La Saga Potter: ‘El Prisionero de Azkaban’: la más oscura y la más fascinante

 

 

“ Specto Patronum!”.

 

En esto del cine se dice muchas veces que es un negocio ya muy conocido y que se basa en términos comerciales en darle a la audiencia lo que ellos quieren ver a través de una película, cuando ésta proviene de una adaptación literaria no deben existir espacios para la sorpresa, después de todo, si la novela ha sido un éxito, porqué cambiar el estilo?

Pero el negocio del cine también conoce de riesgos, muchos y algunos mal calculados, que han significado desastres millonarios y muchos de ellos porque se han encargado obras grandes a directores que parecían tener lo que se necesita pero que no estuvieron a la altura (Shyamalayan y Gavin Hood por ejemplo); también existen de los que establecen su propia visión sobre la obra pero por culpa de productores ineptos cambian la versión al espectador cayendo en un aburrimiento avergonzante (Sam Raimi te estoy mirando). Todo ello mas bien y para bien no ha ocurrido con ‘Harry Potter y el Prisionero de Azkabán’, grandioso film y el que más ha gustado de estas siete entregas en términos de crítica y audiencia; todo por algo tan sencillo: respetar la visión del director y en este caso que nos ocupa, de Alfonso Cuarón.

Alfonso debe ser uno de los pocos cineastas mexicanos vivos con respeto mundial y que además presume con fundamento de hacer cine de autor: a sus 49 años ha hecho de todo y dirigió arriesgadas películas mediante una visión personal que coloca a cierta distancia al expectador de las escenas pero que increíble y paradójicamente logra involucrarlo dentro del film: así ocurrió con la adaptación de ‘Great Expectations’ y su cine de carretera de ‘Y Tu Mamá También’. Fué en éste último film y por el manejo de los jóvenes Gael García Bernal y Diego Luna que se hizo acreedor a dirigir a los adolescentes magos en el tercer film de la saga y no sólo eso: utilizó psicología juvenil, le imprimió ritmo al film, le dió oscuridad a una novela de por sí tenebrosa, respetó el material y sacó petróleo de todos los actores y los efectos, logró la mejor película de las siete hasta el momento.

Secretos más grandes, amigos más unidos

Harry comienza mal su tercer año en Hogwarts, el escape de un presunto ayudante de Lord Voldemort llamado Sirius Black le trastorna, los horripilantes dementores llegan a la escuela para rastrearle y de paso un compañero del pasado de los padres: el profesor Lupin, conecta lo que todos parecen ocultarle a Harry: que Sirius es su padrino. Pronto se conocerán los trasfondos de los hechos y las personas que participaron en la muerte de sus padres pero no habrá muchas verdades, los secretos son más grandes y los tres amigos sólo pueden quedarse unidos para los eventos.

 

Estéticamente hablamos de un cambio radical de la visión de Columbus, ya ni siquiera hay signos de cine familiar ó infantil porque esto ya es cine adulto, algo juvenil pero también de mucho suspenso y horror, las escenas con hombres lobo no son graciosas si la ven por vez primera; la confusión entre los antiguos camaradas es de un drama impresionante y la presencia de los dementores no puede ser verse sin transmitir temor; a esto ayuda un Cuarón soberbio que utiliza tonos grises y paisajes nublados ó lluviosos a propósito, basta ver el caótico juego de quidditch para constatar el cambio radical de tono y discurso, basta ver su manejo de escenas y tiempo en la aventura de Harry y Hermione a través del pasado.

Con la música de John Williams diferente a las anteriores versiones y una edición al milímetro; las nuevas adiciones actorales como Gary Oldman (Sirius), David Thewlis (Lupin)  y Timothy Spall (Pettigrew) cumplen a perfección su papel. Se invirtieron $130 millones y logró la friolera recaudación total de $795 millones; además sumó más público (más allá del núcleo infantil) como seguidores de la saga, altas expectativas que iban a seguirse para la cuarta entrega.

Anexo: Harry Potter y la cruzada de las sectas cristianas

Una consecuencia del tercer film ha sido sin duda la aparición de un contrataque sistemático de varias sectas cristianas especialmente evangélicas a partir de la lectura y reinterpretación de los libros y films de Harry Potter (los canales 15 y el 27 aquí en Cochabamba, no se hagan). La alusión no es casual ya que el mensaje subliminal no es un secreto: Hogwarts y el sistema político y social que se ve en HP alude a varias razas con sus correspondientes creencias pero con el derecho tangible de que todos pueden ejercer magia, convertirse en magos y brujas, aprender pociones y usarlas para el bien y el mal. Asimismo observan la cantidad de seres fantásticos poco comunes: unicornios, fénix, ciervos, hipogrifos y muchos otros venerados por creencias como la brujería europea. La serpiente como animal que se comunica con cierto clan de magos en Hogwarts también ha sido objeto de polémica.

También ha sido muy cuestionada la temática de la sangre pura e impura en HP que trae a colación el tema del racismo; las reliquias de la muerte que profesan el poder, la resurrección y el ocultamiento de la verdad se apuntan a los líos por su semejanza contraria con la (santa) trinidad. Pronto todo este ataque redujo su frecuencia y la WB no se esforzó en contrarrestarla, por lo visto en estos diez años de globalización el público ha visto más en este tipo de cine una razón para entretenerse, para enternecerse, para ver amistad infantil y juvenil y ver que todo tipo de magia es posible en el mundo (mágico o no), por cualquier persona y de cualquier raza.

Escenas Inolvidables: ‘Voulez-Vous’ en la plaza de ‘Mamma Mia!’

 

El film de Phyllida Lloyd tuvo como mala suerte estrenarse justo en la época en que ‘Dark Knight’ conquistaba el mundo; julio del 2008. Tenía una buenísima idea: llevar el musical ‘Mamma Mía!’ al cine con un grupo estelar de estrellas que pocas veces veremos juntas. Como recordamos, en el film una joven Sophie reúne a los tres pretendientes de la juventud de su madre Donna en vísperas de su matrimonio en una bellísima isla griega y todo por esa ley natural que siempre debe cumplirse: las chicas no deben crecer sin una buena figura paterna. La excusa perfecta para escuchar canciones adaptadas del repertorio de ese grandioso grupo pop de todos los tiempos: ABBA.

Los actores? el dream team estaba compuesto por: Meryl Streep como Donna, Amanda Seydried como la joven Sophie, los amores de Donna: Harry en un papel menor de Colin Firth, Bill encarnado por Stellan Skarsgard (quien ya le vimos en ’Thor’); Sam en la piel de Pierce Brosnan (el que no parece envejecer nunca). La escena que vemos a continuación ocurre en un momento importante del film cuando Sophie se quiebra emocionalmente mientras la gente de su pueblo baila al sonar de ‘Voulez-Vous’, escena muy bien coreografiada por cierto.

Por cierto ‘Voulez-vous’ le pertenece al LP del mismo nombre lanzado en 1979 por ABBA y que también tenía canciones como ‘Chiquitita’ y la preciosa ‘I Have a Dream’.

‘Summer Wars’, poderosa muestra de poderío japonés

 

 

“ Deténlas….las lágrimas…haz que paren….”.

(Natsuki)

 

Mamoru Hosoda mis amigos, el nuevo genio de la animación japonesa que está volcando la admiración que todo el mundo le tiene a Miyazaki para darle muy pronto el título de su heredero. Hosoda ya impresionó hace unos años con su ágil dirección en dos films de la serie Digimon (la no tan buena ‘Digimon Adventure’) y una película de la serie ‘One Piece’. Es el mismo que ganó la atención del planeta al ganar el premio de animación de Japón por la bellísima ‘La Chica que saltaba en el tiempo’ –que comentamos aquí -  y que con el mismo estudio Madhouse y con la misma pasión nos trae ‘Summer Wars’, su nueva obra maestra.

Bienvenidos al mundo de Oz: la megared social

Basado en un cortometraje previo, Hosoda nos trae su visión del mundo moderno: la humanidad tiene a Oz: una mega red virtual en el Internet que hace las veces de red social y de red de gestión económica y productiva. En Oz –como se nos comenta- todo el mundo tiene su otra personalidad: tiene un avatar, que es como nuestro representante en esa realidad; un chibi simpático que muestra nuestros gustos y que viajan en la red comprando cosas, compartiendo experiencias, participando del mercado, comunicándose, en fin. Es como el facebook elevado a la potencia facebook.

Natsuki es una muchacha en problemas, su abuela Sakae cumplirá 90 años y se aprovecha el acontecimiento para la gran reunión de la familia, mejor dicho, del clan Jinnouchi, antigua y legendaria familia que ha participado en batallas épicas y escritas en la historia del Japón. Natsuki engancha a Kenji para que asista a la reunión, Kenji no lo sabe y asiste. Una vez allá se da cuenta que el verdadero plan de Natsuki era presentarle como su novio! jeje. Ella lleva adelante esta temeraria mentira para contentar a su abuela quien no tiene confianza en la madurez de su bisnieta. Kenji no es un muchacho espectacular, es honesto y buena gente con un corazón transparente; también es un excelente matemático y trabaja como operador de mantenimiento de Oz.

Una vez reunida la numerosa familia se desencadenan varios problemas siendo el principal el terrible hackeo al sistema de seguridad de Oz que interfiere con las redes de gestión del servicio público: cual escenario de terrorismo todo el mundo se ve afectado por desastres, incendios, catástrofes, mal funcionamiento de los sistemas, y éso sólo es el principio. Kenji y el primito de Natsuki, Kazuma; tratan de reponer a Oz del malvado ‘Love Machine’; cuando descubren que el virus se propaga engullendo los avatares de las personas en todo el mundo, poco tiempo y muchos problemas.

Impresionante remix del futuro y del pasado

Natsuki es la típica chica que se mete a un lío por salir rápidamente de otro, su familia no es así y por lo visto la gran abuela Sakae se ocupa de demostrarnos –incluido los espectadores- de qué madera estaban hechas las antiguas generaciones: matriarca de su familia: toda una vida de trabajo, de madre, mujer y esposa se ven bellamente esbozados con su breve pero perfecta participación. El paso del mando de los mayores hacia los más chicos se observa en el detalle de actuación de cada miembro de la familia: vejetes, maduros, abuelos, padres jóvenes, madres divorciadas, jóvenes complicados, jóvenes comprometidos, jóvenes trabajadores, adolescentes, niños juguetones y en medio de todo esta reunión… Kenji.

La historia de Kenji y Natsuki ni siquiera raya en lo profundo y se agradece, porque ‘Summer Wars’ toca un tema de mayor importancia: la responsabilidad. A todo nivel vemos cómo la falta y la presencia de responsabilidad es importante para mover y unir a la sociedad, no sólo la que vemos cada día! también aquella que estamos realizando cada día en nuestros mundos virtuales, donde las distancias aparentemente desaparecen; responsabilidad con poder y poder con responsabilidad.

Un guión que no baja en ningún momento unido a un trabajo de animación sencillo como efectivo; con las maquetas que nos recuerdan a los personajes de ‘La chica…’ y con una ambientación rica en colores, sonidos, efectos y fotografía. Una edición cuidada al milímetro con una banda sonora preciosa; en resumen todo, pero todo le ha salido bien a Hosoda: ha logrado unir dos realidades tan cercanas al ser humano actual como son el respeto por la tradición familiar con las nuevas formas de comunicación virtual y todo ello a través de la historia de una familia típica, con sus problemas familiares de alto volumen como toda familia en el mundo. Tal vez por ello el mensaje del film ha sido bien asimilado en todas partes, la familia por donde se vea, es la familia.

Preciosa aventura moderna que se las arregla para brindar romance, comedia familiar y drama tecnológico, talvez una obra visionaria que con sus premios sumados y su reconocimiento mundial (ganadora de muchísimos premios en festivales internacionales) ha vuelto a comprobar el poder de la animación japonesa, ese grandioso pueblo…. Koi Koi!!!!

Especial: ‘Rápidos y furiosos’; cinco películas y tres visiones

Muy bien, realizemos un rápido recuento a velocidad de auto por esta producción netamente comercial sobre la vida de héroes anónimos, aventuras, coches, chicas guapas, adrenalina, efectos especiales, bandidos y policías que acaba de cumplir 10 años en el cine (no, no es como la saga de Harry Potter); cinco películas que se han instalado en la moderna cultura cinematográfica como una moda de la relación entre hombre y máquina, claro; con esa excusa nos han vendido cinco films de acción, algunas más exitosas que otras. Y tengan en cuenta que se viene la sexta entrega.

‘The Fast and the Furious’: película entretenida sobre una subcultura

Rob Cohen se hizo cargo de la primera película, el director de ‘Dragón: la vida de Bruce Lee’ y ‘Corazón de Dragón’ se encargó de una idea que exponía en principio toda aquella cultura under que existe alrededor de los autos urbanos de carrera y sus variantes tecnológicas: carreras nocturnas al margen de la ley, féminas con comportamiento de groupies, tecnologías muy específicas sobre coches y un conflicto policial encarnado por el oficial O’Conner (Paul Walker) que se involucra en la banda de Dominic Toretto (Vin Diesel). Dom es la estrella del film, personaje carismático cuya ‘familia’ es lo primero y por los cuales siente mucho apego.

‘2 Fast 2 Furious’: película mediocre que parece cine B

John Singleton se hizo cargo de la secuela al cual no se apuntaba Vin Diesel tras negarse el derecho a convertirse en el siguiente héroe masivo internacional de acción (negó participar tanto en ésta secuencia film como en la que le correspondía a ‘Triple X’). Estamos ante un John Singleton impersonal, increíblemente torpe y a años luz de su grandiosa ‘Boyz N the Hood’ que nos ofrece un film donde O’Conner y el cantante Tyrese (y hasta Eva Mendes) tienen una aventura tipo ‘Miami Vice’ en la otra costa americana; vacía, inverosímil, sin carisma, con diálogos torpes y sin señales de mejora, los autos son sólo excusa para una continuación inencesaria, dañó artísticamente a la franquicia.

‘Tokyo Drift’: vuelta de tuerca en el lugar más apropiado

Justin Lin se hacía cargo de la tercera película de la franquicia y no tenía relación con sus antecesoras: un muchacho llamado Sean es relocalizado por su comportamiento en Tokio y descubre la maestría de la conducción japonesa. Aventura poco trabajada que sin embargo tiene clichés que gustaron a mucha gente (me incluyo) y la convirtió en un tipo de cine global sobre un tema específico, en lo personal me encantó el personaje de Han quien ejerce de mentor del inmaduro Sean; en un arranque de estrategia comercial se presenta al final a un Vin Diesel como un trotamundos. Para completar y celebrar la resurrección (yo diría salvación de la franquicia) el propio Diesel dirigió el corto ‘Los Bandoleros’ que mostraba algo de las aventuras que tenían entre Dom y Han en Centroamérica.

‘Fast And Furious’: verdadera pero terrible secuela del film

Justin Lin vuelve a la silla y dirigió la cuarta película que en rigor estricto sería la continuación de la segunda película pero como comentamos lo nefasto de lo ocurrido en Miami preferimos hablar de su conexión con la primera, Dom y su banda son los forajidos sobre ruedas en tierras latinas pero la pérdida de la amada de Dom le obliga a retornar a LA, a su hermana y a la investigación del cuestionado O’Conner. Involucrados ambos en una red criminal latino-americana; Dom está más interesado en la venganza y O’Conner en aclarar su destino debiendo elegir entre la legalidad y la genuina pero peligrosa amistad. Prometía mucho pero quedaron sensaciones muy pobres: acción sólo al principio y al final y con un bajo aprovechamiento de lo técnico y actoral, el cuarto film pasó con más pena que gloria.

‘Fast Five’. espléndido cine de acción internacional

Antes de la sexta entrega tenemos que hablar de éste film, que vendría a ser la pre-precuela de ‘Tokyo Drift’; O’Conner, Dom y Mia se han trasladado a Rio de Janeiro, una ciudad hermosa que con derecho propio ya es una capital mundial en todos los sentidos y donde transcurre la aventura más sólida y entretenida de los cinco films que estamos revisando. Estamos ante una versión a medio camino entre el homenaje y el plagio a ‘Ocean’s Eleven’ (más al de Soderbergh que el de Milestone) y corrige todos los errores que mostraba Justin Lin: seguro y certero en su dirección y firme en conducir a una constelación de personajes y actores (que es para asustarse): Diesel, Walker, Dwayne La Roca Johnson, Jordana Brewster, Tyrese Gibson, Ludacris, Sung Kan, Matt Schulze, Tego Calderon, Don Omar y Elsa Pataky. Sorprende gratamente porque todos actúan bien y tanto el guión como la acción son muy disfrutables; autos? es lo de menos, créanme; recuperamos el espíritu de que la familia es lo más importante que teníamos a un inicio y ofrece nuevas perspectivas que esperemos no baje de calidad.

En fin, una serie comercial muy irregular que se ha forrado de dinero y que le obliga a invertir más en calidad si desea envejecer bien. Tres directores que han trabajado con distintas visiones y que en el caso de Lin responden finalmente muy bien a una audiencia que debe respetarse con estos productos enlatados. Hasta el próximo especial!

Escenas Inolvidables: el triste diálogo padre-hijo en 'Hulk'

Estamos de poco tiempo así que aprovecharemos lo poco que tenemos para bloguear.

A falta de revisar todas las obras al siempre elegante y arriesgado (y así también, talentoso) ejemplo de gran director que es Ang Lee, nos dispusimos a meter el dedo en la llaga en su obra más vapuleada, si, exacto. Su versión de 'Hulk' (2003) que fué un encargo de la Marvel para la Universal y del que se dijo mucho en su momento en especial por averiguar el motivo y el porqué semejante director vendería su alma al dios del comercio. Pero Lee es un todoterreno y no le importó, puso su personalidad en una dirección fluída e íntima como todo autor, trató de innovar con la traslación de las viñetas a los planos de las secuencias (en especial aquellas de acción) y nos presentó descaradamente el conflicto de Bruce Banner con su padre, actores tan bien dirigidos como Eric Bana y Nick Nolte (y ... Jennifer Connelly >_<) pusieron el resto.

Porqué el fracaso en los mercados entonces? Los benditos efectos especiales de Hulk que redujeron a este complejo y macabro personaje en un Shrek saltarín que combatía perros mutantes, duele reconocerlo pero es así, creo que sin muchos de esos efectos habríamos tenido una mejor versión ya que aquí en Bolivia no nos gustó. De lo rescatable de la obra de este valiente cineasta tenemos la escena de la conversación entre Bruce y su padre, rodeada de una atmósfera negra y triste, contudente demostración de lazos rotos, de dolor interno, de destrucción de una familia.

Bueno, a seguir pensando...

‘Thor’, problemas de una familia real

 

 

“ – Puedes verla?.

- Si.

- Cómo se encuentra?

- Ella te está buscando. ”

(Thor y Heimdall)

En el plan que tiene MARVEL Studios para entregarnos en estos años films de todos sus personajes de los cómics hay un lugar, por supuesto, para el ‘rey/dios del trueno’: Thor, un dios que en el mundo de Asgard vive junto con su padre, el todopoderoso Odin y tiene como hermano a Loki. Este mundo es básico para las tradiciones de la Europa escandinava y las leyendas ancestrales son sólo comparables con los dioses griegos/romanos. Para la MARVEL ha sido un personaje muy importante llegando a convertirse sin mucha polémica en un héroe de los cómics con origen divino, que interviene en varios y grandes líos tanto en su mundo como en la Tierra, utiliza una vestimenta de guerrero medieval y a su vez es un heredero al reino de Asgard; a lado de su martillo Mjolnir, instrumento poderoso que utiliza para luchar y más que nada, para probar que es apto para su condición, Thor es un superhéroes entre dos mundos y su participación en los Avengers siempre ha sido tangencial, su orgullo y terquedad así como sus signos de inmadurez son parte del carisma de un personaje muy querido por los aficionados para los cómics.

Pero esto no es ‘Iron Man’, un tipo como Thor que tiene una origen real proveniente de un reino de otra dimensión debía llevarse al cine como un proyecto en dos frentes: el complicado asunto interno de Asgard y su lucha contra los gigantes de Jotunheim por un lado y la llegada abrupta a la Tierra para su nuevo aprendizaje por el otro. Por el primer motivo se eligió a Kenneth Branagh de director, tenía el currículum necesario: ‘Henry V’, ‘Frankenstein de Mary Shelley’ y ‘Hamlet’. Kenneth Branagh: actor, director, Shakespereano declarado y ante todo un hombre de cine, el hombre elegido para llevar a Thor al cine.

Pero viendo el resultado debemos decir que le ha salido una de cal y otra de arena.

Thor ya no goza de la dicha de seguir en Asgard, es ‘expulsado’ a la Tierra y ‘accidentalmente’ cae cerca de tres científicos climáticos: Jane, Darcy y Erik. Las chicas están fascinadas con este extraño caído del cielo y SHIELD está fascinado con el hallazgo del imponente martillo; Thor deberá encontrarla y volver a Asgard, a solucionar los problemas internos creados por una acción suya que implica la guerra con los gigantes y el desconocimiento del plan de su hermano Loki, personaje oscuro y embustero, que implica la salud de su padre, el rey Odin.

Cómo dejar de ser uno mismo y volverse comercial

Jane se engancha con Thor, le entiende y le apoya en su cometido aunque no sepa toda la importancia de su compañero, Thor debe comprender la decisión de su padre y autoevaluarse en miras de su linaje real, Loki sufre al conocer su origen y Odín debe ejecutar duras acciones en su familia en pos de una paz muy incierta. Todo servido en bandeja de plata para ver la mano de Branagh, pero se siente? se ve? se nota? lo siento, sólo a momentos. Los problemas de la corte real de Asgard entre el Odín, Thor y Loki son dignos de este director; ahí uno encuentra algo de su cine de autor pero los decorados y vestuarios descolocan el montaje comparado con el mundo terrenal. Por otro lado el transcurso de los acontecimientos en la Tierra es lo más débil del film: artificial, sin química entre Jane y Thor (Natalie Portman lo intenta pero Chris Hemsworth no pone de su parte, se nota su inexperiencia en dramas), el cambio profundo de Thor es poco cre{ible, los efectos no son dignos de un film de ése presupuesto, hasta la ciudad parece artificial y construida para poner explosiones, no hay seriedad en todo lo que respecta a la Tierra.

Entonces la sensación que queda amigos será amarga, y quién diría! Tom Hiddleston como Loki es el personaje más regular, el más entregado y el más creíble de esta ensalada de actores poco trabajados por Kenneth, que en su poco controlado guión y peor ejecución hace pensar que le hubiera ido mejor equilibrando el logrado conflicto familiar de Thor con el carácter puramente comercial del film. Demasiado previsible en su desarrollo, su final dejará algo de satisfacción aunque yo gocé más con los efectos de los créditos, aunque ahí no creía que apareciera (o pareciera)…’Un film de Kenneth Branagh’ (WTF?).

Escenas Inolvidables: ‘Nixon’: Dick, tu país te necesita

 

“ Desafortunadamente, creo que el país no está disponible por ahora”

En este clásico de Stone tenemos muchos momentos para recordar, esta escena entre muchas de las que podíamos escoger:

Nixon vive la vida tranquila lejos de los rodeos políticos tras sus derrotas electorales para las presidenciales y una gobernación. Muerto en vida, a Nixon todavía le tienen esperanzas aquellos potentados que odian (a muerte) a Kennedy. En Texas aprovechan su presencia para ofrecerle nuevamente la nominación a las primarias y luego a la candidatura del partido republicano, hablan de Castro, la amenaza comunista ó lo que parece representar el Presidente JFK.

Nixon, quien está encarnado por Anthony Hopkins en su mejor papel –palmo a palmo con ‘El Silencio de los Inocentes’- duda, piensa, tantea sus posibilidades y se nota que recuerda a su esposa pero también en su destino incierto. Ensimismado y protegido por su ridícula sonrisa, rechaza el ofrecimiento pero de repente escucha lo más macabro sin que nos demos cuenta del trasfondo…que tal si JFK no se presenta para las próximas elecciones? 4 Gods sake!!!! y esa música de fondo!

Vea esta memorable escena aquí.

Músicos y cine: ‘La Bamba’, el poder latino

 

“ Después de todo, el cielo le pertenece a las estrellas.”

Buddy Holly en el avión.

 

En la historia de la música –sí, estamos en el blog de cine pero esto es importante– hay muchas fechas importantes que pasan por el nacimiento ó muerte de algún famoso músico ó la publicación de un álbum memorable ó muchas otros acontecimientos célebres. Tristemente el 03 de febrero es recordada (al menos por la generación oldie) como ‘el día que murió el rock and roll’; fecha trágica que recuerda el accidente de 1959 en Iowa cuando tres de los más talentosos, jóvenes y prometedores músicos norteamericanos perdieron la vida en un viaje siniestro de avión: eran Buddy Holly, Big Booper y Ritchie Valens, éste último de connotada ascendencia latina y chicana.

Nacido como Ricardo Valenzuela Reyes, este joven nacido en el Valle de San Fernando tuvo una de las infancias más duras que se puedan contar al provenir de una familia, en la dureza rural de L.A. tuvo la dicha de escuchar Rythm and blues, flamenco, country y ritmos mariachi. No tenía ni 15 años cuando ya era considerado un músico bien avenido y de pronto fué cuando su carrera despegó, gracias a que el destino le puso a Bob Keane de productor.

En el film de 1987 Lou Diamond Phillips encarna a Ritchie y sus inicios, su familia: su relación con su hermano y su respetable madre, además que también es una película testimonial: cuenta la forma de vida de muchas comunidades latinas del suroeste norteamericano. También es un film que reivindica el peso y aportación de los latinos, especialmente de los mexicanos, en la formación del género musical que vino a convertirse en el rock and roll. Emociona ver actuar a Lou como Ritchie Valenz al mismo tiempo que nos emociona ver las actuaciones de Eddie Cochran ó Jackie Wilson. Una generación bendecida por una juventud pujante y que en condiciones muy difíciles se dedicaba al duro negocio de la música.

Y ‘La Bamba’ es también un film sobre la familia latina y los fuertes lazos que se construyen en los corazones de sus integrantes. Sobre las adversidades y los problemas que atraviesan y que en el caso del film pasan por la frustración del hermano mayor, de la inocencia y las pesadillas de Ritchie, de la ausencia de una figura paterna y de la inmadurez de la juventud de época. También sobresale el tema del prejuicio, aquél que debe sufrir Ritchie por su origen cuando la familia de su novia no le acepta, porque él es un muchacho sincero en los sentimientos hacia su Donna y es alguien apegado a su familia. Quiso el destino que Ritchie no recorra su camino en este mundo y junto con él, Buddy y BB Richardson comenzaron a caminar y tocar juntos en el cielo de nuestros mejores recuerdos.

Un homenaje sin tiempo

‘La Bamba’ fué dirigida por Luis Valdez, especialista en el cine transmexicano en los USA y cuya fama se debió a ‘Zoot Suit’ con Edward James Olmos, luego de ‘La Bamba’ perdió notoriedad. El film logró dos hechos históricos de orgullo para nuestra raza: llegó al #1 en la taquilla, el nostálgico soundtrack llegó al #1 de los discos más vendidos y el cover de Los Lobos llegó al #1 en el Billboard Hot 100 además de revivir una moda que una generación había delegado a los más jóvenes. Las excelentes críticas le valieron la nominación en la categoría de mejor película dramática en los Globos de Oro. Por donde se mire amigos, un orgullo cinematográfico.