, presente y futuro.

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Amor infinito, sin tiempo y sin límites

Pero conocer el alcance del guión no es lo más importante del film, es más, se podría decir que es incluso un accesorio; lo más importante creo yo y de seguro los sabía el maestro Kon era brindarnos una historia de un amor eterno, romántica, sin tiempos y sin concesiones. Sufrimos al ver a Chiyoko aferrarse al recuerdo de un hombre casi imposible de alcanzar, duele verle correr para alcanzar un ideal a la que ella ha entregado su propio corazón (por eso la simbología de la llave es más dolorosa de lo que parece a primera vista), y afecta verla entregada a sus papeles para cumplir con una promesa difícil de hacerse realidad, Kon dirige a una figura animada con la suficiente vida para hacernos creer que es real, porque como Chiyoko, muchas personas pueden llegar a amar sin importar distancias y sin importarles el tiempo.

Es pues, un perfecto milagro! comprimir semejantes emociones en una película de 87 minutos, animada con mucho esmero, utilizando de forma exacta y exquisita los colores y los matices para las locaciones y edades de Chiyoko; con planos clásicos, con homenajes al cine de todos los tiempos (como ‘Trono de Sangre’ de Kurosawa y ‘2001 Odisea en el Espacio’ de Kubrick entre otros) además de contar con la música new age de Susumu Hirasawa a quien recordamos por el soundtrack de la serie Bersek; se podría decir que hace diez años y tras tres de producción, lo conseguido sólo puede resumirse con pocas palabras: se hizo un clásico.

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Difícil de superar para el actual cine dramático/histórico y cubriendo todo lo propuesto sin caer en ambiciones de autor, Satoshi Kon entrega una película que ha influido hasta nuestros días en muchos de sus estudiantes y admiradores más reconocidos: la temática del amor a pesar del tiempo que exportó Darren Aronofsky en ‘The Fountain’ ó la destrucción y terremotos como algo previo a los saltos en el tiempo que fué utilizado en ‘Inception’ de Christopher Nolan, ejemplos de un legado contundente y elegante que apenas comienza, como la última escena de Chiyoko, su gran viaje estelar.

Un precioso AMV de ‘La Actriz del Milenio’

Sigue el especial de Satoshi Kon en el blog:

Satoshi Kon: ‘Perfect Blue’; obra visionaria del horror psicológico
Satoshi Kon: El guión de ‘Rosa Magnética’ dentro de ‘Memorias’
Satoshi Kon: ‘Roujin Z’, animador para un relato de dignidad en la tercera edad
Nuevo especial se aproxima: el gran Satoshi Kon

martes, septiembre 13, 2011

‘Linterna Verde’, sobre los temores y las inseguridades

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Existe un dicho en mi planeta, decimos ‘soy sólo un humano’. Lo decimos porque somos vulnerables, lo decimos porque sentimos miedo, pero todo eso no significa que somos débiles!”.
 

Una de las carreras más irregulares en el mundo del cine, ésa es la carrera de Martin Campbell, alguien que pudo ser capaz de dirigir un film redondo de James Bond (‘GoldenEye’, 1995), una actualización exitosa (‘The Mask of Zorro’, 1998), una historia de aventura (‘Límite Vertical’, 2000), una film que llevó a Angelina Jolie a su nominación al Razzie (‘Beyond Borders’, 2003), un remake innecesario (‘The Legend of Zorro’, 2005), un grandioso y espectacular reboot (‘James Bond Casino Royale’, 2006) y un intento de resurrección (‘Edge Of Darkness’, 2007). Con semejante currículum que podíamos esperar de un director experimentado pero impersonal al frente de un film de superhéroes?

Por otro lado tenemos a Linterna Verde, bueno, en rigor estricto al primer Linterna Verde, un humano llamado Hal Jordan adicto al riesgo, poco expresivo en cuanto a exteriorizar temores, polémico piloto de pruebas sujeto a la sombra de su padre muerto en accidente aéreo. Hal es el arquetipo normal de un humano, con sus debilidades explotadas en cierta forma de fortaleza (su personalidad arriesgada) como mecanismo de vida. Por otro lado los cómics de la DC configuran a este personaje como el único representante humano de la liga de las linternas, una especia de asociación del universo de defensores místicos y espaciales cuyo gran poder reside en el manejo de anillos encargados que fluyen como conductores de sus energías, transformando las mismas en armas poderosas y objetos de protección. En el guión de ‘Linterna Verde’ se cuenta el escape de Parallax, un ser poderoso cuya fuerza proviene de la absorción del miedo de sus oponentes, como si se tratara de un agujero negro del temor que desea vengarse de su aprisionamiento. Un miembro de las linternas (Abin Sur) desfallece tras su encuentro, choca en la Tierra y como último deseo encomienda la elección de su sustituto, que recae en Hal; el primer humano en acceder a esta legión.

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Apresurada sin motivo

El guión también intenta presentarnos la humanidad del héroe en su faceta romántica, su relación con Carol implica la primera persona por la que él lograría preocuparse y asumir de pronto su responsabilidad de protector. Empero su primer entrenamiento con Sinestro y otras linternas le provocará decepción. Luego se sucederán en arribo y ataque de enemigos espaciales (Parallax) y terrenales (Dr. Hammond) que obligan a cambiar la situación de Jordan en un abrir y cerrar de ojos. Abarcar los entrenamientos, los ataques en la Tierra y las escenas en Oa junto con los conflictos del héroe en nacimiento, su tratamiento del miedo y la forma en que asume tan (pero tan) rápidamente su gran responsabilidad se nota con el ritmo apresurado de la película.

Inentendible considerando el elenco del film: Ryan Reynolds, Blake Lively, Peter Sarsgaard, Tim Robbins, Angela Bassett y Mark Strong; quienes aparecen por episodios cercanos a cortometrajes. Además el protagonista no explota en el dramatismo que le ofrece el guión a un personaje como Linterna Verde. Si bien Reynolds es muy inexpresivo como actor muchas veces se le ha visto muy correcto y en otras producciones, dicen en consenso, se le vió soberbio. Por otro lado uno piensa que el caché de semejante cast absorbió la mitad del presupuesto y los efectos especiales se comieron el otro 50%, serviría de plena justificación para esos giros argumentales sacado de los pelos (como la captura invisible de Carol) y las situaciones aceleradas sin coherencia (como la cercanía al sol) pero tiene un problema mayor: que este año la Marvel estrenó otro título con más héroes de cómics como protagonistas y con mayor duración y menor presupuesto!

Odiosas comparaciones con la Marvel

Es que ‘X-Men First Class’ de Matthew Vaughn es un punto de comparación muy fuerte, costó 140 millones de $ frente a los 200 millones de ‘Linterna Verde’ y dura 132 minutos en total contra los 114 minutos del héroe de la DC, pero el film de los X-Men sale más completa y redonda. Qué salió cómo no debía? Parece que el recorte del guión, de vestuario y de montaje final han sido decisiones duras que pasan factura. Diez minutos más de Hal Jordan ó diez minutos más de Linterna Verde hubieran logrado comprometernos con su conflicto, pero por lo visto comprobamos la  inseguridad existente tratando un tema tan interesante como el temor humano a nivel universal, con esta historia de búsqueda de personalidad de un hombre a quien le han encomendado una labor demasiado grande.

En cuanto a la dirección de Martin Campbell podemos afirmar que no será de lo mejor de su filmografía tras no lograr sacar lo mejor de actores consagrados como sí pudo con Daniel Craig en ‘Casino Royale’, no es firme en el montaje ni en la edición y sus planos no sorprenden. Aún así llegará a entretener, los fanáticos no se molestarán ya que se ha respetado el cómic, están los efectos especiales dignos de cine (en DVD seguró que no asombra), la fotografía sin chispas y la música (sin ser su mejor trabajo) de James Newton Howard.

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domingo, septiembre 11, 2011

Especial: el cine y los ataques del 11-S

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Hace 10 años que cambió el mundo.

El 11 de septiembre de 2001 se demostró de una manera muy dramática que ningún país y en especial los Estados Unidos pueden ser considerados invencibles, los antecedentes del ataque terrorista son complejos y las consecuencias después de los ataques han sido aún más complejos en cuanto a terrorismo religioso, político, internacional se refiere; también en cuanto a oportunismo, manipulación, oportunismo del imperialismo y ocupación de otros países; no ha sido el mismo mundo.

El cine ya retrata este nuevo orden mundial todos los años, pero las películas sobre los acontecimientos del mismo ataque han ido presentándose entre la necesidad comercial y la prontitud social de no olvidar esas tragedias, no todas tienen el mismo alcance ya que algunas no toman conclusiones y se refieren sólo a los hechos mientras que otros toman partido del emotivo nacionalismo herido y retratan exageradamente a los americanos como las víctimas, que seguro lo son; precisando siempre a las 3000 muertes de ese horrible acontecimiento. Repasemos sólo 5 títulos indispensables:

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‘Vuelo 93’, un telefilme oportunista

No es un gran título, es un cine directo a la televisión por lo que adolece de mucho criterio cinematográfico y exagera lo televisivo. Peter Markle trata de entrar en la initimidad de las familias de los secuestrados en el Vuelo 93 de la United que como saben fué intervenida por los pasajeros inmolándose con el mismo avión. (Mi amigo JP Sucre aprecia otra versión más cruda de los hechos). En todo caso es un título realizado a la antigua, inadecuada para el cine de los últimos 10 años y que se dirige al sentimentalismo fácil.

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102 Minutos que cambiaron América’, un documental crudo

Un documental vendido con la estrategia de mostrar tapes nuevos e inéditos sobre el ataque a las Torres Gemelas. El collage de imágenes junta situaciones íntimas de varias personas cerca del área de Manhattan y sus grabaciones sin editar de los ataques. Quieren realismo? pues véanla, no será estrictamente un documental bien elaborado porque no tiene la estructura del mismo; pero sirve para ofrecer otros testigos visuales. Nada más.

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‘World Trade Center’, un film de Oliver Stone que no parece de Oliver Stone

La película de Stone (todavía no puedo creer que estuve a 5 mts de él!!!!) fué un fracaso de taquilla y de crítica. Se esperó con mucha expectación debido a la figura siempre indómita de Stone con un material que no había tocado. Sin embargo entrega una película simplona con Nicolas Cage y Michael Peña desaprovechados así como el resto del elenco. Nada ó casi nada de cine protestá ó cine con mensaje cínico hacia el sistema; ni la aventura de los dos bomberos atrapados se dirigía con la potencia necesaria para brillar, no parece un film de Stone y para el momento de su estreno confirmaba que el gran director entraba en una fase de crisis creativa. Pueden pasar de ella.

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‘Fahrenheit 9 11’, el mejor cine protesta sobre el 11-S

Y es documental. Michael Moore tenía el material adecuado sobre la administración más cuestionada en el gobierno americano: la presidencia de George W. Bush. Moore reúne las noticias, los eventos, los documentos y las relaciones de poder que existieron entre gobiernos árabes y americanos antes de los ataques. Un producto que llena de mucha indignación a los espectadores (más si no son republicanos) y que se convertirá en una referencia histórica y crítica sobre los sucedido. Otros ya se dieron cuenta como Quentin Tarantino y el jurado de Cannes cuando le entregaron la Palma de Oro.

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‘United 93’, la perturbadora búsqueda de lo real

Gran película, que sin tomar partido de ningún lado es capaz de dejarnos al final con el nudo en la garganta. Soberbio trabajo de aproximación a la realidad con la óptica frenética de uno de mis directores favoritos: Paul Greengrass, quien logra que este trabajo sea alabado por unos y atacado por otros debido a su calculada dirección (señor Aguilar le estoy hablando a usted cuando no le gustó la nominación de Paul en los Oscars 2006 en la categoría de Mejor Director). Ya tomamos nuestra posición y pensamos que en el futuro mucho de ese cine que será cine histórico ó cine documental aprenderá de esta obra. Ya dijimos que nos gustó mucho aquí y aquí.

10 años desde los ataques terroristas a víctimas inocentes del pueblo americano y que a la fecha nos trae de nuevo el debate sobre el papel de la primera potencia mundial en la política mundial, si aprendieron como gobierno de lo vivido y si sabrán diseñar un futuro junto con los pueblos y gobiernos de medio oriente. Estas 5 muestras son recordatorios que espero, sirvan de algo en el futuro.

domingo, septiembre 04, 2011

Seth McFarlane: ‘Family Guy’ y sus homenajes a la música contemporánea

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Y vamos a continuar con de una forma un poco desordenada mostrando las distintas vertientes del trabajo de Seth McFarlane, insigne creador de series animadas de culto que se encuentran aún en emisión. ‘Family Guy’ (también llamado ‘Padre de Familia’) aquí en Bolivia es una serie difícil de seguir en cable y en la red Unitel la pasan en horarios mal ubicados. Es una serie para adultos y la mayoría de los chistes, de las situaciones cómicas y los diálogos punzantes sólo los entendería algún entendido en la cultura pop tv musical anglo de los últimos 40 años. O sea gente como yo, 7,66 millones de televidentes americanos por episodio y muchos más en el resto del mundo.

Pero hablaremos de la serie y sus características en otro momento. Veremos en este pequeño post 5 parodias ó adaptaciones de canciones populares insertadas en distintos capítulos de la famosa serie, estrategia de mucho éxito desde los inicios de la serie allá por el año 1999 y que lograba el enfado y luego la aceptación de la industria musical así como la alegría de los televidentes al recordar hits clásicos. No era nada nueva este esfuerzo que ya se hacía en ‘Los Simpson’, pero… a quién le importa ahora esa aburrida familia de Springfield??? A continuación sólo 5 de estos ejemplos (click en el título):

1. Stewie Griffin realiza su video de ‘Everything I do I do it for you’ (Bryan Adams). Al nacer la hija de Joe el siniestro bebé se enamora y en un capítulo memorable donde Brian le responde varios nombres de canciones famosas con títulos de nombres de mujer Stewie responde plagiando varios otros vídeos en este sensacional trabajo desvergonzado de plagio musical.

2. Chris es protagonista de ‘Take On Me’ (A-Há). Pues graciosa y cómica de principio a fin debido a la situación presentada y el respeto del vídeo original, qué más se puede decir?

3. Peter sustituye a MC Cat en ‘Opposittes Attract’ (Paula Abdul). Similar al anterior y utilizada en forma resumida, otra genial cápsula de humor puntual.

4. Chris en ‘Time Of My Life’ (Bill Medley & Jennifer Warnes). Para el especial de su versión de ‘La Guerra de las Galaxias’ (‘Blue Harvest’) tuvimos un musical precioso con coreografía y protagonismo del viejo verde ‘amigo’ de los infantes. Homenaje nostálgico en amplio sentido.

5. Peter enloquece con “B-b-b-bird is a word” (‘Surfin’ bird’ de The Trashmen). Nooo, sobran las palabras para esto. Y cuántos premios ganó este episodio? 50? 100? no son suficientes!!! Vean el contador de youtube de este vídeo. Sip, estan en lo correcto…casi 50 millones de visitas. Trágate eso Ricardo Arjona!

Gracias de todo corazón por las 40.000 visitas!!!! (contados desde hace 1 año), que este blog sea parte de su tiempo me complace mucho y me motiva a seguir!!! gracias!! gracias!! cuarenta mil veces graciassss!!!!!

‘Super 8’: bella retronostalgia sin originalidad

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Ella solía mirarme a mí… de esa manera… y yo tan sólo sabía que estaba ahí con ella… que yo existía”.
- Joe Lamb.

J.J. Abrams, va camino a convertirse en el sucesor del legado de Steven Spielberg; cada paso que da sólo confirma el tremendo respeto que le tiene a Steven en tonos, formas y contenidos. Ya está incursionando en terrenos nuevos y acelera su transformación en director todo terreno tras dejar huella en la TV (‘Felicity’, ‘Alias’, ‘Lost’, ‘Fringe’) y tras haber dirigido la vibrante ‘Mission Impossible III’, la brillante ‘Star Trek’ y haber producido las desconcertantes ‘Joy Ride’ y ‘Cloverfield’ va en rumbo para hacer obras de autor con respeto hacia sus ya conocidas coordenadas. Tiene todo un futuro para sorprendernos  aunque en su última obra he de decir, sin ánimo de bajarle la moral, no ha rendido a la plenitud ya que sus ganas de homenajear sus influencias pudo más que su propia personalidad.

Cuatro homenajes en uno
En ‘Super 8’ asistimos a la historia de Joe, quien ha perdido a su madre trágicamente. La relación con su padre es tensa evidentemente por la tristeza del evento ocurrido pero en una edad tan complicada como la suya encuentra distracción en la maquetería y la asistencia técnica para su amigo Charles, quien sueña con ser cineasta. Estamos en Ohio en pleno verano de 1979 y los amigos de Charles convencen a la bella Allie para sumarse al proyecto de filmación de un película casera de zombies. Filman de noche en una estación de tren y de repente ocurre un accidente espectacular donde un tren militar es descarrilado, un profesor es hallado culpable y una extraña criatura escapa al pueblo, inicio de las aventuras de Joe y sus amigos.

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Pues sí, es un cóctel que se nutre de un guión homenaje a ‘E.T.’ (Steven Spielberg, 1982); ‘The Goonies’ (Richard Donner, 1985), ‘Encuentros Cercanos del Tercer Tipo’ (Steven Spielberg, 1977) y mucho cine de ficción y contacto alien de principios de los 80s. Estamos con los muchachos a quienes les sucede un montón de situaciones para suspenso y entretenimiento del espectador y que gracias a la pericia técnica de Abrams logra retrotraer un sentimiento fuerte de nostalgia y recuerdos frente a la película: los decorados, las vestimentas, la música (tanto las composiciones del habitual Michael Giacchino como las canciones de época : ELO, The Knack, etc.) y las escenografías; sumados a una apropiada fotografía, edición y sonido correctísimos.


Primera vez que baja la originalidad
Abrams homenajea en exceso siempre que puede (por ello que asumió dirigir films de remakes televisivos que le gustan) dando su particular toque con esos diálogos punzantes y confrontadores abusando del close up, pero lo que no pensábamos era cómo iba a abordar el asunto central, misterioso y atrayente de ‘Super 8’ que era el alienígena. Que el mismo Abrams nos viera la cara y nos presente una variación de su amada criatura. para quienes hayan visto ‘Star Trek’ en la escena del planeta helado ó el film de destrucción de Matt Reeves sabrán a que me refiero, no quiero entrar en spoilers pero el desenlace de ‘Super 8’ deja una sensación de estar muy incompleta. Estira la fórmula del sentimentalismo y la inocencia juvenil y ata todos los cabos de una forma apresurada.
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No me entiendan mal, no es un final incoherente ya que el guión está medido con pinzas pero la forma en que cuenta los eventos nos hace sentir impaciencia y a cansarnos de ver a los humanos, tras muchas aventuras finalmente veremos al alien y las expectativas deberán volverse a calibrar: éste es un punto muy importante ya que debemos recordar que Joe es el personaje del film, así como su solitaria tristeza, de su corazón que extraña a su madre y que empieza a sentir cerca del suyo a Ellie. En ésto hay que volver a felicitar a Abrams como el excelente director de actores que es, no defrauda sacando partido de las actuaciones de estos muchachos. Pero por lo que el mercado (hablo de muchos curiosos aquí en Bolivia) de seguro se quejará por la estrategia de promoción del film vendido como una película de aventuras y ficción humano-espacial cuando en realidad se trata de una película intimista, sobre la soledad, la relación, el crecimiento, la tolerancia y el entendimiento. ¿Y el tema de la amistad? nop, ahí le falló su intento de abarcar mucho a Abrams.
Eso sí, con éste su nuevo éxito no hay quien le quite lo bailado.

viernes, septiembre 02, 2011

Opening: 'Lucky Star', burla divertida e inocente


   Sabía que no eras del tipo moe."
- Kona-chan.

Tenemos que hacerle justicia a esa obra rara de los estudios Kyoto, dirigida el 2007 por Yasuhiro Takemoto, los 24 episodios de la serie mostraban la vida de Konata Izumi, las hermanas Hiiragi y Miyuki Takara, chicas provistas de una inteligencia superdotada en distintos campos de la cotidiana prejuventud: los mangas, los videojuegos, las computadoras, la comida, la música, los eventos escolares, los asuntos que en verdad importan!

Toda la declaración de intenciones se encuentra descrita con su brillante e hilarante opening, con la canción 'Motteke sailor fuku' traducida como 'Adiós traje de marinero' en alusión a los uniformes escolares japoneses e interpretado por Aya Hirano, Emiri Katou y Kaori Fukuhara y que muestra lugares reales dibujados para el mismo animé (y que elevaron el turismo en los mismos!). Estamos ante la presencia de un opening realizado con gran cariño para un público que ha seguido con impaciencia la emisión de los episodios, el OVA, los mangas, los CDs, los pósters, las presentaciones en vivo; en fin, 'Lucky Star' más que una franquicia y a pesar de los altibajos en su calidad narrativa va camino a los clásicos de un público muy selecto, que recuerda el modo de vida de la anterior década.
Qué pensarán de nosotros en el futuro?