Alxdangelo

Oscar mejor canción 1983: 'Flashdance... what a feeling' de Irene Cara

2012-01-31T13:08:00.003-04:00

Adrian Lyne es un director muy interesante, muy pocos de estos directores han logrado reputación por un estilo controversial dentro del cine mundial, a Adrian le encanta la figura femenina y el erotismo extremo en entornos difíciles, complicados en lo emocional y también en lo geográfico. Ahí están '9 semanas y media', 'Atracción fatal', 'Propuesta indecente', 'Lolita' e 'Infidelidad'; una carrera interesante por donde se vea.

En su segunda película llamada 'Flashdance' vemos a una joven Jennifer Beals (que luego veríamos como protagonista de esa gran serie que es 'The L Word') como Alex Owens, trabajadora laboral de la industria del acero de día pero aspirante a bailarina profesional en las noches y que va en busca de un sueño americano: ingresar a un conservatorio de baile y danza en Pittsburgh. No hay mucha novedad más allá de lla intriga que significa ver la peculiar vida de esta bella joven, su lado romántico y sus problemas.

Pero hay una base musical que no se puede dejar desapercibido en ninguna parte, y es que el soundtrack diseñado para 'Flashdance' es casi testimonial; una pieza de colección! Y es que continuando con la tendencia de esta década vemos un amplio dominio del pop en todos los sentidos y aquí la música de moda, los synthpop estaban para quedarse como clásicos, bastaba escuchar a Kim Carnes y Joe Esposito en semejante album. La canción 'Flashdance... what a feeling' donde ya participaba Irene Cara como compositora, es un protagonista de este año y se quedará para la eternidad en los grandes clásicos, llegando al No.1 en Billboard y ganando en una de las batallas más emocionantes de la entrega de premios Oscar a titanes como la épica 'Maniac' de Michael Sembello (del mismo soundtrack) y la leyenda Barbra Streisand con 'Papa can you hear me' y 'The way he makes me feel' por el film 'Yentl'.

A disfrutar se dijo!

Sigue el especial en el blog:

Oscar Mejor canción 1982: 'Up where we belong' de Jennifer Warnes y Joe Cocker
Oscar Mejor canción 1981: 'Arthur's theme (best that you can do)' de Christopher Cross
Oscar Mejor canción 1980: 'Fame' de Irene Cara

Oscar mejor canción 1982: 'Up where we belong' de Jennifer Warnes y Joe Cocker

2012-01-29T19:17:00.001-04:00

En 'An officer and a gentleman' Richard Gere es un oficial candidato de la naval americana y Debra Winger es una trabajadora fabril protagonizan una pareja muy especial que se involucra en una relación romántica. El personaje de Richard Gere (Zack) además debe vivir en un tormento que ha arrastrado desde la niñez, tras soportar el suicidio de su madre. Una película correcta sin más y que significaba uno de los primeros trabajos del inconstante director Taylor Hackford, quien realizó luego films más interesantes como 'Sangre por sangre', 'El Abogado del diablo' o 'Ray'.

Para la canción de la película se contrataron las voces de Joe Cocker y Jennifer Warnes, él tuvo que ser rehabilitado en la música popular tras sus años difíciles de finales de los 60s y sus tremendos 70s, mientras que Warnes tan sólo había tenido un gran hit en 1976 con 'Right time of the night' seguido de hits menores. Canción romántica de gran popularidad, llegó al No. 1 en Billboard y ganó el Oscar a mejor canción a otras candidatas como 'Eye of the tiger' de Survivor (por 'Rocky III') y 'It might be you' de Stephen Bishop (por 'Tootsie'). Como anécdota indicarles que la canción no debió ser usada en el final de la película, algo en el que el productor y el mismo Richard Gere estaban de acuerdo menos el director; quien tras insistir ganó su derecho a la filmación con la canción.

Oscar Mejor canción 1981: ‘Arthur’s theme (best that you can do)’ por Christopher Cross

2012-01-28T09:29:00.001-04:00

En la original ‘Arthur’ el comediante Dudley Moore interpreta a Arthur Bach, un millonario playboy irresponsable y alcohólico que trata de evitar un matrimonio arreglado y en el trayecto conoce a Linda (Liza Minelli) terminando de enredar su complicada situación. El gran protagonista de este clásico es la ciudad de Nueva York y todos sus lugares, especialmente el Queens, los hoteles gigantes y el Central Park. Una obra que recuerda el amor que le tiene un país a la ciudad más fascinante del mundo! Lamentablemente el film tuvo que sufrir tres tragedias en el futuro: el director Steve Gordon murió un año después por una ataque al corazón siendo ésta su única película; además tuvo una secuela desastrosa con los mismos actores en 1988 y para rematar tuvo un remake horroroso el 2011 con… Russell Brand.

Para la canción principal se necesitaron hasta cuatro profesionales trabajando en una melodiosa canción que no fuera cómica sino nostálgica: Burt Bacharach (que ya había ganado un Oscar en esta categoría por ‘Butch Cassidy & the Sundance Kid’ adivinen qué clásico se mandó), Carole Bayer, Peter Allen (quien fuera esposo de Liza) y el cantante Christopher Cross. La canción fué un hit mundial y estuvo presente en los rankings anuales de dos años consecutivos: 1981 y 1982; llegó al Número 1 en Billboard e incluso se hizo una reedición con una banda J-Pop para el mercado japonés el año 2004, ahora es conocida mundialmente como ‘La canción de la luna y Nueva York’ también como ‘El tema de Arturo’ y como ‘Serenata a NY’. Logró triunfar frente a dos grandes mounstruos igual de nostálgicas y poderosas: la épica ‘Endless Love’ de Lionel Richie con Diana Ross por el film del mismo nombre y la canción de la película de James Bond: ‘For your eyes only’ de Sheena Easton.

A recordar se dijo!

Sigue el especial de los Oscar a mejor canción, para reinvidicar estos premios:

Oscar mejor canción 1980: ‘Fame’ por Irene Cara

2012-01-27T09:52:00.001-04:00

En un año que ya estaba cambiando el rumbo de la música pop, ‘Fama’ fué lanzada y dirigida por Alan Parker. ‘Fama’ contaba la historia de varios muchachos dentro de la mítica New York High School of Arts, algo tipo Victorious pero neoyorquino y sin el toque de humor que ahora conocemos, pero era una película musical y Parker se enamoró del libreto tras buscar opciones menos arriesgadas como fueron para él ‘Expreso de medianoche’ (1978), quién diría que pronto le veríamos dirigiendo la psicodélica ‘The Wall’ con los Pink Floyd. En el futuro tendría su serie de televisión y sus remakes innecesarios.

El Soundtrack de ‘Fame’ es la creación de un compositor llamado por Michael Gore quien luego realizaría la música para ‘Terms of endearment’. Además esta obra le dió un éxito pop a una joven cantante llamada Irene Cara que actuaba en el film en el papel de la afrolatina Coco Hernández, ella tuvo las canciones más comerciales y ésta lelgó a convertirse en un gran clásico. Canción eminentemente pop y que ya daba los ritmos visionarios de los sintetizadores espaciales que hicieron furor en toda esa década, llegó al No. 4 en Billboard y ganó el Oscar a mejor canción a otros títulos como la bellísima ‘9 To 5’ de Dolly Parton (por ‘9 to 5’); ‘On the road again’ de Willie Nelson (por ‘Honeysuckle rose’) y la misma Irene Cara en ‘Out here on my own’ (por ‘Fame’).

Recordemos pues este primer Oscar a mejor canción, en el siguiente enlace:

Especial Oscar 2012; 31 años de canciones y películas

2012-01-25T23:47:00.001-04:00

El día martes se ha desvelado la lista de las nominadas a las distintas categorías para los premios Oscar de este año con muchas ingratas sorpresas y otras que no las entiendo por no haber visto la mayoría de las películas que se encuentran nominadas, seguramente intentaré ver las que pueda pero es que nuestros distribuidores no ayudan.

El año pasado me fué muy bien con nuestro especial de ‘30 años de premios Oscar’ y éste año deseaba de corazón continuar reseñando otras grandes categorías como los últimos 30 ganadores a Mejor Dirección, Mejor actor ó Mejor actriz, sólo que, tristemente, he comprobado que la Academia tiene un problema complicado que puede cambiar el futuro de estos premios en una categoría muy apreciada por la audiencia: la categoría a Mejor canción de película. Y este año la cifra ha sido de escándalo por que tenemos a dos nominadas! y veremos anonadados cómo ‘The Muppets’ se enfrentará contra ‘Río’. Algunos piensan que la Academia desea quitar este interesante premio por no poder ejercer control de los mismos mientras que otros piensan que no saben cómo gestionar esta categoría entre tanta calidad diferente.

Hay que redimir este panorama! hemos decidido abrir un nuevo especial recordando los últimos 31 ganadores del Óscar a Mejor canción de película, entre los años 1979 a 2010 y recordaremos obras musicales importantes e incluso influyentes de varios géneros musicales. A cantantes ganadores tan extraños como Christopher Cross ó Eminem y películas tan diversas desde ‘Top Gun’ hasta ‘El Señor de los Anillos: El retorno del rey’; todo servido mis amigos, para reinvidicar estos premios!!!

Como adelanto una de las mejores actuaciones en vivo de la Academia, el año 2000 (para la gestión 1999) Robin Williams interpretaba la canción ‘Blame Canadá’ (‘Culpa a Canadá’) de la película ‘South Park: Bigger, Longer & Uncut’).

Brad Bird: ‘Ratatouille’

2012-01-23T22:44:00.001-04:00

“ El cambio es una opción, y se inicia, cuando se decide”.

- Remy.

Para el año 2007 Bird tenía un encargo demasiado grande: iba a dirigir un film preprogramado por Pixar que ya había tenido la partida de su primer director Jan Pinkava, Brad venía de ‘Los Increíbles’ y le encantó la idea de una rata amante del talento humano para cocinar, haciéndose dueño de sus propias fortalezas y derribando prejuicios. Pinkava ya había comenzado el diseño conceptual el año 2000 así que no le debió resultar sencillo el reemplazo en su cargo a pesar de seguir acreditándose como coguionista. No podía hacerse de otra forma, por lo visto se rumorea que estaba siguiendo la influencia de Disney quienes estaban presionando a un trabajao muy infantil debido a lo mal parados que habían quedado tras la compra sin derecho a intervención artística. Por lo visto Lasseter y todos los demás le bajaron la confianza y Brad tuvo que encargarse casi de inmediato reescribiendo el guión y con cambios que incluso no se hicieron efectivos sino en la misma etapa de producción. O sea, riesgo y más riesgo.

Lo dijimos hace años

En el pasado nunca oculté mi desdén por Francia, sus habitantes y en especial por París, que me parecía una ciudad muy glamorosa, exultante y hasta insoportable. Pero al igual que el crítico Ego, lo que probé en Ratatouille fué exactamente lo que pidió: perspectiva, simple como eso. La tierna historia de una rata con el mayor de los talentos en el lugar menos esperado que es la cocina de los humanos y la forma en que llega a convertirse en el chef del restaurante otrora más admirado de París es digna de las cinco nominaciones que obtuvo a los oscares de ese año. Porque?

Por partes, el guión es soberbio y escrito con una gran ternura y respeto hacia todos los públicos, desde los más pequeños hasta los adultos, (nótese la “perspectiva”) y con unas decisiones radicales que como ya dijimos, se concretaron en plena producción; por ejemplo citar que el personaje del chef Linguini no debía morir! Ésta es sin duda la base del trabajo de Pixar, quienes en mi opinión son pues lo peor que pudo sucederles a Disney, la aparición de esta empresa y sus historias no sólo pone en ridículo las obras históricas de Disney sino que también les crea una dependencia artística y comercial que no parece tener fin.

Luego está el sumamente cuidado aspecto técnico, ver los adoquines en las calles de París, las luces nocturnas, la vestimenta de los peatones y comensales, los detalles de la cocina incluyendo el soberbio color de los ingredientes, el sonido, la iluminación, la fotografía, la animación que hizo famoso al equipo de Bird dos años atrás con ‘Los Increíbles’, es impecable.

Y al final, la perspectiva; es casi una paradoja pero muchos de nosotros provenimos de una generación que debía leer a Esopo, Saramago y otros cuentistas de siglos atrás cuando de repente no somos capaces de ver de cuidar y de apoyar al nuevo talento como Remy, seguimos creyendo que la animación es un mero entretenimiento infantil, es un craso error que venimos cometiendo como sociedad y espero de mucho corazón que eso cambie, además una película tan hermosa, deliciosa, sencilla y profunda como ‘Ratatouille’ así lo comprueba.

Una pequeña autocrítica

Hasta este punto Brad ya recogía su segundo Oscar y estaba nominado a muchos otros más, consiguió poder y un prestigio artístico en la industria que él deseaba utilizar para llevar a cabo su obra más ambiciosa llamada ‘1906’. Esta obsesión de Bird no tendría apoyo financiero y operativo aún juntando Disney y Pixar y recién este 2011 se indica que se apoyarán con la misma Warner Brothers para llevar a cabo este proyecto. ‘1906’ trata de los terribles sucesos antes, durante y después del terremoto de San Francisco en el mencionado año y de la corrupción local y persecución policial tras esa tragedia, al menos eso dicen. Pero Bird tuvo que resignar su idea para un descanso merecido, que no se dió por mucho tiempo cuando veamos el hasta ahora último film de este especial.

Ahora toca colocar dos puntos en el tapete y que muestra una evolución cualitativa en lo que respecta a ‘Ratatouille’ y su estudio respecto a las otras. Son aquellos pequeños detalles No-Disney que un arriesgado como Brad deseaba explotar más en la pantalla pero que al final se quedaron en anécdotas, el primer detalle es la escena entre Colette y Linguini cuando ella le enseña las bondades de las verduras para ser cocinadas y le dice que para conseguir las mejores, o se las cultiva ó se las obtiene mediante favores, acto seguido vemos a uno de los cocineros ‘sobornando’ al distribuidor para conseguir verduras de calidad; díganme y sean francos… qué le dirían a un niño si pide explicaciones frente a este pequeño pero real detalle?

El segundo detalle trata de la conversión de Anton Ego (a quien Peter O’Toole pone la voz) tras volver a su memoria los recuerdos de su inocente niñez, antes de convertirse en crítico, antes de convertirse en un ser rudo y duro que daba mala leche, su parlamento es sin duda una de las mejores muestras de cine adulto, autoreflexivo y visionario, que me llegó a definir lo que hago en este blog sólo como reseñas y no como críticas, no comentaré más:

“ En muchos sentidos el trabajo de un crítico es fácil. Arriesgamos poco, porque gozamos de una posición que está por encima de los que exponen su trabajo y a sí mismos a nuestro criterio. Nos regodeamos en las críticas negativas que son divertidas de escribir y de leer; pero el hecho más amargo que debemos afrontar los críticos es que, a la hora de la verdad, cualquier producto mediocre tiene, probablemente, más sentido que la crítica en la que lo tachamos de basura. Pero hay veces en las que un crítico realmente se arriesga en 'pro' del descubrimiento y la defensa de algo nuevo. El mundo es hostil para los nuevos talentos y las nuevas creaciones; lo nuevo, necesita amigos.

Anoche yo viví una nueva experiencia, una comida extraordinaria procedente de alguien singularmente inesperado. Afirmar que tanto la comida como el cocinero han cuestionado mis ideas preconcebidas sobre la buena cocina, sería quedarse muy corto. Me han estremecido hasta lo más profundo. En el pasado, nunca oculte mi desdén por el lema del Chef Gusteau “Cualquiera puede cocinar”, pero me doy cuenta de que no había comprendido realmente lo que quería decir con ello. No es que cualquiera pueda ser en un gran artista, sino que los grandes artistas pueden proceder de cualquier lugar.

Resulta difícil imaginar orígenes más humildes que los del genio que cocina hoy en Gusteau's, y que, en opinión de un servidor, es nada menos que el mejor Chef de Francia. Volveré pronto a Gusteau's hambriento de creacionesl ”.

Sigue el especial de Brad Bird en el blog:

Brad Bird: ‘Los Increíbles’

Brad Bird: ‘El gigante de hierro’

Brad Bird: dirigiendo a ‘Los Simpson’

Brad Bird: el joven animador de Disney

Brad Bird; narrador con mucha humanidad

‘Yo no tengo muchos amigos’; muchachos de hoy

2012-01-22T12:28:00.001-04:00

“ Es cierto que en la sociedad de hoy, la gente piensa que si no tienes amigos eres alguien extraño. Pero con eso… acaso no se equivocan un poco? ”.

- Kodaka.

‘Boku wa Tomodochi ga sukonai’ comenzó su camino como novela ligera el 2009, éste es un camino muy utilizado ahora y que asegura que una historia de ficción tenga una buena base literaria para ir por otras plataformas. Es como tener primero el guión de lo que se quiere contar y en Japón nuestra diosa Suzumiya nació en este circuito, el literario. El año 2010 la Media Factory como editorial comienza la edición en manga de esta interesante novela y sin perder tiempo, en un esfuerzo contrareloj y bajo la dirección de Hisashi Saito y el estudio AIC se comenzó con la serie animé ordenando 12 capítulos, recientemente finalizados. Ante nosotros podemos estar hablando de una de las series modernas más interesantes, compactas y reales de los últimos años, veamos pues qué se dice sobre ellos.

Las amistades de hoy, virtuales y reales

Kodaka ha ingresado a una escuela católica con una fama de poco social, contribuye para ello una imagen de chico delincuente, cabello rubio y rasgos anglo debido a su padre japonés y su madre inglesa. Un día descubre que Yozora, una de las chicas más populares de la escuela (y de cabello negro), tiene una disfunción personal: no sabe cómo hacer amigos reales y se apoya en sus amistades imaginarias lejos de la verguenza que arrastra este descubrimiento. Cuando ambos cuestionan la validez de los amigos en carne y hueso que les establece la adolescencia educativa aparece una hermosa y guapa rubia de nombre Sena. Sena es la hija del director y a pesar de su alto nivel académico es arrogante y soberbia, le gustan los videogames (especialmente los erogames) y ya no puede socializar con las chicas de su curso.

Basta con estos tres muchachos para entender la mayoría de los aspectos de la juventud mundial, en una sociedad que descuida mucho la formación personal del individuo da mucha satisfacción que en un país como Japón, donde la gente trabaja sobrehoras, se haga una comedia juvenil en base a tres vidas desoladas y que se tienen a ellos mismos para complementarse. Kodaka no cree en la sociedad y se comporta como rebelde cuando puede pero desarrolla preocupación por sus nuevas amigas. Yozora utiliza el insulto y la tiranía con Sena como medio para sentirse superior y complacerse a ella misma mientras que Sena, chica insegura y triste donde las haya, se protege en sus juegos y en su mundo prefabricado de todo lo que la vida real le niega, pero anhela tener amigos de verdad.

En un arranque de originalidad (estoy siendo sarcástico), Yozora, Kodaka y Sena fundarán el ‘Club de los Vecinos’, un nuevo club estudiantil que poco a poco irá traendo otros miembros igual o más extraños que sus fundadores; y para no perder el carácter comercial la serie nos brinda historias plásticas, escenas muy poco definidas en cuanto a la sexualidad de estos muchachos, humor negro bien mostrado y una animación que sobresale por el grandioso uso del color en detrimento de los detalles, que no son tan relevantes. Es cierto que peca de mucha ingenuidad por el montón de clichés que tiene (como la hermanita de Kodaka, una pequeño emo obsesionada con lo gore), pero desde hace mucho que no me divertía con un animé ligero. También es justo decir que como serie testimonial nos sirve mucho, porque dibuja los trazos de las nuevas formas de ver la amistad.

Jim Carrey; The Best Of

2012-01-20T09:34:00.001-04:00

Nacido el 17 de enero de 1962, acaba de cumplir 50 años uno de los actores más importantes que ha dado la comedia americana en los últimos tiempos, carismático de principio a fin y con unas ganas de sobrevivir a sus propias decisiones; hoy a llegado el momento de reseñar lo Mejor de Jim Eugene Carrey, sin más. Este actor canadiense admirador confeso de Eckhart Tolle, comenzó su carrera en el cine en los años 80 siendo un perfecto desconocido durante una década. No le iría mal cuando su talento cómico sorprendió a todos con ‘Ace Ventura: detective de mascotas’ (1994) superándose con papeles clave como ‘La Máscara’ (1994) ó ‘El Grinch’ (2000) pero también ofreciendo actuaciones lamentables ó cuestionables fruto de sus malas elecciones por pésimos guiones, en bodrios como ‘Dick y Jane’ (2005), en ridiculeces como ‘Batman Forever’ (1995) ó en intentos de drama/suspenso como ’Número 23’ (2007).

Aún así nadie le puede desconocer 30 años de trabajo arduo y variado, trabajando con versatilidad en varios personajes difíciles e imponiendo una personalidad arrolladora desde el primer minuto que se puede ver su presencia en la pantalla, esperemos que Jim nos pueda dar más en los siguientes años, de momento recordemos 10 actuaciones memorables y antológicas:

No. 10. Me, Myself & Irene (2000). Jim en el papel de un policía y padre de 3 hijos afros muy inteligentes que sufre la llegada de Irene, una magnética Reneé Zellweger; para vivir una aventura rural divertida y nada complicada. Ah! por cierto que también actuaban Chris Cooper y Richard Jenkins.

No. 09. Tonto y Retonto (1994). En dúo con el desaparecido Jeff Daniels en otra película de los hermanos Farrelli. Tanto su Lloyd como el Harry de Jeff merecieron audiencias en todas partes, una serie de televisión animada y una precuela lamentable, jeje.

No. 08. Bruce Todopoderoso (2003). Hasta ahora su única colaboración con Morgan Freeman, Jennifer Aniston y Steve Carrell; no es un film demasiado notable por los absurdos diálogos de una historia sobre poder y responsabilidad con fondo cómico… pero desde otro punto de vista… cuándo volverán a juntarse estos 4 actores? Sólo Dios sabe.

No. 07. Una serie de eventos desafortunados (2004). Olaf, el Conde Olaf. Gran creación e interpretación artística de un Jim Carrey iluminado que puede cargarse tres personajes distintos a la vez y haciéndoles la vida imposible a los hermanitos Baudelaire.

No. 06. Man On The Moon (1999). Película infravalorada que trata sobre la vida del comediante Andy Kauffman, Jim hace un papel celebrado y bajo la dirección de un Milos Forman poco dedicado. Aún así es capaz de presentarnos la vida de Andy incluyendo su faceta de luchador wrestler. Le acompañaban Paul Giamatti, Danny De Vito y Courtney Love.

No. 05. The Cable Guy (1996). Millones odian esta película, dicen que raya lo absurdo y que insulta la inteligencia de los espectadores. Yo no pienso así, pienso que es una película que ubica la comedia trágica a un nivel muy alto, la historia de Chip Douglas (o Ricky Ricardo? jaja) que atormenta a Steven, el contratista de Tv por cable; alcanza cotas de humor negro que pasan a la historia como la escena del karaoke. Algo lamentable? Matthew Broderick, uno de los peores actores de su generación.

No. 04. La máscara (1994). Nada que decir. Significó toda una sensación en su tiempo, por la historia infantil, por la aparición de una preciosa Cameron Díaz, por los efectos especiales y por la cara verde de Jim.

No. 03. Eternal sunshine of the spotless mind. (2004). Tristemente y hasta ahora, el último gran papel de su vida. Michel Gondry dirigiendo a Jim y a Kate Winslet en la mejor historia del cine sobre amor y olvido. Joel Barish y los tres tintes de cabello de Clementine son ahora recordados como íconos del cine moderno.

No. 02. El Grinch (2000). Si Jim puede declarar sobre su legado en el futuro, podrá decir con mucha seguridad de que fué el protagonista de una de las más grandiosas historias navideñas del cine. Su Grinch y el manejo de maquillaje facial sumado a la voz que le imprime al personaje le dan de por sí, el sitial que se merece como actor consumado de comedia.

No. 01. El Show de Truman (1998). Una de las mayores injusticias cuando se habla de premiaciones a las actuaciones, haber olvidado su interpretación de Truman en los Oscars 1999 y más lamentable fué que la Academia le invite a presentar un premio en esa ceremonia. Con razón los Oscars pierden cada vez relevancia! Truman y Jim se funden en la vida de un joven a quien le han engañado toda su vida, en el reality show más crudo y hambriento de rating que se haya visto en la pantalla. Peter Weir filma una obra protesta y el dibujo de Carrey casi parece natural. Hasta la fecha es la cima de su carrera.

Gracias por la lectura!!!

‘Misión Imposible III’: frenética y nerviosa

2012-01-19T12:53:00.001-04:00

“ Lo que yo venda y a quién le venda debería ser lo último que te deba preocupar…. Ethan”.

- Owen Davian.

Desde el primer momento que nos metemos en la continuación de la saga de Tom Cruise ya percibimos algo diferente, algo que no se notaba en las dos anteriores entregas y algo que marca la pauta de éste y varios otros films del género: el estilo televisivo de acción, para ello tenemos que hablar de un hombre que está marcando este pulso dentro del cine, alguien que ya conoce cómo seducir audiencias con trucos pequeños y planos cercanos a la cara de los protagonistas, alguien como J.J Abrams.

Abrams ha nacido por y para las artes cinematográficas pero comenzó en la televisión, de su mente y sus equipos de producción logró convertirse en uno de los artífices de la creación de series modernas dedicadas a la acción, a la ciencia ficción, al suspenso y al detectivismo, de esa forma es difícil no asociar actos como ‘Alias’, ‘Felicity’, ‘Lost’ y ‘Fringe’ como creaciones de éste personaje que es un genio para unos y un mero actualizador spielbergiano para otros. Creador, productor, compositor, guionista y director consumado de TV. Éra el indicado para que alguien como Cruise, con su habitual olfato comercial (y luego artístico) le encargue su primera película como director tras no lograr concretar con David Fincher (por increíble que parezca) y tras descartar a Joe Carnahan por diferencias creativas. Corría el año 2006 y Cruise deseaba darle otro tono a su criatura.

Ethan Hunt y el guión, torturados

Ethan quiere sentar cabeza con su novia Julia y está comprometido para casarse. Pero le llega la noticia del secuestro de una de sus pupilas, como quiera que le une emocionalmente la situación de su protegida se va a rescatarle con un equipo de la IMF fracasando en su intento pero anotando con la captura del traficante de armas (un correcto Philip Seymour Hoffmann) detrás de la operación que seguía su estudiante. Lamentablemente descubre que el traficante Owen Davian tiene más colmillos y poder de lo que aparenta e inmediatamente comienza su castigo contra Ethan y su íntimo entorno.

Siendo sinceros con lo resumido…. alguién ve una historia aquí? un argumento interesante? ó sólo una excusa para colocar explosiones ó persecuciones? Sí, ‘Mission Impossible III’ está más cerca visualmente de ‘Bad Boys’ (Michael Bay) que de ‘La Supremacía de Bourne’ (Paul Grengrass). Es decir, que este guión estaría condenado al fracaso a pesar de que incluye una buena escena clásica como la intervención del equipo en el Vaticano. Por lo demás es una historia más simple y aburrida que su antecesora y casi cayendo en el ridículo por unos diálogos poco trabajados y la existencia de algo llamado ‘pata de conejo’… pero no contaban con la astucia de J.J. Abrams quien de forma inteligente elige algunos planos de cara directa (como exageraba en ‘Lost’), otros planos de frenético movimiento (como la escena del puente) y exprime a todo el equipo de montadores, maquilladores, editores de sonido y efectos especiales que tiene a su cargo. Incluso se presenta inteligente trabajando con Michael Giacchino en la banda sonora. Qué resulta de su dirección? salvar el guión que estaba condenado al olvido y eleva una película sencilla a otra que ofrece un entretenimiento nervioso, de acción y potencia, nervioso de principio a fin.

Una trilogía que cumplía

No hay más -en lo personal- que comentar para ‘Misión Imposible III’, talvez indicar dos aspectos que se podrán medir en el tiempo: que fué la primera dirección en cine para J.J Abrams, quien se mostró muy soberbio pero dueño de su talento en la preciosa ‘Star Trek’ pero bajó las revoluciones en su homenaje a Spielberg en ‘Super 8’. Como conjunto los films de esta saga ofrecían un estilo nostálgico como la dirigida por Brian De Palma pero se modernizaba de forma muy exagerada como la dirigida por John Woo. No importa mucho que hablemos de sus directores, para ser claros hay que recordar al dueño completo de esta trilogía: Tom Cruise, el segundo aspecto que debemos recordar. Sus decisiones han determinado un conjunto que funciona en la acción pero que no se cuestiona ni en lo más mínimo al sistema de poder de centros como la CIA ó el FBI. Por eso el IMF parece poco cuestionable, una organización que puede albergar traidores y salvadores como Ethan Hunt, el típico norteamericano que salva el mundo.

Pero al caprichoso no le bastaba con ello, y volvió a convocar a las masas el 2011, ya nos espera ‘el Protocolo Fantasma’.

Sigue el especial en el blog:

‘Missión Imposible II’: mayor exageración sí era posible

‘Misión Imposible’: la reinvención del cine de agentes

Brad Bird: ‘Los Increíbles’

2012-01-15T16:58:00.001-04:00

“ – Pero papá siempre dice que no debemos avergonzarnos de nuestros poderes, que nos hacen especiales.

- Todos son especiales Dash.

- Ésa es otra manera de decir que nadie lo es.”

Después del éxito crítico pero con bajo desempeño comercial de ‘El gigante de hierro’ Brad sentía una presión profesional y familiar de gran magnitud, de manera que al tiempo debía lidiar con la vida en familia y ver las siguientes opciones que le presentaran. La Warner Bros había adquirido el guión de Brad el mismo que contenía una maqueta original en base a la transformación social de varios superhéroes que son retirados por la misma sociedad, argumento muy maduro pero difícil de vender al público infantil. Aun así la WB seguía programando a ‘Los Increíbles’ para ser desarrollado como una película en 2D, empero, el desastroso desempeño de ‘Looney Tunes: back in action’ precipitó la liberación del guión y al no tener compradores directos el mismo Brad se hizo con los derechos de su propia idea.

Presentó su guión a John Lasseter quien fuera su viejo compañero de la preparatoria, John vió una gran oportunidad y programó el proyecto dentro de Pixar con un calendario ajustadísimo con Brad como director, prácticamente le entregó un equipo talentoso y la motivación de ser el primer film animado de Pixar con protagonistas humanos y para ello, quién mejor que Bird?

La familia y la nostalgia de los hombres inmaduros

En ‘Los Increíbles’ asistimos a la traumática transición de dos superhéroes contemporáneos: Elastic Girl y Mr. Increíble (Helen y Bob), quienes enamoran y deciden casarse para continuar con sus aventuras, batallas contra los villanos y también atender esta nueva causa que es el matrimonio. Empero la sociedad ya no siente la protección de éstos y otros tantos superhéroes por lo que se ven obligados al retiro silencioso y anónimo para rehacer sus vidas como seres comunes de la sociedad. Para Helen esto representa realmente un alivio porque preveemos que quería ser una madre trabajadora y una esposa tradicional, es decir, que deseaba formar una familia, pero el caso de Bob es crítico ya que sufre de retronostalgia por sus éxitos pasados, por la fama, el poder y la popularidad que tenía Mr. Increíble y aparta su papel como Bob, el esposo. La crisis del adulto varón que no acepta el tiempo de sus glorias pasadas.

Y éste es mis amigos el mayor logro de la película de Brad Bird, su completa honestidad al mostrarnos directamente la frustración de Bob en su vida actual, el camino irresponsable que toma al ingresar en nuevas aventuras y de cómo arrastra a su familia en su problema. Sobre este concepto somos agraciados con un film de animación que hace bien en potenciar el guión, de dibujar correctamente a los personajes y de entretener, porque parece tan difícil entretener sin caer en vergonzosos clichés! Pero en ‘Los Increíbles’ no hay soberbia, sólo una historia de una familia frente a su destino.

Formas y fondos de un film premiado

Uno debe sumergirse en el DVD de la película para averiguar el gran trabajo encargado a Bird y su equipo en Pixar. Los personajes por ejemplo, son una colección de homenajes y parodias a la cultura americana de los superhéroes y es una respuesta al modo de Pixar de cómo se ven ahora estos seres sobrehumanos y poderosos, de forma contestataria a editoriales como DC o Marvel, casi como deseando emular a lo que hicieron los de DreamWorks con ‘Shrek’ (Andrew Adamson, 2000) sobre cómo veían a los (in)tocables personajes de cuentos de hadas de Disney. Es una película sobre la adaptación, de cómo algunas personas logran pasar por las etapas de la vida como Helen, Frozone y en especial la espectacular y carismática Edna Modas. Pero también es un relato sobre la familia y los problemas internos de cada día (como la cita con la que abrimos este post); es un relato sobre lo clásico y lo moderno que vemos en el uso de las tecnologías en el antes y después del matrimonio de los Parr, y también es una película sobre las decisiones tempranas como aquella que origina la transformación de Incrediboy en Syndrome.

Lejos de toda duda, los arriesgados pasos siguen vigentes hoy en día: la música de Michael Giacchino nos transporta a los mejores momentos de Bernard Herrmann ó Lalo Schiffrin ó de todos los músicos en los films de James Bond. El montaje y la estrategia de animación de las personas humanas nos hacen pensar que a Pixar no les costó nada pasar de animalitos parlantes a humanos con superpoderes, además que el tratamiento de sonido y efectos visuales son totalmente soberbios. Cuando se hace entretenimiento en base a éste modelo Pixariano –del cual hablaremos en el siguiente post de Brad Bird – no habría razones para salir mal de una sala de cine, y en este caso menos.

Nominada a 4 premios Oscar, logró derrotar en una decisión seguramente complicada a la que estaba considerado como gran favorita: ‘Shrek 2’ de Andrew Adamson, además que recogía la estatuilla a mejor edición de sonido. A Brad le esperaba ahora una nueva historia de Pixar, pero al contrario de ‘Los Increíbles’ ésta era una historia por encargo que el estudio le encargaría tras retirar al primer director designado, se trataba del amor de un ratón … por la cocina.

Sigue el especial de Brad Bird en el blog:

Brad Bird: ‘El gigante de hierro’

Brad Bird: dirigiendo a ‘Los Simpson’

Brad Bird: el joven animador de Disney

Brad Bird; narrador con mucha humanidad

Escenas inolvidables: 'Kare Kano': Arima descubre que está enamorado

2012-01-13T14:30:00.002-04:00

Obra clave para entender el animé romántico, muchas cosas se pueden decir y se van a seguir diciendo de 'Kare Kano', tal como ahora; considerada allá arriba en la cima de las más grandiosas series de animación de todos los tiempos. Hay que decir las cosas como son.

Pero hoy no escribiremos mucho, sólo nos dedicaremos a recordar una de las tantas escenas importantes en esta historia íntima que trata de dos muchachos enamorados: Arima y Yukino. Tras quedarnos muchos episodios con los pensamientos más personales de Yukino, la serie nos ofrece un capítulo íntimo sobre la personalidad de Arima y la llegada de Yukino a su vida y a su corazón. Una escena del recuerdo que es más bien una anécdota porque recuerda cómo otra chica deseaba confesarle sus sentimientos y él, tras acudir a la cita antes de lo previsto se encuentra por accidente ('accidente', jeje) con Yukino.

En fin, a recordar se dijo. En otra entrada volveremos a recordar las memorables sensaciones que nos ha dejado en el tiempo la serie de Hideaki Anno.

‘El Árbol de la vida’; pretenciosa, sublime y difícil de ver

2012-01-07T00:14:00.001-04:00

“ Cuándo tocaste mi corazón por primera vez?”.

Dedicado a mi abuelita Juana:

Recuerdo la primera vez que me encontré con Terrence Malick, y sufrí, sufrí tanto que mi corazón quedó dolido con su trabajo pues tuve que sobrevivir a la mastodóntica ‘La delgada línea roja’ (1998) y fué la que abrió toda mi curiosidad sobre el estilo de este director. Pero estaba totalmente equivocado, no era un director! es una leyenda viviente, una persona trastornada y un artista con una gran reputación. Cineasta, fotógrafo, geólogo, filósofo, guionista, periodista, productor, artista introvertido, ermitaño, alguien poco sociable, caprichoso pero como pocos, un genio de lo visual y narrativo que se encuentra en el olimpo de los mejores directores vivos. Porque? si a sus 68 años sólo ha hecho 5 películas en su vida y la tercera la hizo después de 20 años? Quién es Terrence Malick? y aún más importante… Porqué el 90% de los actores de Hollywood enloquecen para trabajar con el?

Es algo difícil de explicar y para ello requiero hacerle un especial (de verdad que sí lo haré), pero puede resumirse en lo siguiente: nacido en Waco Texas (esto también es discutible) en 1943, Terrence sacó su corto ‘Landon Mills’ en 1969 para trabajar como guionista 5 años. Le llegó su oportunidad en la dirección a sus 30 años dirigiendo a un joven Michael Sheen en la preciosa y juvenil ‘Badlands’. Luego le siguió ‘Days of Heaven’ (1978) con Richard Gere; un film algo menor que el anterior en fuerza expresiva pero mayor en fuerza visual. Luego Malick se embarcó en un exilio artístico y personal para volver 20 años despúes con una multitud de actores actuando para él en ‘La delgada línea roja’ cerrando su filmografía el 2005 con la preciosista aunque contemplativa ‘El Nuevo Mundo’. Tardó 5 años en escribir y producir ‘El Árbol de la Vida’ (‘The Tree of life’), una producción que cambió muchas veces y se rodó en total hermetismo tal como él deseaba aunque no fué como originalmente se concibió: el papel de Brad Pitt estaba reservado para Heath Ledger.

El cine como medio para hablar con Dios

La familia O’Brien es una autobiografía de la vida de Malick en Texas y para mayor morbo cabe resaltar que Terrence perdió a un hermano que iba a ser músico en condiciones trágicas, muchos dicen que fué suicidio, muchos no lo saben a ciencia cierta. Pero en la película debemos reconstruir todos los hechos por una estructura que no lineal y que cambia entre lo imaginario y lo fantástico sin perdonar al expectador. Brad Pitt y Jessica Chastain son los esposos O’Brien y es ella quien recibe la fatal noticia de la muerte de uno de sus tres hijos. Jack recuerda todo eso ya de adulto (un soso Sean Penn) y con él asistimos a sus memorias: la vida con sus dos hermanos, con su conflictivo y complejo padre y con la ternura de su bella madre, asistimos a sus recuerdos más tristes y alegres, los más sencillos y los más complejos, asistimos a una confesión del mismo Malick sobre la vida rural de una familia cualquiera de los Estados Unidos, que ha sufrido la muerte de uno de sus integrantes, a las luces y a las sombras de un pequeño microuniverso.

Pero Malick sigue sin dominar sus técnicas pretenciosas y en su narración (si se le puede llamar así) también caben los pensamientos del padre donde Pitt encarna la dureza paternal de una forma totalmente terrenal. Su presencia crea temor, resentimiento y odio; ocupa los recuerdos de Jack de una forma cruda, su padre es la oscuridad en su vida. Pero Malick también nos presenta los pensamientos de la madre donde Chastain encarna el amor maternal de una forma celestial.Su presencia crea cariño, protección y libertad; ocupa los recuerdos de Jack de una manera cálida, su madre es la luz de su vida, y más que eso; se vuelve el vehículo para que el microuniverso de esa pequeña familia conduzca - bajo las dudas de una mujer que ha perdido trágicamente a su hijo – a ver el macrouniverso que se ha creado para cobijar a una galaxia, a una vía láctea, a un sistema solar, a un sol, a una Tierra, a la vida y al ser humano.

Sí, así de pretencioso ha sido y será Malick. No le importa el qué dirán.

Sobre sus inclinaciones religiosas no se conoce mucho pero lo más seguro es que Malick cree en Dios. Yo no lo niego, sino porqué estaría viviendo ahora escribiendo sobre esta película? pero no me considero apto para creer basado en alguna religión. Terrence en cambio sí tiene bases dado sus estudios y sus propias dudas existenciales que ahora se vuelven más íntimas y más desnudas que nunca. Quiere hablar con Dios, no hay duda; la madre O’Brien busca respuestas al dolor y la resignación que sufre y se pregunta el porqué. Quién no se preguntaría eso? Y Terrence nos proyecta la creación del universo, así de directo, no contento con ello nos regala el nacimiento de la vida en la Tierra, Y va más allá… nos muestra (aunque improbable pero más significativa por su remota posibilidad) que existía sentimientos, como la piedad, en los seres vivos; para ello vemos como el pequeño dinosaurio siente lástima por su presa. Si hasta este punto no se han movido los pilares del existencialismo, pues algo tenemos de malo en nosotros mismos.

…Pero no se controla el desenlace

Pues claro que no es cine comercial y para ello las entradas a las proyecciones del film en otros países daban la opción de retirarse de la sala con devolución del costo si el expectador así lo quería. Es un cine muy intimista, demasiado preciosista y demasiado caprichoso en forma y fondo. Sin control como siempre y sin un cable a tierra, Malick duda en todo lo que respecta al personaje de Jack en el presente. Dicen que el mismo Sean Penn aceptó dolido la forma en que se presta su personaje en las escenas de la ‘actualidad’ y cuando debe reencontrarse con sus recuerdos, con su yo de niño y con sus padres pues vemos un punto bajo en el film: los efectos no son eficientes, parece un desenlace sin tono con todo lo que ya se había visto y esa playa y esas ‘visiones’ no son del todo coherentes con el momento espiritual de Jack, extraña ya que teniendo a lado a un maestro de la fotografía como Emanuel Lubezki bien podía mostrarse de otra forma, qué sé yo… como sueños.

Pero es buscarle tres pies al gato, primero porque si uno no se encuentra acostumbrado a su ‘cine’ no habrá dudas y simplemente causará desinterés ó incluso desprecio, no es una película comercial, reiteramos. Y segundo, porque si uno acepta la propuesta de Terrence y le acompaña hasta el final pues obtendremos al final una sensación amarga por el viaje terrenal y cósmico al que hemos asistido: del universo y de la pequeña familia, y ante todo del amor y del odio.

En el campo técnico, Lubezki es dueño (lo firmo ahora) de los premios a mejor fotografía que se vayan a dar, pero también deberían nominar a Alexandre Desplat quien presenta una banda sonora soberbia y cede en los caprichos del director según su conveniencia; música clásica como Brahms se darán la mano con óperas impuestas para crear efectos audiovisuales expectaculares, como la suite 'Lacrimosa’ de Preisner en el inicio del universo. Todo lo que requieren es paciencia, tolerancia y amor al cine, hay que decirlo como es.

Cine pretencioso de autor, ‘El Árbol de la vida’ no invita a reflexionar sobre cine, sino sobre la vida.

Brad Bird: ‘El gigante de hierro’

2012-01-02T10:29:00.001-04:00

“ Yo no soy arma”.

La historia detrás de ‘El Gigante de hierro’ (Brad Bird, 1999) es complicada pero puede resumirse de la siguiente manera: en el año 1968 Ted Hughes sacó la novela ‘El hombre de hierro’, que narraba la llegada de un alienígena robot a un pueblo norteamericano en plena guerra fría entre los Estados Unidos y la Unión Soviética. Años más tarde el músico Pete Townshed de The Who adaptaría en forma de ópera rock este relato para el año 1986 y expresó su deseo de llevarlo al formato de película al tener una experiencia satisfactoria con ‘Tommy’ (Ken Russell, 1975). Pues entre todo ese viaje la Warner Bros y su división de animación compraba los derechos y sumaba a Pete como productor para una versión animada pero no con las condiciones adecuadas para la elaboración de semejante proyecto.

La WB tenía un descalabro económico tras el desastroso rendimiento de la anterior película de animación de los estudios, la torpe ‘Camelot’ (1998); que causó despidos y recortes terribles además de lastimar el orgullo de un estudio grande, empero los derechos se tenían desde 1994 y se le había ofrecido la dirección a Brad Bird quien entonces esperaba el momento para empezar con semejante labor. Brad insistió en una reescritura de la historia original para el guión y Tim McCanlies se encargó de la nueva versión el cual – cómo es el destino – los mismos Hughes y Townshed dieron el visto bueno al gustarles el nuevo script. Como se podrán imaginar y tras la aprobación de la WB se dió inicio a la producción de manera poco convencional: la supervisión del estudio era mínima por no decir inexistente y el reducido presupuesto asignado le dió a Bird una gran presión para exprimir el guión. No todo era negativo porque tenía a su favor una gran libertad creativa que a la larga y en función del tiempo, podemos decir que fué totalmente beneficiosa.

La inocencia de un niño y un amigo robot

Hoghart Hughes y su madre viven cerca del tranquilo pueblo de Rockwell en Maine, pero una noche de 1957 una nave espacial llega con un robot gigante dentro; tras su llegada Hoghart le ayuda salvándole de las redes eléctricas y comienza una amistad sui generis, basado en la alta tecnología del extraño gigante y su antigua y desconocida programación como artefacto gigante. Queda esto establecido como secreto ya que no sabremos la historia pasada del grandote, no conoceremos sus antecedentes y el tono del film siempre tendrá el marco temporal del presente en el desarrollo de sus hechos. El gigante consume chatarra para su funcionamiento y los pobladores sospechan de sus autos mordidos y sus objetos extraviados, al poco tiempo un agente del gobierno llegan a Maine y se obsesionará con descubrir la verdad tras estos extraños eventos.

No se les hace muy conocida este inicio? pues sí, pero veremos más adelante cómo esta fórmula de encuentros cercanos con lo desconocido ha servido para crear interesantes propuestas cinematográficas, en este caso sin ir más lejos.

En la versión de Bird Hoghart y el gigante entablan una amistad sincera basada en el aprendizaje del robot, cuando se ve la necesidad se recurre a otros secundarios (como el artista Dean) que colaboran escondiendo al gigante de los militares; la madre de Hoghart es otra referencia en la personalidad del muchacho ya que su protección le da seguridad para aventurarse a seguir con su gran amigo y con una madurez pocas veces vista en los niños de este tipo de films, le enseña las cosas bellas y también horrendas del planeta donde ha ido a parar.

Vale poner aquí dos escenas del film que muestran la forma de dirigir una historia prestada y resaltar sus fuentes, por ejemplo en una de las escenas veremos la muerte de un venado por un grupo de cazadores y la reflexión sobre la vida y el alma. Como otro ejemplo Hoghart le enseñará a su amigo la existencia de figuras fantásticas como Superman (en una revista de cómics de la época), símbolo del bien y la justicia y que como el mismo gigante, provienen de un lugar lejano y ajeno a la Tierra.

Lo vimos antes y lo seguimos viendo ahora

En este sentido debemos agradecer la fotografía y efectos especiales dignos de un buen film americano de animación clásica, es que siendo sinceros, la mayoría de ellos queda por debajo de las habilidades plásticas y técnicas de la animación japonesa. No en vano el rediseño del gigante recuerda a los guardianes del castillo en la mítica película de Hayao Miyazaki: ‘El Castillo en el Cielo’ (1986) y no es extraño recordar referencias de la inocencia de la niñez y sus ganas de superarse en las obras del maestro japonés. Sería injusto no mencionar la influencia de ‘E.T. El extraterrestre’ de Steven Spielberg, cuyo parecido en el inicio y en ciertas formas guarda estrecha relación y que alguien como J.J. Abrams (por cierto que él mismo recomendó a Bird para su primer film fuera de la animación) intentara llevar a una escala más grande en su poco original ‘Super 8’ (2011). Da más gusto notar algo mayor: que el film de Bird se mantiene por sí sola hasta su gran desenlace.

Y eso es una lección de producción animada: ese presupuesto (70 millones de dólares) sólo le dió un problema para no tener una película perfecta: su comprimido tiempo de 86 minutos. Pero suficientes para que Brad nos muestre la Norteamérica temerosa por la guerra nuclear hasta llegar a la locura de sus propios mandos militares, de meter música de los 50s, de homenajear el cine negro y de mostrarnos un cine familiar sobre inocencia y sobre tolerancia que merecía más de lo que se muestra. No le fué bien en la taquilla debido a la pobre campaña de la WB pero los años le han dado un estatus de culto, se volvió popular en los alquileres de films, en las ventas pequeñas y en el íntimo círculo familar. La crítica se rindió frente a este sencillo relato (97% en Rotten Tomatoes) y dijeron que es la mejor película animada no-Disney que se ha hecho hasta la fecha; también le dió reconocimiento merecido a Brad, quien se tomaba en serio su carrera.

Brad ya no volvería más al cine animado de dos dimensiones.

Trailer

Sigue el especial de Brad Bird en el blog:

Brad Bird: dirigiendo a ‘Los Simpson’

Brad Bird: el joven animador de Disney

Brad Bird; narrador con mucha humanidad

‘Missión Imposible II’: mayor exageración sí era posible

2011-12-29T20:44:00.001-04:00

“ No vas a disparar Sean!. No a ésta ‘perra’, porque ahora vale 37 millones de libras!!”.

- Nyah (Thandie Newton).

Para el año 2000 la noticia era la segunda parte del agente Ethan Hunt, nuevamente bajo la producción de Tom Cruise y Paula Wagner pero esta vez con una estrategia comercial acorde con los tiempos que se estaban viviendo. los inicios del nuevo milenio. Pero Tom Cruise seguía con sus aires de omnipotente y su orgullo le exigía cambiar radicalmente al personaje perseguido y calculador de la primera parte; se exigía un cambio radical, de mayor brillo y de mayor espectacularidad y vaya cómo lo consiguió.

Para semejante cambio y semejante alcance se necesitaba un director de acción. Y ése director era John Woo, el oriundo de Hong Kong tenía una vida curtida en el cine de acción de su país y su llegada al occidente estaba consolidada gracias a hits del género como la interesante ‘Código Flecha rota’ (1996) y la imprescindible ‘Contra Cara’ (1997), tenía un estilo que no era nada del otro mundo pero se basaba en el montaje fastuoso de escenas de acción con el abuso de la cámara lenta en situaciones extremas y con música de suspenso en alta tensión, fuera de eso también se le reconocía unas fotografías bien cuidadas y una buena dirección de actores. A pesar de su edad (tenía 55 en ese momento) era considerado un director moderno y firmó para dirigir a Cruise en MI2. No sólo eso! no pudo imponer toda su visión creativa y su patrón le exigió no preocuparse, porque él haría todas las escenas de acción.

El guión era simple a más no poder y que casi se asemeja a un sobrante de cualquier film de James Bond: una compañía biofarmacéutica crea una enfermedad devastadora y su propia cura, entonces el científico que ha trabajado en este proyecto es engañado y el agente Sean Ambrose del MIF intenta robarlos para tener a su control tanto el virus como su antídoto. Como Sean era el reemplazo de Hunt en muchas misiones era obvio que Ethan ingrese a solucionar este conflicto y no sólo eso, para armar su equipo se le exige recrutar a Nyah (una preciosa Thandie Newton), anterior novia de Sean para lograr el mayor acercamiento posible. Créanme, un triángulo amoroso de cuyo desarrollo depende el mundo entero.

En lo personal me gustó ver un cambio en el comportamiento de Ethan, emocionalmente más involucrado y sentimentalmente preocupado por la situación de Nyah, quien a su vez me parece un personaje bien concebido y que Thandie Newton le da una sensualidad y carisma casi automáticos, muchos no lo vieron así, pena por ellos. De principio veremos la ambición del traidor Sean Ambrose (un sobreactuado Dougray Scott), las habilidades femeninas de Nyah y el histrionismo – vuelvo a repetir, exagerado - de Tom; el regreso de Ving Rhames y la fugaz aparición de Anthony Hopkins completaron el cast.

El guión volvía a ser obra de Robert Towne, un habitual de Cruise que ya había trabajado en films como ‘Días de trueno’ y ‘La Firma’. Esta historia –para el agrado de Tom – exigía un lucimiento exagerado del personaje principal y la manera de reintroducir al personaje: haciendo montañismo libre, no sólo conseguía enganchar desde el principio, elevaba demasiado las expectativas. Pero un film como este necesitaba buenas locaciones y en efecto sí lo fueronfueron España y Australia además de buenos secundarios, todos ellos cumpliendo las reglas del director y éste sirviendo a la visión de su contratante.

Técnicamente inobjetable, una fotografía y una edición de sonido dignos de una producción de 125 millones de dólares de presupuesto. La música de Hans Zimmer correctísima y una banda sonora que incluía a Limp Bizkit y Lisa Gerrard completaron este paquete comercial que arrasó en el mundo. Todo se saldó con un ingreso de 546 millones pero los más críticos y muchos fans la consideraron un retroceso con respecto a su antecesora debido – con justificación - a unos diálogos bajos, una ostentosa artificialidad y una notable ausencia de la esencia de esta saga: las misiones de engaño, misiones ‘imposibles’. Aunque me pareció injusta el film obtuvo dos nominaciones a los razzies.

Pero Tom Cruise era inmune a todo ello y nosotros sabíamos que tarde o temprano tendríamos secuela.

Satoshi Kon: ‘Los padrinos de Tokio’, la navidad de los marginales

2011-12-24T20:46:00.001-04:00

“ Nada debería obligar a alguien a abandonar a un hijo! Significa que se tomó el amor y se tiró… como la basura”.

- Hana.

No habría de pasar mucho tiempo (sólo 2 años) para que el 2003 Satoshi Kon vuelva a dirigir una película, pero ni sus más fieles admiradores ni la industria cinematográfica japonesa se esperaban que la temática de la nueva aventura de Satoshi sensei fuera una película cruda, visceral, terrenal, urbana, oscura, lineal, dramática y por increíble que parezca… navideña. Estamos pues ante ‘Tokyo Godfathers’.

Keiko Nobumoto ya tenía experiencia como jefa de historias de la mítica ‘Cowboy Bebop’, ella y Kon desarrollaron una historia de relato humano y lejos de las tramas psicológicas y alucinantes de las anteriores obras del director, quien a su vez asumía el reto completo de girar 180 grados en su habitual estilo. Cómo sino explicar, a raíz de su gran talento y valentía, que haya salido artística y comercialmente triunfante de este impresionante film? Vamos paso a paso.

Tres marginales y una angelita

Hana es una drag queen homosexual que debido a un escándalo en su club ha decidido vivir en la calle, Gin es un ex corredor ciclista que ha perdido a su esposa e hija y Miyuki es una joven que ha abandonado su hogar tras apuñalar a su padre. Tres pobres habitantes en Tokio en vísperas de navidad que ya se conocen de mucho tiempo y que no se perdonan sus pasados. El destino quiere que los tres se encuentren con una bebita abandonada, así como lo oyen, una niña bebé abandonada en un basurero. Le bautizan como Kiyoko (‘niña pura’) y de repente todas las emociones se cruzan en sus vidas: la sorpresa, la negación y la determinación de salvar a la beba y llevarla con sus padres… pero por dónde comienzan? porqué la abandonaron? es que no la querían? la niñita sirve a Hana para ejercer de madre aunque sea una sola vez en su miserable vida, a Gin para recordar que alguna vez fué padre y a Miyako para recordar que nació niña y no supo la sociedad entenderla.

Pero en su aventura descubren que las cosas no son como parecen, las personas se dividen en muy buenas y muy malas, que la bondad puede encontrarse en cualquier parte y que el horror de sus vidas no es la única porque existen muchos otros marginados. Kon, como el genio que es, utiliza a la ciudad de noche y de día la utiliza sin luz, casi nublado por completo, con la nieve como elemento común y con el sufrimiento de la gente como inicio de este recorrido por las almas urbanas. Los tres compañeros se sujetan en una misión complicada que es salvada una y otra vez mediante coincidencias (o será que el tema es el destino, Satoshi sensei?) que les hace replantear su situación. Hana recuerda su pasado, Gin se encuentra con su pasado y Miyuki se topa con su presente, mientras que el futuro de nuestra beba se debate a cada instante: en una mansión lujosa, en un bar clandestino, en una casa destruída, retratos de un mundo consumista que ignora las almas de sus habitantes.

Obra que homenajea y obra que influye

Sin duda una obra que se debe al cine urbano de finales de los 70s, en especial del toque americano o neoyorquino; con toques de humor que alivian la extrema crudeza visual de sus escenarios, humor que dicho sea de paso es muy occidental. La animación típica del estilo de Kon encaja perfectamente con la planificación artística y técnica: los barrios, las calles, los edificios y la fotografía todos soberbios, utilizando colores grises y oscuros que van variando lentamente hacia los colores vivos según las exigencias del guión; punto máximo en la escena final donde se percibe casi un milagro y donde la luz logrará esa sensación que Kon busca. Casi sin fisuras, ‘Los padrinos de Tokio’ recibió la aclamación de la crítica y del público y logró conmover audiencias en todo el mundo. Aquí en Bolivia logré verla en la red ATB una madrugada de diciembre en vísperas de navidad (como hoy!) y siempre me acompaña en los recuerdos, como retrato crudo y redentor de lo que son capaces las personas, para bien o mal, para querer o para olvidar.

El éxito de esta realización explica porqué uno de sus admiradores más fieles, Darren Aronofski, no tuvo problemas cuando tuvo que dirigir otra obra terrenal, dramática y marginal tras la polémica levantada en ‘The Fountain’, sino recuerden ‘El Luchador’ tanto en tonos como en formas. Kon confirmaba lo que se decía de él, que es un director de culto.

Mis amigos, felices fiestas a todos!!!

Sigue el especial de Satoshi Kon en el blog:

Satoshi Kon: ‘Millennium Actress’; la épica historia de una promesa

Satoshi Kon: ‘Perfect Blue’; obra visionaria del horror psicológico

Satoshi Kon: El guión de ‘Rosa Magnética’ dentro de ‘Memorias’

Satoshi Kon: supervisando ‘Patlabor 2 The Movie

Satoshi Kon: ‘Roujin Z’, animador para un relato de dignidad en la tercera edad

Nuevo especial se aproxima: el gran Satoshi Kon

Video: Christopher Nolan y sus juegos mentales

2011-12-22T20:08:00.001-04:00

‘The Dark Knight Rises’ (‘El Caballero Oscuro emerge’) está en el medio del ojo del huracán desatado hace 7 años cuando la Warner le dió el 110% de su confianza a éste director para manejar una franquicia enterrada por ellos mismos. Ya le hemos hecho un especial y cuando sea el momento tendremos que asistir al fin de su trilogía, de su versión del héroe más complejo y fascinante que haya saltado del mundo de los cómics y ha viajado muy bien éstos últimos años en el cine: Batman.

Pero como Bruno Díaz y Batman es un conocido nuestro, necesitábamos una vuelta de tuerca en ese mito oscuro que es aquel personaje millonario de día y justiciero de noche. Para girar nuestros tornillos debemos conocer al creador: Nolan como pocos tiene ese talento heredado de muchos maestros del cine para envolvernos con historias como juegos mentales, donde los giros de argumento son impresionantes, donde hay mucha melancolía por el estilo Kubrick o Tarkovski, donde hay mucha expectación y sobre todo, mucho respeto al público y su inteligencia. ‘Following’, ‘Memento’, ‘Insomnia’, ‘Batman Inicia’, ‘El Gran Truco’, ‘The Dark Knight’ y la última ‘Inception’ son pruebas de ello.

Bonito video, para dar cuenta regresiva al alzamiento del Caballero Oscuro, julio 2012:

En el blog recordemos los films del maestro:

Chris Nolan (1/7): ‘Following’, la declaración de intenciones

Chris Nolan (2/7): ‘Memento’, vivir en el momento, morir en el olvido

Chris Nolan (3/7): ‘Insomnia’, la vida sin reposo

Chris Nolan (4/7): ‘Batman Inicia’, el cine de héroes reinicia

Chris Nolan (5/7): ‘El Gran Truco’, las rivalidades obsesivas

Chris Nolan (6/7): ‘El Caballero Oscuro’, el control de la anarquía

Chris Nolan (7/7): ‘Inception’, el lugar íntimo llamado hogar

‘Transformers: El lado oscuro de la luna’; espectacular pirotecnia sin pena ni gloria

2011-12-21T21:19:00.001-04:00

“ - Nosotros fuimos dioses alguna vez, todos nosotros!! Pero aquí…

- No lo hagas….

- … Aquí sólo puede haber UNO!!!.

- Éste es MI planeta!!! ”.

(Sentinel, Optimus y al final Megatrón)

Y aquí estamos de nuevo, comentando la que debería ser la última entrega de los Transformers versión Michael Bay, esperaban una peor película que la terrible segunda parte? ó esperaban cine de acción con inteligencia, cine de emoción con argumento, ó por lo menos… cine de entretenimiento con palomitas para devorar?. Pues visto lo ofrecido ni lo uno ni lo otro.

Una producción agotada con una sola idea y una sola escena

Y esa idea es… que uno de los sentinelas de Cybertron traicione el pasado de los transformers e intente traer a su planeta a la órbita terrestre, que debíamos haber averiguado eso en 1969, fuera de eso hablamos que los autobots deben marcharse por diferencias con unos pocos humanos y luego intenten salvar a la humanidad en una ciudad americana, digamos Chicago y digamos con las banderas americanas en primer plano. Como gancho para los fans de los films estará Shia Labeuf (a quien extraño más en esos films independientes ó de autor que hacía) y como ya no está Megan Fox introducimos a la modelo aspirante a actriz Rosie Huntintong-Whiteley. Muchos extras, muchos efectos, menos revoluciones y desorden por segundo (se agradece) y muchos planos secuencia que dejen maravillada a la gente que luego pensará haber visto la mejor película de robots que haya existido en el cine. No nos podemos dejar engañar.

Discrepo con este nuevo estilo que tiene Michael Bay, alguien que parece tocar su propio techo por no tener exigencia en la dirección de historias y habiendo perdido la mano dirigiendo actores. Extraño su pulso firme y equilibrado que nos hacía interesar ya sea viendo a Nicolas Cage ó Sean Connery ó Ed Harris en ‘La Roca’; también extraño su propuesta de estilo videoclip que manipulaba nuestros sentimientos en ‘Armaggedon’. No hay ni lo uno ni lo otro. Perdón, sí existe el Michael Bay de ‘La Isla’, tan poco autoexigente, poco firme y para colmo de los males, cortando y pegando planos de esa ligera película, más otras venidas de ‘Pearl Harbor’ y ‘La Roca’.

Y eso ya es un mal síntoma. Significa que se tiene una mala economía de recursos ya que tras darle luz verde con 195 millones de dólares (cúantos requirio Neill Bloomkamp para ‘Distrito 9’?, ah, 30 millones) no le alcanzó para cubrir post producción y requirió meter material de archivo de sus propias escenas –acaso pensaba que nadie se daría cuenta?- además como relleno porque la destrucción de Chicago, y esto no puedo negarlo, sí está creíble.

Pero fuera de lo creíble es ver al personaje de Rosie no hacer nada con una ciudad derrumbándose, no es creíble que luego se le ilumine la conciencia y le hable a Megatrón como niñera al niño que se ha portado mal, no me creo que tras derribar un edificio –la ‘única’ escena novedosa en general - al vestido blanco de Rosie (y su rostro) no se le vea ni un solo escombro ni daño; es inverosímil que tan pocos humanos se interesen en salvar las millones de vidas de la urbe y es inadmisible que pocos humanos sigan siendo los malos del mundo, amén de que buenos o malos sean yankees. No hay crecimiento actoral en Shia, me preocupa que parezca cansado de su personaje y que haya perdido el carisma de la primera película pero más me preocupa saber que a Bay no le interesa revisar ni los diálogos ni preparar a sus actores para que sean menos sobreactuados en el montaje final; creo que sabe que la mayoría no se dará cuenta y nos estarán mandando imágenes sobre exageradas en secuencia a nuestras retinas.

No lo veo mal, después de todo disfruto ver escenas de acción hechas de forma artesanal como los autos en el puente de ‘Bad Boys 2’, pero cuando el CGI le inunda todo el montaje pierde a los actores y éste film es la mejor muestra de una dirección que ha perdido el control. Parece más suelto dirigiendo a los robots. Ojalá sepa cómo salir de sus limitaciones y vuelva a ésos films donde importaba tanto la historia como la forma de presentarla.

Porque ‘Transformers: el lado oscuro de la luna’ sólo ofrece mucha pirotecnia, mucho ruido y poca historia.

‘Misión Imposible’: la reinvención del cine de agentes

2011-12-15T23:46:00.001-04:00

“ Luz roja!… luz verde!!!”.

Como estamos a punto, a tan sólo días de la llegada de la cuarta parte de la saga más esperada por los fans de Brad Bird, y luego por los fans de la serie y del concepto llamado ‘Misión Imposible’ seguido por los fans de Tom Cruise–los que quedan tras botar la mitad de su reputación en el show de Oprah– , es que nos vemos en la obligación moral y personal de reseñar las películas que hizo este interesante actor, con sus luces y con sus sombras, como todo.

Modernizando las misiones imposibles

Primero hay que comenzar con un dúo, conformado por Tom Cruise y Paula Wagner quienes adquirieron los derechos de la serie televisiva para que Tom fungiera como productor y contrate según sus gustos particulares a toda una industria a medio camino entre los profesionales clásicos (amantes de la serie) y profesionales modernos (de mediados de los 90s y donde algo llamado Internet debía nombrarse). Ésta es la verdadera figura de Cruise: el empresario con un gran olfato comercial, y de paso corriendo varios riesgos que amenazaban la idea de hacer una película sobre la mítica serie norteamericana y mundial. Vamos, hay que admitirlo, esta su visión del concepto dividió a medio mundo, sirvió para que nuevas generaciones se enteren de lo que iba la IMF y para que otro tanto la detestara por tocar a uno de los íconos del show.

Puede que no recuerden los más jóvenes pero cabe rememorar que Cruise era amo y señor de Hollywood a principios de los 90s, tal era su poder que sus límites de actor los ponía él mismo, no sabíamos que estaba en la Cienciología pero sabíamos que se sabía una superestrella en toda la extensión de la palabra. En 1993 había presentado la endeble ‘The Firm’ pero el 94 sorprendía con su impresionante Lestat en ‘Entrevista con el Vampiro’; cuando se supo que iba a producir y supervisar su nueva adquisición y que éstos eran nada más y nada menos que los derechos de MI todo Hollywood encendió el hype, se elevó al expectativa y se esperaron todas las noticias posibles. Puede que la parte más difícil fuera encarar el guión complejo y antihistórico de Robert Towne pero Tom es Tom y se dió modos para traer un maestro en conflictos de poder y ambición: la elección de Brian de Palma (que había rodado la tremebunda ‘Carlito’s Way’ con Al Pacino antes de aceptar este encargo) sin duda fue todo un acierto. Súmenle a ello 80 millones de presupuesto y vean cómo el riesgo es asumido como azúcar en café caliente.

Tom es el agente Ethan Hunt, miembro de la IMF y Jon Voight es Jim, el cerebral líder del equipo de Ethan; el robo de una lista ficticia con los nombres de los agentes de Europa oriental es supuestamente el motivo para la acción del equipo para capturar al soplón dentro de la CIA. La ejecución del plan conlleva una traición y el equipo de Hunt es asesinado quedando solamente con la compañía de la esposa de Jim (una bellísima Emmanuelle Béart) mientras son perseguidos como los sospechosos de la trampa que se las ha tendido. Ethan deberá aliarse con el enemigo, rearmar un equipo nuevo, viajar por Virginia, Londres y París, encontrar al traidor y arreglar este problemón antes que la CIA le capture.

Jim es el traidor!!!

Polémico fué – lo recuerdo como si fuera ayer – las primeras impresiones del film. Fué un exitazo total debido en gran medida a la presencia de Cruise y esas escenas diseñadas para quedarse en la historia del cine de agentes secretos: como el mítico robo contra la gravedad en Langley ó la peligrosa incursión en el tren transcontinental. Queda en la retina y en la memoria la memorable banda sonora (la original de Lalo Schiffrin y la nueva de Adam Clayton y Larry Mullen de U2), así como la sensación de un buen nivel técnico: fotografía, montaje, sonido y unos efectos especiales cuidados a más no poder aunque es justo decirlo, con fallas al final (manejando un elemento siempre difícil como el helicóptero dentro de un túnel). Pero se ve la mano de un director experimentado, que si bien no explota todas las novedades que podían arriesgarse sí logra sostener el film sólo con Cruise (como debió ser su intención) y no tiene el más mínimo temor de presentarnos como villano a un Jim corrupto, hastiado y enojado con sus patrones; los actores están pues, demasiado correctos.

Vuelvo a mencionar que estamos en 1996 y tras el debut millones de espectadores quedaron satisfechos así como una buena porción de la crítica, empero los puntos oscuros sobre ‘Mission Imposible’ a través del tiempo son muy evidentes: Cruise hace de Ethan un muñeco mecánico inteligente pero sediento de venganza, la maldad de Jim no se justifica de manera completa y el guión es tan lineal y rápido que no se detiene en profundizar en los personajes (ó en el agente Hunt) de manera que podamos sentir más allá del cine de suspenso y entretenimiento que nos venden.

Digo, que nos vendieron y que dos películas después seguimos comprando.

‘Happy Feet 2’: más infantil y menos musical

2011-12-11T21:03:00.001-04:00

“ Cada paso cuenta”.

5 años han pasado desde que tuvimos esa desgarradora e impactante primera película de animación sobre pinguinos llamada ‘Happy Feet’, un film atípico, demasiado dramático en sus alcances gracias a un maestro en dirigir historias de soledad y búsqueda interior como es George Miller quien repite en esta ocasión y que también tenía una fuerza musical y una puesta en escena visual muy potentes, se llevó el Oscar a la Mejor película animada en los Premios Oscar de ese año ganándole de manera sorpresiva a la favorita ‘Cars’ de Pixar.

Ya no hablemos de talento, hablemos de identidad

Mumble y Gloria son ahora los líderes del territorio pinguino Emperador, la cantante y el bailarín reemplazan al padre y la madre de Mumble como los estandartes de sus compatriotas. Erik, hijo de ambos, comienza su rutina infantil inicial pero no demuestra talento musical alguno de forma que cae deprimido a corta edad. Tras seguir a Ramón a la otra nación pinguina descubre que todos ellos se sienten fascinados por Sven, un ave que se hace pasar por pinguino volando y contando su experiencia con los humanos. Es justamente la capacidad de volar y la experiencia de Sven que influyen en Erik más que su propio padre, algo que seguramente no debe ser del agrado de alguien que intenta criar a su hijo. Mientras tanto dos pequeños krills (algo como pulgas en forma de calamares, disculpen mi ignorancia) de nombres Bill y Will se separan de su numeroso grupo, Will sueña con otra identidad y otra vida más allá de la rutina de existencia en los millones y millones de krills de su bancada mientras que Bill sólo le presta amistad y compañía, dos diminutos bichitos que tendrán a lo largo del film su propia aventura.

Y como la tierra va cambiando sucede una tragedia: se desprende un gran témpano y los pinguinos del territorio Emperador quedan atrapados de forma completa, Mumble retorna con los niños aventureros de la nación de Ramón y encuentran a su pueblo en problemas, mientras trabajan todas las formas de proveerles de comida y de esperanza muchos otros asistirán a colaborarles, la otra nación pinguina lo intenta, los humanos expedicionarios lo intentan pero el tiempo se les va acabando y el hambre y la locura hacen carta de presentación.

Pues miren que tenemos una historia interesante e incluso se puede decir que el nivel técnico presentado no tiene fisuras: ahí están los pinguinitos que ya conocíamos, así de tiernos y así de conflictivos, con sus cosas buenas y malas y son una extensión de esa primera parte. Pero falta algo, algo que baja su puntuación global lejos de la sorpresa que supuso ‘Happy Feet’ y creo que esa ausencia radica en haber debilitado dos grandes fortalezas de la anterior película: los números musicales y la puesta dramática, existen ambos es esta secuela pero no superan lo anteriormente visto. Las canciones prometían (con ese inicio con LL Cool J y Justin Timberlake) y el drama podía presentarse con la trampa mortal a la que es sometido el pueblo Emperador, pero el guión no explota todas las ideas, los diálogos bajan de tono, se nota que desean ser amplios en audiencia y en ese sentido parece ser más infantil, todo un tiro en la culata.

Los bichitos que salvan el show

Ahora, si las cosas no me fallan encontré mucho entretenimiento y mucha coherencia con la aventura paralela de Will y de Bill, dos pequeñas criaturas buscando una vida más grande e inimaginable que el diseño natural que se les dió a los de su especie, me gustó esa humilde historia y me agradó la conexión con la historia principal, no salen lo suficiente y el doblaje latino que se vió en el cine no les hace justicia, dicen que Brad Pitt y Matt Damon están muy bien en la versión original (me compraré el DVD por nada más) aunque faltará la voz original de Gloria, me entristece pero es justo recordar lo bien que estaba la primera parte con Brittany Murphy, qepd.

No es el éxito que sus productores esperaban y queda muy abajo en calidad musical de su antecesora, talvez la versión de los pinguinos y elefantes marinos de ‘Under Pressure’ de Queen y David Bowie se me pueda quedar en la memoria; más que suficiente, con eso supera lo decepcionante que fué –en lo personal – asistir al visionado de ‘Cars 2’, hasta ahora la mas floja en su categoría en este año.

Escenas inolvidables: la conversación de Shaka de Virgo con Buda en ‘Los Caballeros del Zodíaco’

2011-12-09T23:30:00.001-04:00

“ – Shaka, ¿porqué estas tan triste? tan sólo tienes 6 años y a pesar de ello te sientas ahí todos los días a llorar, qué es lo que te preocupa?.
- Hoy ví muchos cuerpo muertos flotando en el río Ganges y en la orilla peregrinos de toda la India se purificaban, tuve la impresión de que celebraban la muerte en lugar de la vida, porque es tan pobre este país donde nací??, parece que solo nacemos para sufrir y lamentarnos, la gente vive sólo entre desgracias.
- Shaka, eso te pone triste?
- Claro, ¿quién quiere una vida llena de tristeza?.
- Estás equivocado Shaka, donde hay tristeza hay alegría, y es lo mismo de otro modo, hermosas flores florecen pero eventualmente mueren, todo en este mundo va cambiando, siempre en movimiento, nunca igual, todo cambia, la vida del hombre es igual.
- Pero si la muerte es inevitable debe ser que la tristeza es quien domina nuestras vidas! aún cuando superemos el sufrimiento… busquemos amor y felicidad, la muerte lo unificara todo, no entiendo… ¿porque nacemos en este mundo cuando no podemos desafiar algo tan completo y eterno como la muerte?.
- Shaka… parece que lo has olvidado
- ¿Olvidado?
- La muerte no es el final de todo, sólo es el siguiente paso”

Recordando hasta ahora la última saga de ‘Saint Seiya’ que se conocío acá como ‘La Saga de Hades’ es que podemos rememorar ese impresionante comienzo en los primeros 12 episodios, donde Hades envía a sus espectros para asesinar a Athena y de esta forma reinar en el mundo de los vivos. En esta aventura tres caballeros dorados ya fallecidos han vuelto a la vida y van por un sendero peligroso: Saga de Géminis, Camus de Acuario y Shura de Capricornio; quienes se infiltran en una misión suicida, de doble persecución y de mucha valentía, para llevar el mensaje a Athena deberán enfrentarse a Shaka de Virgo en una de las batallas más recordadas de esta épica serie, donde también seremos bendecidos con la visión de los dos árboles gemelos de sal.

Fuera de este contexto de aventura se tiene una escena de alto valor espiritual, que implica la niñez de Shaka y sus dudas tan profundas sobre la vida, el sufrimiento y la muerte, trabajada con una belleza artística pocas veces visto en los muchísimos capítulos de Los Caballeros del Zodiaco y que presenta enseñanzas del Budismo dentro de un contexto dramático (la pelea entre los caballeros dorados) y que sale airoso en su presentación.

Disfruten esta preciosa escena inolvidable:

Brad Bird: dirigiendo a ‘Los Simpson’

2011-12-06T22:05:00.001-04:00

Después de la traumática experiencia en ‘The Plague Dogs’ Brad comienza un período personal diferente en lo profesional y que le aleja de sus trabajos habituales de animador. Cinco años después retoma su labor centrándose en un camino diferente del animador normal, para ello trabajaría para una producción de Steven Spielberg llamada ‘Amazing Stories’ , una serie que cambiaba siempre de temática variando entre la ciencia ficción y el misterio. Era 1987 y pronto llegó a escribir y dirigir un episodio de la segunda temporada llamado ‘Family Dog’ (cuándo no) donde el protagonista era la mascota de la familia Binford, una familia disfuncional americana (prototipo de lo que vendría a ser luego ‘Los Simpsons’). Como anécdota comentarles que Tim Burton se encargó del diseño de los personajes.

Tras la repercusión mediática de este trabajo se propuso que se convirtiera en una serie de televisión, Brad se negó a continuar con el emprendimiento dejando el proyecto y alegando que el mismo no tendría futuro en el medio televisivo. Pronto vendría su primer encargo para un film con personajes de carne y hueso co-escribiendo el guión de ‘Baterías no incluídas’ (conocido por nosotros como ‘Milagro en la calle 8’) dirigido por Matthew Robbins y que como recordamos contaba la aventura de dos micromáquinas extraterrestres salvando a unos humanos en Nueva York, dónde más.

Y llegaron los 90s

Quizás su prestigio ganado por ‘Family Dog’ le sirvió para que la Cadena FOX le involucrará en el equipo creativo del show ‘Los Simpsons’, que ya estaban en el camino de la independencia del Show de Tracey Ullmann. Bird dirige el episodio No. 12 de la primera temporada: ‘Krusty gets busted’ que es todo un clásico hoy en día, es el capítulo de la trampa que le tiende Bob Patiño a Krusty el payaso con la consiguiente colaboración de Bart y Lisa. no sería la primera dirección de Brad ya que pronto repite para el recordado capítulo ‘Like Father like clown’ donde Krusty y su padre, un rabino judío intentan reencontrarse, éste es un episodio de la tercera temporada, que cerraba aquella época de Los Simpsons que conocemos ahora como la etapa familiar.

A Brad siempre le gustó el diseño y la personalidad de Krusty, en esos dos capítulos se nota su cariño por darle una dimensión muy humana, tanto en el conflicto de la traición sufrida como en el sufrimiento por el padre que le rechaza; quedan ambas en la memoria del espectador como los capítulos más importantes de este personaje capital de Springfield.

Si bien Brad ya estaba con un empleo fijo y trabajaba de asesor de la FOX para el equipo de Matt Groening, pronto se dió cuenta que su carrera en ese momento se estaba formando en la televisión y que podía cumplir con encargos varios. Prueba clara de ello es haber dirigido el video musical ‘Do the bartman’ producido en noviembre de 1990 y lanzado en 1991. No debía ser un problema: la rebeldía inocente de Bard en contra de sus enemigos declarados de su infancia: la escuela, el padre controlador, las ganas de libertad creativa y de seguir la moda reinante: el pop noventero, rap, los beats de ciudad; todo ello con gotas de saxo y coros de R&B, incluso se dice que el mismo Michael Jackson – fan declarado de Bart – escribió las letras, un dibujo animado y a la vez un pincel de la época!

Todavía me acuerdo, era un éxito sin que aún se transmitiese en Bolivia. El canal universitario la rotaba con mucha frecuencia y en el mundo las cosas eran mucho mejores: en Inglaterra llegó al No. 1 (el show de Los Simpsons tardó cuatro años más en llegar a esas tierras) y tanto en Europa como Australia se paseó en todas las listas llegando a lo más alto. Un gran ejercicio de estilo y un video testimonial que vale la pena ver:

Pero después de 8 años, Brad dejaba de aprender de la tv y volvería al cine de animación.

Sigue el especial de Brad Bird en el blog:

Brad Bird: el joven animador de Disney

Brad Bird; narrador con mucha humanidad

La Saga Millennium: ‘La chica que soñaba con una cerilla y un bidón de gasolina’

2011-11-30T22:44:00.001-04:00

“ Lisbeth detesta a los hombres que maltratan a las mujeres… estoy seguro que no fué ella”.

- Mikael Bloomkvist.

Para el 2009 la YB Films lanzaba a toda prisa la segunda parte de la saga Millennium, aprovechaba el gran éxito logrado por la primera parte y repetía con los actores principales: Noomi Rapace y Michael Nyqvist. El único y gran cambio sentido se deparó en la silla del director: Daniel Alfredson tomaba la posta que de manera brillante había dejado Niels Arden Oplev con el inicio de la trilogía y aunque ésta segunda parte no defrauda, tiene menos poesía y oscuridad que la primera y venerada película.

El pasado persigue a Lisbeth

Con su nueva vida casi arreglada Lisbeth confía su antiguo apartamento a su ex amante, mientras tanto ‘Millennium’ continúa con su línea de ser una editorial riesgosa y comienza a publicar una serie de reportajes muy polémicos: las redes de prostitución y tráfico de menores en la Europa oriental. Mikael Bloomkvist y sus compañeros de la editorial se sienten muy animados por esta nueva forma de destapar escándalos sucios de la sociedad sueca pero los intereses que se han tocado son más grandes de lo imaginado. Ocurre el sangriento asesinato de uno de los editores y se culpa a la exiliada Lisbeth en todos los medios posibles, Lis queda sorprendida y debe retornar a aclarar la trampa que le han montado. Mikael le cree pero realiza su investigación de forma separada y mientras le apoya en la distancia va conociendo detalles lúgubres e impactantes de la niñez de Salander, muy impactantes como el mismo título del libro.

En términos muy cinematográficos podemos comparar el inicio de esta historia con otra segunda parte: ‘La Supremacía de Bourne’ (Paul Greengrass) pero poco a poco va adquiriendo un tono oscuro y al final violento que parece que asistimos a una película de Tarantino. El difícil y complicado pasado de Lisbeth se asocia con unos recuerdos de maltratos hacia su madre y la figura tiránica del despiadado padre, quien se ha convertido en un poderoso mafioso del comercio sexual. Parece un acierto que la historia se vuelva más personal y podamos conocer más sobre nuestra chica, pero a costa de seguir dos hilos narrativos paralelos.

Y mientras Lisbeth descubre quién se encuentra tras la trampa que le han tendido, Mikael procura colaborar a su amiga obteniendo información delicada, conoce más de la tortuosa vida de Lis y se horroriza. Los compañeros de Lisbeth también sufren, son atacados por las fuerzas oscuras detrás de los intereses de las redes de trata de mujeres, nada parece seguro y al final requieren de mayor suerte para sobrevivir. Veremos sufrir físicamente a Lis que ya es presa de su propio pasado, pero también veremos cómo separa sus sentimientos: la necesidad de venganza supera toda atadura con su familia, no hay misericordia, no hay perdón.

La elección de Alfredson no cambia la fotografía ni la edición vistos en ‘Los hombres que no amaban a las mujeres’. Empero se notan muchos de los cambios que hacían a la primera película un ejemplo de thriller y cine de detectives muy solvente; se percibe en el apresurado manejo de interiores y en el extenso tiempo reservado para armar la escena final, con todo y ello el film pasa las dos horas pero tiene 20 minutos menos que su antecesora. Talvez la estrategia era resumida ya que se cuenta con una base sólida de fans pero como una película considerada de forma unitaria y sin depender de su precuela ó de su secuela deja mucho que desear. Un ejemplo claro de lo planteado se puede ver en – vuelvo a reiterar – la ‘Supremacía de Bourne’, película que se sostiene por sí misma. Ni mencionamos el peso específico de , digamos, ‘El Caballero Oscuro’.

Con la mitad de los misterios de la trilogía resueltos ahora queda observar cómo se enfrenta nuestra Lisbeth al desenlace de su aventura, para ello y gracias a la filmación continuada en poco tiempo se prepara el gran final de la saga Millennium.

Siga el especial en el blog:

La Saga Millennium: ‘Los Hombres que no amaban a las mujeres’

Escenas Inolvidables: el terrible interrogatorio en ‘The Dark Knight’

2011-11-27T19:05:00.001-04:00

“ Ellos son tan buenos como el mundo les permite ser. Te lo mostraré. Cuando las cosas cambien, éstas… éstas personas civilizadas… se comerán entre ellos!. Mira, yo no soy un mountruo. Sólo lo veo venir.”.

- El Joker (Heath Ledger).

Y volvemos a hablar de esas escenas memorables de la historia del cine, empero, ésta vez con una gran mezcla de tristeza y nostalgia para recordar también a ese actorazo que fué y seguirá siendo Heath Ledger. Ese muchacho australiano que logró conquistar el mundo entregando su espíritu en cada una de sus actuaciones y que seguramente – no me cabe duda - hubiera tenido una de las más grandes carreras no sólo cinematográficas sino artísticas de la historia moderna, Heath no sólo era un actor versátil, sino también músico y director de clips.

Mucho se ha dicho y mucho se seguirá diciendo de ‘The Dark Knight’, esa subversiva obra del maestro Nolan que espera una resolución el 2012 y que me temo no llegue a los niveles de calidad dramáticos y de contenido de ésta tremebunda película. Una de las razones es la escena clave y que gira el argumento a medio metraje, donde nos creíamos la captura del Joker y la colaboración de Gordon. Pues resulta que la captura estaba planificada al milímetro y el maestro de la anarquía expone sus ideales en una entrevista caótica, difícil y tensionante.

No diré más, recordemos a Heath y esa interpretación que emociona hasta el tuétano:

Brad Bird: el joven animador de Disney

2011-11-25T23:17:00.001-04:00

Como el especial de la mayoría de nuestros invitados, estos talentosos directores no comenzaron en el negocio siendo pues directores. Comentamos la carrera de muchos nombres importantes y por ejemplo citamos que David Fincher comenzó como colaborador técnico en la ILM de George Lucas; que Satoshi Kon dibujaba mangas y era el brazo derecho de su mentor Katsuhiro Otomo. Son personas valiosas que han ido construyendo su talento desde abajo, peldaño a peldaño, aprendiendo y equivocándose, como la vida misma.

Brad dice que tenía 11 años cuando conoció la Walt Disney Studios y se enamoró del mundo de la animación, se propuso demostrar de lo que era capaz y realizó un corto animado de 15 minutos durante dos años, fué tal el grado de dedicación que logró admirar a la división animada de la compañía del ratón. A sus 14 años ya era entrenado por el mismo Milt Kahl, uno de los 9 míticos directores de la Disney del cual aprendió algo muy importante y que lo practicó durante el resto de su vida: la disciplina.

En 1975 y con 18 años se graduó de la preparatoria y dedicó su tiempo en muchas cosas hasta ser becado por el estudio en la California Institute of Arts donde conoció a un joven muy cordial de nombre John Lasseter, ingresó a una vida profesional exigente en una industria que no era la misma desde hace mucho tiempo, y es que los 80s no tenían el romanticismo clásico de las viejas joyas infantiles que todos recordamos, aún así se dió modos de ser animador de la película ‘Anymalympics’ de Steven Lisberger, un film dentro de una serie que celebraba el deporte mediante unos simpáticos animalitos del zoológico.

Entre perros y zorros

Dentro de Disney colaboró como animador de una película muy arriesgada: ‘El zorro y el sabueso’, un film que necesitó hasta tres directores y cerca de 5 años en realizarse hasta su debut en 1982; la bella y nostálgica historia del sabueso y del zorrito que se hacen amigos en un ambiente dominado por un marcado racismo provocado fué considerada como la película más ambiciosa y también la más cara hasta ese momento para la industria y entre sus muchos problemas se tuvo una fuga de animadores constante que hizo retrasar numerosas veces el proyecto (Con decirles que comenzó a elaborarse en 1977). Bird fué uno de ellos y con el dolor de su corazón dejó de trabajar para Disney.

Destino o no, pronto se vió en un proyecto opuesto y traumatizante con los mismos personajes recurrentes, pues se fué a trabajar de animador de un film tétrico y nada infantil llamado ‘The Plague Dogs’ (Martin Rosen, 1982). Considerado ahora un film de culto, contaba la historia de dos perros: Rowf y Snitter, que logran huir de la violencia animal y son perseguidos y maltratados por los crueles humanos. Seremos testigos de las injusticias, de un aire pesimista, de la amistad de un valiente zorro que les ayuda, de las expresiones de pánico y de terror impensables para una película animada, de escenas muy fuertes y de un oscuro final que hoy por hoy la convierten en una película impresionante. Triste, hoy es una joya de la animación y una obra de protesta que ahora envejece muy bien. Nuestro muchacho salía de esta triste pero potente experiencia y decidió siempre dar rasgos humanos nada infantiles y muy realistas en sus siguientes trabajos.

Pero seguía teniendo juventud y una serie animada sobre una familia amarilla de un pueblo llamado Springfield le llamaba para ser director.

La Saga Millennium: ‘Los Hombres que no amaban a las mujeres’

2011-11-22T00:33:00.001-04:00

“ Él la secuestró y la asesinó… y además lo disfrutó! Él tuvo las mismas oportunidades que tuvimos nosotros y escogió ser lo que quiso ser!”.

- Lisbeth Salander.

Celebrando la pronta llegada de la versión americana de esta gran trilogía, repasemos la primera parte de la saga ‘Millennium’, y dijimos alguna vez…

Es casi de conocimiento general que el fallecido escritor sueco Stieg Larsson nos ha dejado un legado increíble a la literatura mundial: las novelas policiales y de suspenso de su sorprendente saga: ‘Millennium’; donde los personajes principales son: el detective Mikael Blomkvist y la hacker Lisbeth Salander; como quiera que no me leí las novelas (ni pienso hacerlo aunque la haya celebrado el mismo Vargas Llosa) sí puedo referirme a la primera película de la trilogía de los films de esta serie: ‘The Girl With The Dragon Tattoo’ traducido como ‘Los Hombres que no amaban a las mujeres’ y según dicen debería traducirse –y con mucha razón- ‘Los hombres que odiaban a las mujeres’ pero yo prefiero llamarle ‘La Chica con el tatuaje de dragón’. Señores, hablemos de Lisbeth Salander.

Lisbeth Salander, hija de su tiempo

Lisbeth vive sola, tiene una apariencia de emo + neopunk y trash; es bisexual, es una genio informática y tiene talento en el hackeo, es una investigadora consumada y posee memoria fotográfica; tiene un fuerte comportamiento reprimido debido a un pasado desconocido y al parecer horrible para nosotros (algo que se devela de forma cruel en la segunda parte); Lisbeth es desde hace dos años el personaje de novelas más analizado y celebrado en los círculos literarios y cinematográficos en el mundo. Su mente y su cuerpo (tiene un dragón tatuado en toda la extensión de la espalda) son un arma de esta nueva generación, no un arma que pelea ó reparte patadas, no no, ella misma es un arma de la información, ella la consigue, la procesa, la obtiene. La actriz Noomi Rapace (pronto en ‘Sherlock Homes 2’) se ha mandado un papelón, dicen en todas partes que ha materializado lo que dicen de ella los escritos de su creador.

Por su lado el periodista Mikael es un hombre que ha llegado a la madurez con un escándalo mediático, su tabloide ‘Millennium’ se metió con redes corruptas denunciándoles y ellos le mandan a la cárcel ejerciendo el poder del que ostentan (es igual en todas partes no?), antes de su reclusión Mikael acepta una investigación privada que implica buscar el paradero de Harriet Vanger, una chica desaparecida hace más de 40 años y una de las herederas del imperio empresarial Vanger; a solicitud de uno de los patriarcas de la familia y que confía en que Mikael logre más resultados que la policía y la familia misma, Mikael encontrará mucha oscuridad y muchos horribles motivos.

Investigar en un ambiente oscuro y tenebroso

Pues Mikael y Lisbeth se asocian para este cometido, no diré más; la película dura 2 horas y media y está muy pero muy bien filmada, ingresa en la categoría de thriller - suspenso y también en el género criminal policial con una ejecución apropiada, los escenarios de Suecia sirven muy bien para ello y no suelta el interés por ningún momento, como es de la escuela europea el director Niels Arden no duda en darnos imágenes chocantes, imágenes cutres y mucho realismo que puede impactar (o no según esten acostumbrados); pero la historia detrás de lo acontecido a la chica Harriett sí que da miedo. A mí me deja una terrible sensación de ver un machismo deforme a fondo, con hombres que le faltan depravadamente el respeto a las mujeres y que en Suecia como en todo el mundo hay cosas que siguen mal, que no es la sociedad que nos venden, que la capacidad para hacer el mal es universal.

Si son aficionados a films como ‘El Silencio de los Inocentes’ ó ‘El Secreto de sus Ojos’ sin su medido romanticismo además de otros similares verán en ésta realización un trabajo respetando al espectador, trasladando con imágenes, escenas y montajes esa preciosa y perturbante oscuridad que pretenden introducirnos, eso es de agradecer. Dos años después ha llegado a Cochabamba (iba a mencionar ‘qué increíble’ pero ya no pido respuestas de nuestros distribuidores) y sus otros dos films tienen futuro incierto a pesar de haber sido éxito en todos lados del mundo. Es que su segunda parte ‘La chica que soñaba con fósforos y un bidón de gasolina’ y su final: ‘La reina en el palacio de las corrientes de aire’ son un conjunto redondo y que hacen una radiografía de la Europa que nadie quiere ver, donde temas tan fuertes como la trata de personas, la corrupción y la destrucción de los valores morales más básicos parecen triunfar!

Se ha decidido pasar la trilogía reseñada en nuestro blog. Mi admiración por el personaje creado por Larsson así lo amerita.

‘One Piece’; la gran aventura pirata

2011-11-20T17:55:00.001-04:00

“ Acaso hay algo más valioso que tu sueño?”.

- Luffy.

Sucede que en 1997 y en plena despedida de la mítica ‘Dragon Ball Z’ de su publicación en los mangas, uno de los asistentes del gran Akira Toriyama comenzó su propia publicación bajo la influencia de su maestro. No supo Eiichiro Oda que su manga tendría un éxito descomunal y que tras 14 años en la escena japonesa y mundial su éxito no ha sido siquiera cuestionado en algún momento. Mis amigos al fin y por fin, ha llegado al blog una reseña muy especial; la más grande aventura de los mares, ‘One Piece’ es su nombre.

La leyenda de ‘sombrero de paja’ Luffy y sus nakamans

No podría existir una historia más sencilla: un sólo hombre ha recorrido los océanos del mundo: Gold Roger, pero sentenciado y en plena ejecución anunció que les daba todo su tesoro a quien pueda encontrarlo iniciando de esta forma la gran era de los piratas. Luffy Monkey es un joven pirata que 20 años después de la ejecución de Roger comienza su propio viaje por el tesoro, el llamado ‘One Piece’ y por su sueño tendrá un barco (la ‘Sunny Go’), formará una tripulación muy variada con grandes luchadores como Zoro y Sanji, amigas muy guapas como Nami y Robin, un embustero útil llamado Usopp, un morfo llamado Chopper, un robot llamado Franky e incluso un muerto viviente, el esqueleto y músico Brook, los legendarios Murasawi a quienes no sólo ha convencido de unirse a su motivo, les ha motivado a seguir viviendo.

En la formación de su propia historia, Luffy nos recuerda al joven Goku pero con una gran sobredosis de confianza y de ingenuidad; tras el trazo fino y minimalista de Oda todos los personajes se nos presentarán directos y gracias a ello, seremos testigos de grandes aventuras, que involucran batallas, barcos, seres fantásticos, brujas, marineros, fantasmas, espadachines, traidores, fieles, mentirosos, leales, todo el universo de los piratas! No habrá dudas sobre el protagonista ya que el mismo Luffy tiene una sonrisa molestosa para sus enemigos, tiene una gran personalidad para su propósito y es un gran humanista (incluye confiar en gente tan especial como robots, fantasmas y calaveras, jeje). Gran carisma y gran capacidad de aprendizaje, Luffy le debe tanto al Goku de ‘Dragon Ball’ que podría decirse que gracias a su aparición toda la fanaticada del manga y animé japonés pudo pasar de la transición de una serie muy querida a la gran novedad de este muchacho sencillo pero poderoso, cubierto solamente con su eterno sombrero de paja.

Un estilo sencillo y unas aventuras entretenidas

Puede que ‘Naruto’ tenga el poder de camino ninja como máximo atractivo entre nosotros los fans, así como ‘Bleach’ lo tiene en la fantasía espiritual; ‘One Piece’ tiene como atractivo sus exageradas aventuras, las luchas desiguales y la deformación de los poderes en favor de los propósitos de sus personajes; dibujados y animados aparentemente de una forma bizarra. Pues nada más lejos de la verdad, ya que existe un sentido de acción, de drama social, de drama personal, de comedia occidental y de aventura ligera que todo parece bien planificado y mejor ejecutado. Las peleas de los buenos, la confianza en cambiar a los que parecen enemigos y la conexión entre el pasado de Luffy y sus queridos amigos están muy bien diseñados que logra que un niño y un joven pasen un buen rato viendo ‘One Piece’.

Debe ser éste el secreto del éxito de esta obra camino a escribir su nombre en la gran historia del animé japonés, además muy pocas series han llegado a ese altar sagrado donde están ‘Dragon Ball’ ó ‘Los caballeros del Zodiaco’. Ésta serie lo hace y a pasos firmes, si no, pregunténles a Oda y la editorial Shueshia y también al estudio Toei, a sus 14 años y 64 tomos como manga, a sus 12 años y 523 (si, quinientos veintitrés!) episodios como animé en la TV, a sus 10 películas y muchas Ovas y a todo un ejército de escritores, dibujantes y productores que responden a un mercado competitivo.

Como millones de personas, esperemos muy pronto que Luffy consiga llegar al tesoro de Roger, más que eso, que obtenga un precioso lugar en la historia moderna de la animación mundial. Estamos muy seguros de ello.

‘Kung Fu Panda 2’; ¿cuál paz interna?

2011-11-19T14:56:00.001-04:00

“ … Fideos”.

- El Señor Ping viendo alejándose a su hijo y los 5 furiosos.

Continuando con la secuela de la exitosa primera parte de ‘Kung Fu Panda’ tenemos ante nosotros su retrasada continuación, tres años después de haberle plantado cara a Pixar (y perdiendo pero por poco) y en un año donde los primeros han fallado estrepitosamente por primera vez (por culpa de ‘Cars 2’). Ahora la compañía de la luna ha pensado en un cambio de timón, donde la directora de tableros de animación Jennifer You se hace cargo de la película del panda y casi todo el casting original vuelve a repetir: Jack Black, Angelina Jolie, Jackie Chan, Seth Rogen, Lucy Liu, Dustin Hoffman y con la incorporación de Gary Oldman como el villano.

Tiempo después de la primera aventura, un pavo real llamado Lord Shen desafía a la China mediante la invención de un arma basada en la pirotecnia tan popular de su país; lo hace por un rencor grande a su familia que a su tiempo pertenecía a su realeza y que tras provocar la desaparición de varias tribus (entre ellas los pandas) reclamó su imperio. Negado por una adivina regresa a cobrar lo que considera suyo y Po junto con los 5 furiosos se deben encargar de detenerle. Empero Po conocerá que Shen es la figura maestra y siniestra detrás de su pasado, de la desaparición de sus padres, de su propio origen.

Divertida pero apresurada

Tanto J. Aibel como Glenn Berger repiten como guionistas, la misma directora participa en el guión e incluso el gran Charlie Kauffmann (guionista de ‘Eternal Sunshine of the spotless mind’) asesora este grupo, pues no digo que esté mal, total que el secreto del origen de Po teniendo un padre adoptivo pato (el cariñoso Señor Ping a quien es difícil no sentirle ternura) no nos quedaba mal para la primera película. Ingresar este acontecimiento en la nueva aventura ha resultado acertado pero también ha entrado en conflicto con el otro concepto que nos ofrecía: la paz interna. Tras una interesante introducción del maestro Shifu vemos cómo Po tarda en estabilizar sus emociones debido a los nuevos sentimientos de orfandad, soledad y falta de identidad que le rebasan, los otros compañeros (en especial Tigresa) le entienden pero como es un problema personal llega al punto de arriesgar la propia misión.

Pues como el ying y el yang, el blanco y el negro –de ahí un acierto dar guiños al color del panda – y como la alegría y la tristeza, todo para Po se resume en sentir dentro suyo muchas emociones (ying) y su deber por encontrar la necesaria paz (yang). Todo ello entra en conflicto en sus recuerdos. Podía resultar en una mejor resolución pero se nota cierto apresuramiento, muy lineal y adornada obligadamente por las batallas (muy interesantes) y los chistes fáciles y esta vez demasiado básicos y alguno hasta vergonzoso (la escenita del sombrero). Todos los elementos técnicamente bien logrados pero distractivos ya que esa dicotomía del que les hablaba sale muy poco a la luz. Al otro personaje antagónico que es Shen no le alcanza el tiempo para lucirse, para que podamos profundizar en su rencor, en su odio; ni me pregunten por los 5 furiosos, aparecen por cumplir.

Técnicamente no hay sorpresas

Con una dirección sencilla y previsible en todos los campos, vemos agradecidos grandes paisajes orientales, una excelente utilización de la paleta de colores, sonido, cinematografía y montaje que recuerdan al primer ‘Kung Fu Panda’ pero nada de lo anterior se mejora, no se notan los avances técnicos de tres años y con ello me justifico cuando se notan las diferencias entre todos los ‘Toy Story’ (entre el 1 y el 2 especialmente) y que no tenían mucha diferencia en años. Aún si no recordamos este hecho tenemos otro punto demasiado complicado: el film se resuelve en 80 minutos de los 90 que dura, de esos 80 unos 10 minutos tienen animación tradicional; que se lleve bien con la animación 3D no molesta a nadie pero que se encargue ciertas escenas dramáticas y oníricas a lo tradicional sin la potencia requerida puede llegar a frustrar. De ahí que nos cuestionamos si la empresa tenía la suficiente tranquilidad para lanzar esta esperada secuela.

Finalmente queda una sensación de haber cumplido cerradamente con las expectativas de entretenimiento, ya nos conocemos al personaje así que tampoco pedíamos cambiar su personalidad, pero se nota la poca autoexigencia en el guión, ya que Pixar trataba a sus seguidores de ‘Toy Story 3’ tan bien como si tuvieran 31 o 13 años; en ‘Kung Fu Panda 2’ la DreamWorks parece tratarnos como si no hubiésemos pasado de los 13 años.

Emma Stone; ojos que hipnotizan

2011-11-14T23:24:00.001-04:00

Natural de Arizona, Emily Jean Stone es uno de esos casos raros del Hollywood actual. Rebautizada artísticamente como Emma Stone, tuvo una gran oportunidad haciendo y perdiendo en el casting de la serie ‘Heroes’ en el papel que finalmente ganó Hayden Panettiere. Pero no comenzó allí, ya pasó haciendo papeles de muchacha despreocupada, propia de su edad, la televisión era su campo.

Pero he aquí que toda su preparación en el mundo del teatro infantil dió sus frutos y tras la decepción de no ser elegida en ‘Heroes’ probó suerte haciendo el papel de Jules, el interés romántico de Jonah Hill en la sorprendente ‘Superbad’ (Greg Mottola, 2007). Para luego anotarse unos papeles menores y hasta ridículos como su poca importancia en ‘The House Bunny’ (Fred Wolf, 2008). La suerte tocó su puerta y estuvo impresionante como la hermana de Abigail Breslin en la humilde pero cómica ‘Zombieland’ (Ruben Fleischer, 2009) donde actuaba con naturalidad en el papel de chica mala adaptada a una tierra llena de mounstruos y humanos irracionales, sin duda la película que la lanzó a la fama.

Hasta que Will Gluck consiguió su participación en la juvenil ‘Se dice de mí’ (‘Easy A’) donde Emma interpreta a una muchacha liberada y conflictuada por su propia literatura y su interpretación de la sociedad, sin duda su Olive es su personaje más elaborado el más admirado en los círculos del mal llamado cine juvenil de esta década. Tras este gran éxito pudo darse el lujo de moverse en los roles secundarios en trabajos tales como ‘Amigos con beneficios’ y ‘Crazy Stupid Love’; su última gran aparición hasta ahora inédita por Bolivia – y que confirma que tiene a los críticos y la audiencia fascinados con ella – está en el film ‘The Help’.

Sabemos pronto si su Gwen Stacy bajo la dirección de Marc Webb superará a su impecable y compleja Olive, millones de fanáticos del Hombre Araña y otros millones que hemos quedado hipnotizados por su mirada lo sabremos.

Video: recordando los ‘500 días con ella’

2011-11-12T14:25:00.001-04:00

Estamos a poco, poquísimo de las 50.000 visitas. Miles de gracias a todos por visitar este pequeño blog, por tomarse un poco de su valioso tiempo para leer, ver y escuchar de esas cosas que tanto nos gustan: cine, animación japonesa y Haruismo. Vamos a dar un impulso con esa gran comedia (anti)romántica que es ‘500 Days of summer’, obra sorprendente de un director joven y curtido en los videoclips musicales como es Marc Webb y a quien le confiaron rebootear la franquicia del Hombre Araña.

En el film existe una escena muy sencilla donde Tom y Summer se encuentran –por segunda vez- y Summer se da cuenta de la canción en los audífonos de Tom, la épica ‘There is a light that never goes out’ del grupo The Smiths y que le gusta mucho a Tom dejándole a él fascinado por esta misteriosa chica y torciendo su concepto de destino, una coincidencia que comparte con Tom y que el muchacho malentiende en todo lo demás, pero bueno, les remito al film para todo lo que les comento.

Ahí les va y gracias nuevamente!

Músicos y Cine: ‘Notorious’, homenaje y reclamo al poder

2011-11-06T13:19:00.001-04:00

“ – Eres un chico malo tratando de ser bueno… ó un buen chico tratando de ser malo?

- Estoy tratando de ser grandioso”.

( Faith y Chris )

El año 2009 el cine volvía a redimir a uno de los dos trágicos genios musicales que ha dado la música popular americana en los 90s: Notorious BIG, asesinado a tiros en Los Ángeles en marzo de 1997 en medio de una de las guerras más cruentas de mafias organizadas y penetradas en la industria discográfica que se recuerda. Ese día no sólo murió un genio, murió una forma de concebir la música hip hop dentro de la sociedad moderna, como vehículo de protesta, de sentimiento, de libertad del ser humano. Es pues cruel, escribir y recordar toda la aventura de una sociedad marginada, de negros y de inmigrantes, que a base de mucho sacrificio difundió un mensaje, vió como el poder arrebataba las mentes de sus conductores y finalmente asesinaban a uno de sus símbolos.

Un mito que nació gordo y pobre

Christopher Wallace tenía todo para vivir la típica vida olvidada y triste de los anónimos afros de Brooklin, nacido en un terrible 1972 su infancia transcurrió en la peor de las condiciones: la droga, la promiscuidad, la paternidad temprana, todo. Pero tenía un tono de voz atípico, claro, de los gordos obesos; no era para destacar… pero a lado de su voz sus rimas tenían algo muy poderoso: una fuerza narrativa impresionante. Era hip hop en estado puro y respetaba a los históricos. Era conciente de no ser perfecto, de ser considerado nada atractivo pero aún así supo ser orgulloso y junto con Sean Combs (luego Puff Daddy) no sólo creó un nuevo sonido ochentero y noventero al ritmo, creó una industria.

Y tras mucho trabajo pronto ambos se volvieron en el núcleo de un movimiento que desbordaba los gustos de la juventud americana, para 1992 y con 20 años ya tenía un reconocimiento local que pronto comenzó a volverse regional y en tres años era un símbolo nacional. Entonces la mass media se apropió de sus productos y los vídeos de hip hop con cantantes formidables, mujeres hermosas y mucha joyería se convertía en la meta de millones de jóvenes en todo el mundo. Pero paralelo a todo ello el film de George Tillmann Jr. muestra el ingreso de todo lo violento de esos gangsters en la música. En un principio Notorious y Tupac Shakur establecían una sólida amistad y pronto por lo oscuro de los círculos de poder (en el intento de asesinato a Notorious que también se ve en el film) ambos símbolos se enfrentan. Ellos y sus amigos se pelean en la tele, en la radio, en los medios, en las canciones y en todas partes. Propagan odio y desprecio y la costa este y la costa oeste comienzan la muy sangrienta guerra de los coasts.

Una película testimonial

La Fox contrata a Tillmann (quien perdía el tiempo con comedias bobas tras su éxito conseguido en ‘Hombres de Honor’) para que dirija el biopic y éste entrega un trabajo humilde y respetuoso, lleno de mucha referencia biográfica. Actores muy jóvenes como el rapero Jamal Woolard para el papel principal, un siempre correcto Anthony Mackie como Tupac Shakur, Angela Bassett como la madre de Notorious y la bella Anton smith como Faith Evans, el gran amor del cantante. Para la música se recluta a Danny Elfmann y para el financiamiento el mismo Sean Combs se encarga de producirla. Luego de su estreno la película logra el efecto que se deseaba: recordar con honda tristeza las injusticias que cometió la ambición del poder de la industria musical.

Un film muy triste, con demasiada precisión que narra las luces y las sombras de un genio, aunque la crítica no se puso muy entusiasta muchos aplaudieron que por una vez, se haya centrado un biopic en la figura de Chris, un muchacho que siendo pobre cambió la música moderna hasta nuestros días, mártir de su propia pasión. Así debería ser siempre, hablar sobre la persona y no el personaje.

El otro genio musical, Tupac Amaru Shakur, vendrá pronto al blog.

‘El rito’, penoso intento para dar un mensaje

2011-11-03T23:38:00.001-04:00

“ Ése no es el demonio”.

- Michael Kovacs.

Antes de hacer ‘El rito’, Mikael Hafstrom nos entregó dos películas aún más interesantes: ‘1408’ con Samuel L. Jackson y ‘Shangai’ con una orquesta de estrellas, ambas tampoco eran grandes ò espectaculares obras, pero a la par de lo que ha presentado en su último film, son mejores películas e incluso más redondas. No es que sea una mala idea, eso de tirar de la fórmula de las películas de horror sobre el exorcismo y la fé; muchas otras han intentado seguir la estela de la fundacional ‘El Exorcista’ de William Friedkin, muchos incluso han salido bien paradas, otras han sido un bodrio.

Lamentablemente ‘El rito’ no es ni uno ni otro, por lo que el olvido la espera.

Dónde fué a parar el presupuesto?

Pues no fué a los guionistas y por lo percibido, el mismo Anthony Hopkins debió cobrar por minuto. Basado –se dice – en la historia real del Padre Gary Thomas, la peli cuenta la llegada a Roma de Michael Kovak, seminarista iniciando las prácticas con terribles dudas superficiales de fé y de creencia en lo bueno y lo malo. El experimentado padre Lucas trabaja como su profesor y acudirán al llamado de exorcismos varios, diseminados por todo el distrito, y siempre acompañados por el escepticismo de Michael. Empero, la muerte ronda a la misma familia del joven Kovak, todo lo que parecía explicable o negable desde su raciocinio se comienza a tambalear y deberá enfrentar de esta forma, al mismísimo demonio.

Miren, no parece mal argumento, pero no causa conmoción ni emociona por ninguna parte, todo cae en lo previsible y cuando Michael ve afectado sus sentimientos familiares, es decir, cuando duda de todo lo que negaba, el cambio no parece creíble! Colin O’Donoghue se nos muestra limitado como actor en sus distintos rostros (tampoco en Los Tudors brillaba) y para colmo Alice Braga y su historia del hermano abandonado ni siquiera sirven de relleno, los dos actores jóvenes están muy mal dirigidos, Hopkins no defrauda ya que cumple como el profesional que es pero los muchachos no transmiten horror, tampoco drama, tampoco sufrimiento, mucho menos expresan dudas o temores frente a lo trascendental que están por vivir.

Para el colmo de los males, el film puede resumirse en 5 o 6 escenas que no se recordarán dentro del mismo género. Es tan lineal y no causa lo que se propone que cuando llegamos al enfrentamiento final de Michael ya sabemos cómo acabará!, el momento que supuestamente debía ser emocionante carece de potencia y sólo nos queda ver un final ligero, complaciente, débil, sin impacto y lo que es peor; sin afectar espiritualmente al espectador. Los creyentes laicos por ejemplo, la encontrarán correcta y cumplidora pero los demás no le darán el valor que debía tener por la ausencia de recursos, porque lo producido no alcanza, el guión no se aprovecha, los decorados son simples, la fotografía no resalta y el sonido es vergonzoso, con decirles que se nota los efectos de mezcla de discos en las voces en estéreo de las personas poseídas.

Penoso intento de brindar un relato sobre la fé, ‘El rito’ es insuficiente para cumplir con el género del horror y mucho menos para cumplir con las películas llamadas ‘emotivas’, de ésas que te muestran ficción y hacen crecer la fé de uno, sirva como ejemplo la contundente ‘El Exorcista’ que transitaba en el terror ó la sustancia ‘Señales’ que caminaba en el suspenso. Ni modo Mikael, será en otra.

Julia Roberts, Greatest Hits

2011-11-02T08:29:00.001-04:00

Estamos de retorno y abriendo un nuevo espacio en el blog, vamos, mis amigos, a reseñar las mejores obras, las mejores interpretaciones, lo más destacado ó a veces lo más arriesgado de un actor o trabajador de esta industria cinematográfica, muy ligera a momentos y muy densa en otros. Nuestra primera invitada acaba de cumplir 44 el pasado 28 de octubre, la señora Julia Roberts.

Natural de Atlanta, Georgia; Roberts proviene de una numerosa familia de actores e intérpretes y ha sido educada en un fuerte ambiente católico. Sus primeras apariciones las realizó en el mundo de la televisión desde donde saltó a la fama tras que el destino le deparara el protagónico de ‘Pretty Woman’ en 1990 junto a Richard Gere. Estrella ascendente que se convirtió en figura popular a mediados de los 90s, pronto la fama se apoderó de ella y tuvo que pasar mucho tiempo hasta tener papeles de mayor relevancia. Claramente tiene sus mejores años de actriz entre sus 33 a 37 años (de 1998 a 2004), cuando era considerada no sólo una figura cinematográfica sino también una figura mediática y fashion. Ahora camina en su postergada maternidad y su figura ha sido muy opacada entregando actuaciones sosas y sin potencia. Valga la oportunidad para rememorar las que – de forma muy egoísta – hasta ahora son sus mejores trabajos.

10. Confesiones de una mente peligrosa (2002). George Clooney dirigiendo a su amiga en una historia de dobles vidas, la tele y la CIA y con una Roberts muy estilizada como secundaria.

09. Notting Hill (1999). Una comedia atípica de alto vuelo intelectual donde Julia hace de sí misma (o casi) y Hugh Grant trata de colaborarla desde el íntimo espacio de un barrio londinense. Pudo ser mejor pero no defrauda en lo que propone.

08. The Mexican (2001). Otra comedia que nunca consiguió arrancar por el desordenado trabajo de Gore Verbinski pero que sirvió como excusa para reunirle con Brad Pitt. Sólo eso, no pidan más.

07. Ocean 11 (2001). El papel menos exigente de Julia pero talvez el más esperado por la afición al remake de la película original de hace 60 años. Ser el objeto de Clooney en el robo de un gran casino en Las Vegas y rodeada de los mayores estelares de Hollywood del momento. Un director agradecido consigue exponerla con mucho respeto a pesar de tener un personaje cliché.

06. La sonrisa de Mona Lisa (2003). En un gran ejercicio del director Mike Newell, Roberts interpretará de maestra (en el personaje y fuera de cámaras) de jóvenes actrices de la talla de Kirsten Dunst, Maggie Gillenhall y Jula Stiles. Gran reparto para un film que tampoco engañaba en su propuesta.

05. La boda de mi mejor amigo (1997). Casi la última gran comedia de los 90s, muchos recordamos a la histérica Julianne y sus intentos de arrebatarle a Cameron Díaz su preciado y comprometido novio. Claro, no todo le sale como quiere, jeje.

04. Dying Young (1991). Una gran película de Joel Schumacher – quien luego arruinó su carrera con sus films de Batman – donde Julia es enfermera de un paciente con leucemia (Campbell Scott) y trágicamente se enamora de él. Drama y tristeza frente al claro destino.

03. Closer (2004). Hasta el momento, la última película de Roberts. Encasillada como una fotógrafa americana en Londres, ingresa en un juego romántico y lujurioso con los personajes de Jude Law, Natalie Portman y Clive Owen. Film muy adulto y a la vez examinador de sentimientos profundos, su importancia irá subiendo con el tiempo, por el mensaje sensual que desprende, por el trabajo del gran Mike Nichols y por esos cuatro actores que participaron en este interesante film.

02. Pretty Woman (1990). Pues nada que decir. Disney apadrinando un cuento de hadas con una joven Julia que trabajaba como…. Y le consiguió su primera nominación al Oscar.

01. Erin Brockovich (2000). Ya van más de 10 años de su gran papel en un film tan denso como esperanzador, su interpretación biográfica de Erin tiene mérito por resumir todas las facetas de una mujer moderna con sus luces y sus sombras: peleadora social, comprometida con las causas de sus protegidos, mujer contra corporaciones machistas, madre abnegada pero una terrible amante. Todo ello se ve en una película redonda, claro, con el mejor Steven Soderbergh tras las cámaras.

Ha sido todo por el momento, pronto caerá el siguiente, así que atentos.

Escenas inolvidables: el ángel de Wikus en ‘District 9’

2011-10-30T18:18:00.001-04:00

“ Ustedes todavía no han visto a mi esposa, déjenme mostrarles a mi esposa, ella es mi ángel especial. Ésta es ella, hasta parece un ángel! Fíjense en el velo blanco. El velo hace que parezca un ángel. ”

- Wikus.

Excelente cine sobre la temática de la discriminación y la ambición humana, el éxito de ‘District 9’ de Neill Blomkamp se logrará apreciar más y más con el transcurso de los años, no sólo por su logrado mensaje manifiesto sino por equilibrar cine de entretenimiento con la preocupación social, obra atrevida de un director a quien Peter Jackson le confió una labor tan fuerte; muchos estamos atentos al futuro en sus demás proyectos.

Wikus Van de Merve es el protagonista que, como todos recordamos, sufre una verdadera metamorfosis kafkiana por el contacto con sustancias alienígenas; su aventura llegará a un final donde ya comprende que no tiene retorno y el director - hábil en el estilo – nos presente el documental backstage de sus declaraciones recordando a su esposa, acto seguido la fiel esposa de Wikus nos muestra un regalo dejado en su casa. Pero prefiero quedarme con el segmento de Wikus quien les menciona una intimidad muy importante de este desgraciado hombre, comparando a su esposa con un ángel; todo por un bello recuerdo del halo de luz fotográfico el día de su matrimonio.

Con ello Neil no sólo logra completar un film arriesgado, logra un éxito redondo, varias nominaciones a los premios y hasta ahora, la última película de ciencia ficción nominada a mejor película en los Oscars.

‘Yuru Yuri’, divertida e ingenua comedia yuri

2011-10-27T23:03:00.001-04:00

Proveniente de la influyente revista de manga Comic Yuri Hime, la aventura de ‘Yuru Yuri’ comenzó en el año 2008 mediante un manga muy poco original que destacaba la amistad demasiado esterotipada de cuatro amigas: Yui, Chinatsu, Akari y Kyoko (en el orden de la foto inferior). Chicas que rápidamente se conocen y que deciden fundar el club de ceremonia del té en su high school, misma que se deforma en un club de mero entretenimiento donde poco parece importar el estudio, se le dà mas importancia a la experimentación y a las situaciones sorpresa.

Bajo una premisa con poca potencia sorprende con una legión de fanáticos que sólo buscaba comedia ligera de adolescentes, sumando a la fanaticada un contenido yuri muy modesto, y es que las chicas tienen sentimientos que sobrepasan la simple amistad pero cuya timidez y autonegación no permite ningún avance. Pero he aquí que el estudio Dogakobo apuesta por producir la serie animada y se realiza el animé en 12 divertidos capítulos.

Con mucha estética sencilla y con guiones que recuerdan la inocencia de ‘K-ON!’ (ni que decir del número de integrantes del club), comenzamos a observar una serie con mucha buena vibra ya que entendemos la personalidad que les han otorgado a nuestras cuatro muchachas: Akari es una protagonista sin protagonismo, Kyoko es la rubia inteligente y extremadamente divertida que busca quedarse con la pequeña Chinatsu, ésta a su vez se encuentra atraída por Yui quien es la más madura y centrada de las cuatro, presas todas ellas de mucha (y divertida) inmadurez.

Y si eso no fuera poco tenemos a muchas otras chicas que acompañan las aventuras cotidianas de las cuatro principales, la dubitativa Ayano y su escudera Chitose además de las rivales Sakurako y Himawari; quienes complementan las historias cómicas, situaciones desordenadas, eventos con cambios bruscos y mucha ingenuidad preadolescente. Una serie que destaca por el sólo hecho de ser la única propuesta de comedia y yuri que acompaña este 2011.

Brad Bird; narrador con mucha humanidad

2011-10-24T22:55:00.001-04:00

“ En ‘Ratatouille’ se ve que las baldosas del suelo del restaurante no son totalmente planas. Tienen ángulos un poco diferentes y por eso las baldosas reflejan la luz de forma distinta, así que tuvimos que hacerlas todas y cada una por separado”.

- Brad Bird.

Philiph Bradley Bird, nacido en 1957 en Montana, Estados Unidos es nuestro siguiente invitado a los ciclos de especiales que con tanta emoción hemos traído a lo largo de estos años en el blog. Brad es un hombre hecho en la industria fílmica de la animación pero también es un gran artesano del cine en general. Educado en la escuela clásica de Walt Disney, Brad subió todos los escalones de su profesión hasta llegar al día de hoy, convertido en uno de los directores – no sólo del cine infantil mucho menos del cine animado – con mayor respeto y credibilidad en el mundo entero, su fama de gran director técnico y exigente (como se comprueba con la frase de arriba) también le precede.

Con sólo 4 películas en su currículum, repasaremos sus primeras obras en la TV así como su participación en obras tan populares como ‘The Simpson’ ó ‘Amazing Stories’. Asimismo seremos testigos de su contribución al estudio Pixar; donde elevó el nivel artístico a un estándar tan alto que el cine de este estudio ya es considerado siempre como referencia de calidad.

En ‘El Gigante de Hierro’ un niño descubre la lealtad a través de la humanidad de un ser mecánico, en ‘Los Increíbles’ un padre superhéroe muy humano anhela sus tiempos de gloria a pesar de su labor familiar; en ‘Ratatouille’ un pequeño ratón libera su talento envidiando a los humanos cocineros. Es el tema del humanismo que ha llevado a Bird a ser considerado de aquí en adelante para producciones más fastuosas, y averiguar – si es posible - si su trabajo de dar vida a criaturas animadas, de ser un narrador portentoso; pueda aplicarse en personas con carne y hueso.

Así mis amigos, tenemos un nuevo especial! Que nervios!!!

‘Redline’, frenético espectáculo visual presentado en el Overload 2011

2011-10-23T12:12:00.001-04:00

“ Qué es lo que saben ustedes, anunciantes, sobre las carreras?!?!”.

- JP.

Tuvimos ocasión de asistir a nuestra cita anual con el Overload cochabambino 2011, esta vez con gran asistencia, mucho comercio y gran sentido de unión en una comunidad tan dinámica como la nuestra, como siempre da gusto y placer ver vigentes nuestras aficiones y observar con alegría las nuevas formas que el animé y sus plataformas se renuevan año tras año. Felicitaciones pues, a los organizadores.

Automovilismo y animé. tanto material que se puede explotar y tan pocos resultados, claro que estamos lejos de comentar una nueva versión de ‘Meteoro’ pero lo que vamos a reseñar con este post juega en otra liga, a medio camino entre los autos y la ciencia ficción; una película que tardó 7 años en desarrollarse, ni más ni menos. Y es que ‘Redline’ pertenece al laborioso estudio Madhouse y en este mastodóntico proyecto toda una industria ha sido involucrada y todos ellos han sido homenajeados, pero vamos por partes.

Los autos locos de Takeshi Koike

Koike debuta como director de este film, para quienes no le conozcan estamos hablando del pupilo (de nada más y nada menos) de Yoshiaki Kawajiri, el aclamado escritor y director de ‘Ninja Scroll’, ‘Vampire Hunter D’ y ‘Wicked City’. Con semejante maestro las aficiones de Koike no podían ser más correctas: el expresionismo alargado que se notan en los rostros de los protagonistas y ‘Redline’ va de eso, precisamente va de caras.

JP es un corredor forjado tras una dura niñez y una personalidad sin tapujos, chulo de primera y encaramado en un ridículo jopo; vemos cómo casi logra completar el circuito espacial de Yellowline, al perder la carrera y estar accidentado es rápidamente solicitado para entrar (por la ventana) a la carrera más mortal, desvergonzada y criminal de todos los circuitos del universo: el Redline, que se correrá en Roboworld. El gobierno del planeta desconfía de la carrera – con mucha razón - y se interpondrá en la organización, que dicha sea de paso se llena de corrupción, de traición, de espectáculo televisivo manipulador, de comercio, lujos y poder que se juegan en la competencia. Como actualmente sucede!

Pero JP sigue siendo un niño confiado y encomienda su auto y sus accesorios competitivos a su jefe de técnicos y su poca gente que confía, en el medio se fija en una chica similar en orígenes a él: la decidida y centrada Sonoshee, quien perturba su mente (y algo más), poco tiempo les quedará, hasta que comienza la carrera.

Prodigio de animación técnicamente bien desarrollada, en ‘Redline’ asistiremos a unas carreras frenéticas que contraponen a unos escenarios espaciales poco trabajados, pero de qué vamos a quejarnos? es puro machismo sin esconder nada, las mismas féminas participan de todo este show y todos los extraños corredores acceden a nuestra simpatía gracias a un carisma conseguido en segundos. Los malos pueden no serlo a primera vista, las escenas pueden ser impredecibles en un instante, nada parece ser lo que es y no habrá descanso para la retina. Porque ‘Redline’ acribilla todo sentido con cada giro en el argumento. Exagerada de principio a fin, es acompañada por una música trance (obra de james Shimoji), unos colores, sonidos, fotografía y una animación que notan los años que se pasaron dibujando cada caótica escena, tal vez por ello ganó mucho reconocimiento internacional en los festivales donde pasó. Y lo más interesante de todo es que deja buena impresión al terminar! que la competitividad (que parece ser su tema) puede ser tan fugaz como una ilusión o tan sólida como los mismos motores que corren en estos vehículos. Veremos que le depara el futuro a Koike y a Madhouse.

p.d. Un saludo cordial a mis amigos Juan José Heredia y Jinna!!!! Visiten el facebook de Aniplush!!!

‘Ciudadano Kane’: 70 años de la mayor película americana

2011-10-20T00:05:00.001-04:00

“ Rosebud”.

Mucho y harto se puede debatir sobre esa manía de los gringos a hacer rankings sobre su propia historia, lo cierto es que se comete mucha expectación y sobran los méritos para todos los films en este arte en formación que es el cine. Después de todo, sólo ha transcurrido más de 100 años y aún tenemos la impresión de que las artes cinematográficas deben evolucionar para ser un testimonio humano establecido. Extraña por lo tanto que tras la primera emisión de ‘Las 100 más grandiosas películas de todos los tiempos’ de la American Film Institute el ‘Ciudadano Kane’ haya resultado la mejor película, y en su revisión 10 años después haya sido ratificada. Aquí y allá, hay un consenso oscuro pero demostrable, y es por el tamaño de la obra que nos ocupa ahora, para darle pleitesía y todos los honores a la película que quebró la historia del cine para siempre.

Un genio indomable como pocos

Orson Welles es una figura fundamental del arte moderno del siglo XX. Orson Welles era un niño con talento precoz que a sus 10 años era pintor y músico prometedor y tras el divorcio de sus padres llegó con su madre a Chicago, a insertarse en los círculos artísticos y bohemios en su pubertad y a sus 16 años hacía teatro en Irlanda. Pronto volvería a su país y se estableció en Nueva York más concretamente en Broadway, el mismo núcleo del competitivo teatro americano. Allí fundó el Mercury Theatre, se ganó a la audiencia por su completo dominio de Shakespeare, consiguió fama de trabajador e innovador del género teatral y a sus 20 años dominaba todas las técnicas de la actuación así como sus plataformas. A sus 23 años produjo con su grupo la transmisión de una obra en la radio llamada ‘La Guerra de los Mundos’ adaptando la tétrica novela de H.G. Wells y produjo un sensacional escándalo real en New Jersey.

Entonces RKO Pictures le contrató, a sus 24 años, para filmar dos películas con total libertad creativa, artística, musical y de producción. Welles filmó ‘Ciudadano Kane’ y asumió el riesgo completo de esta bestial obra, su primera película, con guión propio, con él como actor principal y sentado en la silla de director. Cuántas veces puede ocurrir que un muchacho talentoso cambie de una sola vez a una industria fuerte, compleja, interesada y reacia a las revoluciones como la cinematográfica? ha ocurrido una vez, hace 70 años y quien lo hizo fué Orson Welles.

La profunda historia de un niño sin niñez

Orson tenía la presión de dar con una historia original para acceder a los beneficios de su contrato, empero sólo encontraba dificultades a la hora de definir el motivo de su primera película. Hasta que encontró una verdadera historia para adaptar! Recurrió de forma muy astuta a las biografías no autorizadas del magnate de los medios William Randolph Hearst y se apropió de muchos pasajes de su vida para crear al personaje de su película: Charles Foster Kane.

Kane, es el apellido tras la vida de un chico nacido en una familia pobre que descubre petróleo en su miserable rancho. La madre decide alejarle de semejante ambiente y confiere la educación de su hijo al mismo banco, los dueños se transforman en los tutores del muchacho y tras alcanzar los 21 años Kane podrá hacer uso de sus legítimos derechos propietarios.

Pero Kane vuelve y con toda la rebeldía de la juventud no se concentra en la fácil vigilancia de todos sus negocios, decide administrar tan sólo uno de ellos y así dejar de proyectar su larga soledad mediante un diario vespertino. Kane no sólo logra convertir al 'Inquirer’ en el mayor diario de la ciudad, logra construir otro imperio de medios y mover las conciencias de las masas a partir de su poder mediático. Mientras, se casará, sufrirá desgracias humanas, se le ocurre ser gobernador, decidirá enfrentarse una y otra vez a la vida; y siempre caerá derrotado.Es la historia de una tragedia surgida desde su niñez, desde el alejamiento de su madre y de su inocencia. Por ello la nieve, por ello su querido artefacto.

El destino pone todo en su lugar

Welles y Mankiewicz componen un guión formidable, pasmosamente soberbio y de una profundidad dramática muy imponente. Se puede contar una vida en dos horas de cine clásico memorable y de paso logra salir victorioso de todos los temas que quiere tocar: el destino, el capitalismo, las oportunidades, el amor, el matrimonio, la soledad, la inocencia. Ahí está la fortaleza de ‘Ciudadano Kane’ y para rendirnos frente a su testimonio se puede testificar que todos los apartados técnicos fueron reinventados por el mismo Welles: actores de radio convertidos en actores de cine, una fotografía en blanco y negro moderna para su tiempo y unos enfoques de cámara nunca antes visto, el uso de cámaras, maquillaje y planos dignos de un visionario, un montaje adelantado a su tiempo y una música (de Bernard Herrmann) producida a la perfección. Es decir, no mejoraba lo conocido en el cine, lo evolucionaba. por eso se dice que es un cine mayor, la mayor y la más influyente en su género.

Todo se ha vuelto leyenda en torno al ‘Ciudadano’, desde los detalles que documentan el trabajo de Welles, desde las dificultades y el boicot que el mismo Hearst le puso al film, de la gran aceptación de la crítica, de su escasa promoción y pérdida financiera en su exhibición, de sus 9 nominaciones al premio Oscar y de su único premio recogido (por el mejor guión), de la salida de Welles de Estados Unidos por no ser aceptado por la industria contaminada, de cómo realizó otros grandes clásicos en Europa tras su exilio (’Sed de Mal’, ‘El Cuarto Mandamiento’, ‘Otelo’, etc.) y de cómo llegó a renegar con un sistema empresarial que le odiaba, el mismo sistema que no pudo hacer nada cuando el año 1998 (y el 2007) la alzaron como la 1ra. película americana de todos los tiempos.

Hace 70 años del ‘Ciudadano Kane’ y hace 26 años que Welles nos dejó. Murió a sus 70 años. Si eso no es destino pues qué puede serlo?

p.d. Dedicado a mi amigo Jorge Buitrago, quien me hizo conocer esta película hace 9 años.

p.d.2. Vean un tributo aquí.

Escenas Inolvidables: el reencuentro de un padre y su hija en ‘El Luchador’

2011-10-15T23:32:00.001-04:00

“ Eres mi hija, mi pequeña hija. Y ahora soy un pedazo de carne viejo y destrozado y estoy solo. Y me merezco estar solo. Solo quiero que no me odies”.

‘The Wrestler’, esa grandiosa obra realista y contundente sobre un hombre que lucha contra su decadencia y contra la vida, vida que le propina los más terribles golpes una y otra vez, hoy recordaremos una escena con gran expresión de cine dramático, de cine íntimo.

Randy (un portentoso Mickey Rourke) busca a su hija Stephanie (una siempre perturbante y bellísima Evan Rachel Wood) tras que ella le rechazara en su anterior visita; Randy está totalmente seguro de poder acercarse a su reticiente hija a quien ha descuidado en todos estos años. Tras los recuerdos de niña y el hombre que alguna vez fué padre, Randy comienza una súplica desgarradora y desesperada en busca de perdón (con las líneas de arriba), siendo honesto con él mismo y con su propia hija. Una oportunidad aprovechada que le permite llegar al corazón (por lo menos en ese instante) de Stephanie, y para mayor alegría… a un baile.

Como es un film de Aronosky y a él le gusta que veamos la humanidad de nuestro héroe, de sus fortalezas y de sus terribles debilidades y miserias, pronto sabremos que este bello reencuentro será destruido por Randy, a quien la vida como dijimos, le golpea con toda la trágica realidad que puede.

Tráiler: ‘Los Muppets’ parodian a ‘Los hombres que no amaban a las mujeres’

2011-10-12T23:35:00.001-04:00

Pues de rato en cuando volvemos a ver trailers que con descaro parodian lo visto en otros avances, aunque lo más peculiar de esto es que estamos viendo una parodia sobre un film que falta por estrenar. El nuevo film de Los Muppets cuenta en la silla de director con el señor James Bobin, un habitual de Sacha Baron Cohen (uhmmm), y cuenta en su reparto con nada menos que la famosa plantilla de los Muppets creado por Jim Henson que ya salieron en muuuuchas películas dedicadas desde la década de los 80s. Para mayor riesgo están los oscarizados Chris Cooper y Amy Adams, Walt Disney distribuye.

Pues el trailer en sí es cómico, porque logra equilibrar la diversión con la seriedad y energía del tráiler original de la última peli de David Fincher: ‘Los Hombres que no amaban a las mujeres’, que llegará un més después de los Muppets: el 21 de diciembre. Estilos totalmente distintos y el único veredicto que valdrá será la del respetable espectador. Por mi parte: aguante Lisbeth Salander!

Me mata el final, con esa alusiòn al ALBUM VERDE de Weezer, que por cierto hace 8 años sacaron una canción con los Muppets en el vídeo.

Steve Jobs y el Haruismo

2011-10-08T07:53:00.001-04:00

Terminaremos este especial de tres partes con la rarísima conexión entre nuestro homenajeado y la diosa. Desde el lanzamiento del iPod han sido numerosos los fan wallpapers que han modificado las figuras de Haruhi Suzumiya y toda la brigada SOS (y muchas otras series animé) con el popular player. Ya que no estamos tristes ni nada, aprovecharemos esta magna ocasión para regalar algunas de estos - más que interesantes – fondos minimalistas. Click aquí.

Ahora veamos dos frases sospechosamente muy parecidas:

La primera, de Jobs en su memorable discurso de Stanford:

“Ahora mismo lo nuevo sois vosotros, pero dentro de no demasiado tiempo, de forma gradual, os iréis convirtiendo en lo viejo, y seréis apartados. Siento ser tan dramático, pero es bastante cierto. Vuestro tiempo es limitado, así que no lo gastéis viviendo la vida de otro.”

La segunda, de Haruhi Suzumiya cuando acompañada de Kyon y cruzando las vías del tren realiza el sellado de la primera realidad:

“Me parece que es demasiado aburrido que siempre le sucede lo mismo a todo el mundo en todas partes. Si hay tantas personas en el mundo, tiene que haber alguien por ahí que tenga una vida extraordinaria y emocionante. ¿Pero por qué no puedo ser yo?”

Steve Jobs y el cine, los inicios de Pixar

2011-10-07T08:04:00.001-04:00

Vamos a ingresar en un nuevo especial de la vida de Jobs. Su fructífera relación con la industria del cine tiene dos grandes partes: la relación técnica industrial y su relación artística.

Para el primer punto precisaremos su propio y famoso discurso en la Stanford University en 2004, cuando recordaba ser despedido de la misma Apple Computers. Con su ojo de inversor se hace cargo (por 10 millones de $us) de una subdivisión técnica de la empresa de George Lucas y se bautizó como Pixar. Sus inicios son terriblemente complicados ya que la nueva empresa tenía un capital humano lleno de científicos visuales y artistas con mucho talento por delante y Steve proporcionó la plataforma de negocios y el financiamiento que hagan posible su supervivencia. A fin de mes tenía que sacar el cheque para sus muchachos.

Pues Pixar no era como la conocemos y en aquellos sólo desarrollaba tecnología para la animación en 3D como muchas otras compañías. Se dice que Jobs quería ser el mejor en ese rubro pero al ver el éxito de cortometrajes como Tin Toy ó Luxo Jr. decidió impulsar el lado creativo de este emprendimiento.

Ya en 1991 acordó con Disney producir la primera película animada en 3D de la historia, una historia entre un juguete vaquero y un juguete espacial llamada Toy Story y el resto sería historia. Pero reseñemos un aspecto importante de su personalidad: Jobs se vió afectado por el éxito de ‘Tron’ (1982) donde la misma Disney se llevaba las flores y los tres estudios de computación que colaboraron con el aspecto visual quedaron en el olvido (aparecían al final de los créditos), por lo que luchó para que el logo mítico de Pixar se presente junto con el de Disney al principio del film.

Esta arriesgada y gran jugada de posicionamiento de marca fué la cruz de la empresa del ratón en más de 15 años, hasta ser comprado (es un decir) por 7.400 millones de $us en 2006; Jobs siguió con su influencia y logró que sus amigos (Ed Catmull y John Lasseter) no sólo dirigieran la misma Pixar sino también dirigieran Disney 3D Animation Studios. La Historia es un caso de estudio empresarial en muchas partes.

Para el segundo punto debemos adentrarnos en la intimidad creativa de Steve. Ya de vuelta en 1997 en Apple sus amigos John Lasseter y Andrew Stanton le visitaban para asesoramiento artístico y sus posibilidades técnicas en las grandes historias que iban saliendo. Eran los años de un hit tras otro: ‘Toy Story 2’ (del cual fué productor), ‘Bichos’, ‘Mounstruos S.A.’, ‘Buscando a Nemo’, ‘Los Increíbles’, ‘Cars’, ‘Ratatouille’.

En 2009 y con gran sentido futurista colaboró para el diseño de un personaje femenino clave en una de las más grandes películas animadas de la última década: la robot Eve en ‘Wall-e’. Diseño que tuvo vida y personalidad en un maravilloso film y que ahora es su regalo viviente dentro del cine. Es algo así como la niña que Jobs regaló a todos los que vimos y sentimos esa entrañable película y que perdurará en el tiempo. Sin dudas, una pequeña muestra del genio que nos seguirá guiando desde lo más alto.

Steve Jobs y el animé japonés

2011-10-06T10:52:00.001-04:00

Tras la triste noticia del fallecimiento del visionario tecnológico y a manera de homenaje nos propusimos relacionar a Steve Jobs y al Japón, que de eso trata el blog, y… si una vez ya logré conectar a Michael Jackson con el animé japonés entonces no había razones para no vincular a Jobs y su obra de igual manera.

Steve era asiduo de los mercados asiáticos y como el genial vendedor que es impulsó la globalización en amplio sentido a todo el continente, convenía desde el punto de vista del mercado y del empleo. En el caso específico de Japón es difícil verle retratado como personaje en mangas ó animé convencionales pero no podemos negar la presencia de la tecnología de Apple en varias series de animación del país del sol naciente, incluso y si alguien cuenta con tiempo para la investigación alguien ya realizó un resumen de series manga y películas animé donde se indica directa o indirectamente los productos de Jobs (más de 40! quien diría!!) en obras tan diversas como Excel Saga o Neon Genesis Evangelion.

Pero para este post realizaremos un sencillo juego visual sobre la inspiración que las primeras Macs tuvieron en una pc futurista en el animé Serial Experiments Lain (sip esa obra de alto grado conceptual y existencial sobre el individuo y la sociedad que me dejó frito el cerebro); observen el diseño de la primera PC ‘Navi’ rojas que es obsequiada a Lain con su fuente: una de las primeras Mac comerciales de nombre Apple Newton. Asimismo el sistema operativo de la máquina (inexistente para esa época) no era más que una versión estilizada del director Ryutaro Nakamura creada en concepto y en conjunto con la fábrica Pioneer. En la pantalla observamos el logo de Copland OS y que se refiere al nombre real del proyecto Mac OS8 y la ficticia empresa Tachibana Lab que fabrica las Navi tiene como significado mandarina oriental en español.

Finalmente el slogan de la serie: “Close the world, open the nExt” (con la E mayúscula) rinde homenaje a la compañía NeXT (con e minúscula y letras invertidas) creada por Jobs tras su despido de Apple en 1985. Existen muchas guiños más que prefiero dejarlas en misterio ó en el aire, ese espacio tan grande como la influencia de este genio que acaba de fallecer.

‘Agua para elefantes’; romance en medio de las criaturas

2011-10-02T07:39:00.001-04:00

“ Eres una mujer hermosa. Mereces una vida hermosa”.

- Jacob.

Tenemos ante nosotros un intento de realizar cine romántico clásico y que, a pesar de tener entre manos una guión interesante, naufraga en sus intenciones y carece de potencia interpretativa de dos de sus protagonistas, tenía todo para convertirse en el film de romance del año y por sus limitaciones en la dirección lamentamos decir que no logró llegar a todas esas posibilidades que ciertamente se notaba que tenía.

‘Water for Elephants’ trata la adaptación al cine de una novela exitosa que fué llevado al cine este 2011 de la mano del irregular Martin Lawrence, el mismo crispín de ‘Constantine’ y el artesano de ‘Soy Leyenda’. Estamos relatando la vida de Jacob Jankowski quien envejecido pero lúcido se presta a contarnos su vida en la depresión americana de los años 30 y su paso por el circo de los Benzini. Un joven Jacob (interpretado por un actor que crece a ritmo lento como es Robert Pattinson) está por graduarse de veterinario y es aceptado a duras en el circo ambulante, los animales y su salud deben ser centro de su atención pero todo cambia al llegar a conocer a Marlene (Reese Whiterspoon, ahi está), para mayor desgracia no sólo es la estrella del show sino también la esposa de August, el dueño del circo (un interesante Chris Waltz) que trata de manera despótica, firme y atemorizante a sus animales y sus mismos empleados.

Las escenas de la historia se instalan a un ritmo demasiado lento y pasamos de preocuparnos por el nuevo joven, a observar su ingreso al cerrado grupo de trabajadores circenses, su delicada situación con August y su creciente relación con Marlene crean una atmósfera pasiva que no parece transmitir tensión en ningún momento. Cuando este terrible error está por apropiarse de la película llega una salvación! Una elefante de nombre Rosie es encontrada y apropiada por el circo, salva al espectáculo, salva a los trabajadores, salva del aprieto económico a August, en fin, salva el film!

Luego se desencadenan los hechos previsibles, el triángulo se vuelve insostenible y August comienza a ver algo entre su joven pupilo y su esposa; cuándo acaban bien estos asuntos?

Le faltó experiencia a Lawrence, la química entre Pattinson y Whiterspoon siempre pende de un hilo en sus escenas y sólo la gran fuerza interpretativa de Waltz consigue devolvernos a la película una y otra vez, cuando la tragedia aparece se suceden acontecimientos demasiado fortuitos y hasta poco creíbles que podrían verse mejor con otro director, que no fuese tán clásico con el montaje, la fotografía y el vestuario; pero no se puede desmerecer todo el trabajo técnico aquí. Si ‘Agua para elefantes’ tiene una ventaja es que consigue que nosotros saquemos sentimientos de pena y justicia hacia Rosie, (sólo a ella y a los demás animales casi nada) porque la joven pareja puede tener presencia pero no fuerza, casi sin expectativas. Qué no es buena recomendación? en absoluto, como cine romántico está más que bien pero no esperen que se vuelva un grandioso clásico.

Escenas inolvidables: la ciudad del futuro en ‘Ghost In The Shell’

2011-09-29T22:35:00.001-04:00

Preparados todos que en Noviembre celebraremos los 15 años de la llegada a Bolivia de la leyenda, del fenómeno de masas, de la obra que completó el verdadero concepto de ‘futuro apocalíptico’ iniciado en 1988 con ‘Akira’ de Katsuhiro Otomo. Muchos de nosotros recordamos con aterradora fascinación cuando nos llegó el rumor de que ya se tenía el animé definitivo sobre cyborgs del futuro.

Y se llamaba ‘Ghost In The Shell’, basado en la obra de Masamune Shirow.

Lanzada en Japón en 1995 y distribuida en forma internacional al año siguiente, la película de animación del maestro Mamoru Oshii afirmó el nacimiento de una comunidad de seguidores al animé que quería saber más sobre el arte y la cultura del imperio del sol naciente. Ya no era suficiente lo que se nos ofrecía en la TV local y no sabíamos de muchos mangas, sabíamos que las verdaderas obras de culto tardaban en llegar y las revistas y los extintos VHs nos aliviaban la espera (con, por ejemplo, la mítica ‘Battle Angel Alita’). La llegada de ‘Ghost In The Shell’ revolucionó las historias occidentales sobre el futuro y las sociedades que se formaban, fué semilla de muchas otras grandes ideas sino, pregúntenle a los Wachowski y su ‘Matrix’ (1999).

En el primer film vemos de cerca las operaciones de la sargento cyborg Kusanagi en busca de un terrorista cibernético de nombre Puppet Master que infecta con su causa a otros cyborgs. Su investigación la conduce a adentrarse en las entrañas de las ciudades futuristas del 2029, en una de las escenas más recordadas donde se fusionan poesía, animación detallista, color, diseño, música y montaje ya clásicos, que transmite una sensación de contemplativa aceptación de lo pesimista frente a paisajes que pueden ser los nuestros, es decir, de nuestros tiempos, parece un tributo a ‘Bladerunner’ ó un homenaje a Hong Kong pero va más allá y la supera en muchos aspectos. Para hablar de su legado y de la discusión profunda sobre la fragilidad del hombre y del individuo destinaremos el mes de noviembre, para encontrarnos 15 años después con ‘Ghost In The Shell’.

A continuación la mencionada escena:

Se parece tanto a una ciudad que recuerdo!

‘El Origen del Planeta de los Simios’; simple y agradable sorpresa

2011-09-25T21:12:00.001-04:00

“ No! No! No! No! No! No!”.

- César.

Sin duda uno de los temas apocalípticos de mayor trascendencia en la historia del cine ha sido la saga del Planeta de los Simios, una leyenda de la cultura popular que comenzó con la publicación en 1963 de la novela homónima del francés Pierre Boulle y que trataba de una situación futura de la humanidad, donde el hombre era esclavo del simio, la nueva raza dominante en todo el mundo.

Es pues, un clásico de la ciencia ficción y representa más que eso. Su versión cinematográfica realizada en 1968 por Franklin Schaffner (el mismo que dos años después se llevó todo por ‘Patton’) goza de un recuerdo sólido gracias a una historia bien realizada, recuerden al astronauta Taylor quien descubre un planeta donde los hombres sucumben a los simios, quienes son dueños de una sociedad propia y donde el humano no es más que un mero animal molestoso. Tras el impactante final vinieron a nosotros las lógicas secuelas: la frenética ‘El regreso’, la necesaria ‘El Escape’, la débil ‘La Conquista’ y la mediocre ‘La Batalla’; donde se intentaba explicar toda la franquicia y el origen del dominio de los simios, con las tres últimas películas (demasiado televisivas) y una serie de televisión que hacían negocio por todas partes.

Ya para 1975 se había exprimido todo lo comercial y artístico de esta saga y se requirieron 25 años para que Tim Burton se hiciera cargo creativamente del reboot de ‘El Planeta de los Simios’, fué un fracaso en todos los sentidos y supuso una gran decepción para mucha gente, imagínense que se necesitaron 10 años para la resurrección de este concepto y cuando todos nos temíamos lo peor: director novel, mucho secretismo, James Franco involucrado, temática a lo ‘Episodio 0’ y poca información viral en el ambiente; llegó la película de ‘El Origen’ sin mucho ruido y nos encontramos con una gran sorpresa.

Un film con ritmo adecuado

Pero lo más interesante de este nuevo reinicio son sus cifras: 93 millones de presupuesto para un tiempo de más de 100 minutos; y con actores que son de segunda mano: James Franco y Freida Pinto son el perfecto enganche a la audiencia juvenil y la presencia de John Lithgow y Brian Cox siempre garantiza credibilidad. Todos los saldos de producción menos sueldos a actores, guionistas, productores y técnicos debía usarse en efectos especiales, éste es el secreto del éxito de la película: efectos visuales y de sonido creíbles que acompañan a un guión sencillo, casi ligero y sin más pretensiones que entretener.

Will Rodman (Franco) es un científico que investiga una nueva solución farmacéutica en células del cerebro para aplicarlas en la salud humana, y mientras su empresa la considera un producto revolucionario que les dará millones para Will es un asunto de amor hacia su padre quien sufre de Alzheimer. Al parecer encuentra una cura en fase final y tras un accidente con los simios de laboratorio decide adoptar a un bebé primate, aparentemente soluciona la enfermedad de su padre mientras el recién llegado se convierte en integrante de su familia. Bautizado como ‘César’, este simio recibe una gran inteligencia proveída por la ciencia y recibe un gran cariño fraternal y familiar proveído por la familia de Will.

El líder nace y se hace

Empero la poca adaptación del hombre hacia César le provoca problemas y pronto se ve en aislación obligado a aprender a vivir con los de su especie, debe someterse a un ciclo duro y rudo de aprendizaje. En este punto asistimos a una narración simple y contundente viendo al joven César sufrir por aprender, por entender al humano, por entender a su propia especie y más que todo, por darle un nuevo futuro a sus iguales. El hombre, ambicioso por naturaleza se le opondrá.

Dénle el mérito a Rupert Wyatt, este director y escritor británico que tras el éxito de ‘Los Escapistas’ el 2008 (hay que reseñar este film ché) repite un ejercicio de estilo con mayor presupuesto y mucha sobriedad, logrando unos efectos soberbios y efectivos en toda la animación de los simios y en especial de César: la siguiente criatura ‘digital’ con mayor calidad interpretativa desde el Gollum del Señor de los Anillos. Llegamos mis amigos, a simpatizar con César y con su causa, nos quedamos con él en sus horas felices y nos quedamos con él en su proceso de ascender al puesto de líder, por su correcta animación es que logramos simpatizar con los simios en la batalla final, y todo lo anterior sólo prueba lo que andan diciendo en todos lados: el film es una gran sorpresa.

Escenas inolvidables: la entrega de la espada a la novia en ‘Kill Bill Vol. 1’

2011-09-18T18:25:00.001-04:00

“ He terminado de hacer aquello que hace 28 años juré a Dios no volver a hacer. He creado ‘algo que mata gente’’. Y en ese objetivo tuve éxito. Hice esto porque, filosóficamente, me solidarizo con su propósito. Puedo asegurar sin presunción, que ésta es mi mejor espada. Si en tu viaje te cruzaras con el mismo Dios, Dios saldría herido”.
- Hattori Hanzo.

Dentro de esa gran obra que es ‘Kill Bill’, el cuarto film de Quentin Tarantino (y que dentro de su filmografía es la que mejor mezcla la sangrienta violencia de venganza con el cine homenaje) somos testigos de una ejecución sencilla y elegante sobre la mística de las armas, es amplia en sus objetivos y todos ellos han sido totalmente logrados en la primera parte de la aventura de la 'Mumba Negra'.
Pues como todos recordamos la novia interpretada por Uma Thurman aterriza en Okinawa para buscar al gran creador de espadas, una leyenda viviente de nombre Hattori Hanzo (obviamente un guiño tanto al personaje histórico como el de videogames) con quien inician una conversación a principio muy cómica hasta que se revelan las verdaderas pretensiones de Kiddo. Hanzo accede a colaborar con la cruda labor y en la escena que todos recordamos justifica su aceptación, basándose en un razonamiento de equilibrio y justicia demasiado torcido con el punto de vista de la novia y también del espectador, que en este punto de la película sólo quiere ver en acción a Uma y verla servirse de ese ‘rico plato frío’.
Gran escena de veras, para verla click aquí.

Satoshi Kon: ‘Millennium Actress’; la épica historia de una promesa

2011-09-14T11:18:00.001-04:00

“ ¡Nunca cambiaré! ¡Le amaré siempre!” .

(Chiyoko)

Para el siguiente trabajo de Satoshi Kon tuvimos que esperar tres largos y duros años. Se cuenta que tras el extraordinario éxito de ‘Perfect Blue’ Kon deseaba adaptar la novela ‘Paprika’ empero la bancarrota de la distribuidora de su anterior film le motivó a otros rumbos. El productor Taro Maki le ofreció la dirección de otra historia con amplia libertad siempre que mantuviera su estilo de interrelación entre la realidad y la fantasía. Kon escribió una historia fascinante junto a Sadayuji Murai y que le quitaría el horror psicológico que le hizo famoso antes, mantendría la débil barrera de la imaginación humana y añadiría un toque épico e histórico a su siguiente historia teniendo como protagonista a una actriz de cine y siendo testigos de la reconstrucción de su vida. Mis amigos, con ustedes, tengo el grato gusto de reseñarles una obra importante de la animación japonesa y del cine mundial, camino de convertirse en el clásico que se merece, diez años han pasado para que al fin se pueda admirar como corresponde a ‘La Actriz del Milenio’.

Los recuerdos de un admirador

Genya Tachibana es un director experimentado que junto a su joven operador aprovecha la destrucción de unos estudios antiguos de Japón para visitar a la estrella retirada Chiyoko Fujiwara. Pretende hacerle un documental dada su gran admiración hacia su divina y respetada actriz y de paso aprovecha para devolverle un objeto preciado: una llave. Chiyoko ya es una señora de edad y comienza a recordar, junto con Genya, su asistente y todos nosotros como privilegiados expectadores… su maravillosa historia. Desde niña, su encuentro con el poseedor de la llave, un muchacho artista de quien queda enamorada a temprana edad y con quien promete reunirse luego de la terrible guerra, vemos sus aspiraciones, pocas alegrías y demasiadas frustraciones a la hora de buscar a su hombre; vemos el paso inexorable del tiempo, la evolución de la industria cinematográfica en Japón, en cambio de su sociedad y las duras condiciones que ella y su gente han pasado en estos últimos 80 años.

Pero nuestra protagonista es Chiyoko, en retrospectiva vemos sus inicios en el cine japonés, sus viajes y recuerdos confundidos con las protagonistas de sus películas, todo, pero todo es puesto a nuestros ojos en todas las edades de su país. Es una maravilla de guión que arriesga nuevamente a desdoblar las realidades para atraparnos con la brillante dirección del maestro, si bien Chiyoko recuerda su vida terrenal también se compromete, gracias a su papel de actriz consagrada, a brindar todo de ella para sus papeles de princesa medieval, de geisha, de dramática mujer moderna y de astronauta. Cuántos años, cuántas décadas y siglos cubren sus personajes? Chiyoko carga en sus hombros con mil años de historia, de pasado, presente y futuro.

Amor infinito, sin tiempo y sin límites

Pero conocer el alcance del guión no es lo más importante del film, es más, se podría decir que es incluso un accesorio; lo más importante creo yo y de seguro los sabía el maestro Kon era brindarnos una historia de un amor eterno, romántica, sin tiempos y sin concesiones. Sufrimos al ver a Chiyoko aferrarse al recuerdo de un hombre casi imposible de alcanzar, duele verle correr para alcanzar un ideal a la que ella ha entregado su propio corazón (por eso la simbología de la llave es más dolorosa de lo que parece a primera vista), y afecta verla entregada a sus papeles para cumplir con una promesa difícil de hacerse realidad, Kon dirige a una figura animada con la suficiente vida para hacernos creer que es real, porque como Chiyoko, muchas personas pueden llegar a amar sin importar distancias y sin importarles el tiempo.

Es pues, un perfecto milagro! comprimir semejantes emociones en una película de 87 minutos, animada con mucho esmero, utilizando de forma exacta y exquisita los colores y los matices para las locaciones y edades de Chiyoko; con planos clásicos, con homenajes al cine de todos los tiempos (como ‘Trono de Sangre’ de Kurosawa y ‘2001 Odisea en el Espacio’ de Kubrick entre otros) además de contar con la música new age de Susumu Hirasawa a quien recordamos por el soundtrack de la serie Bersek; se podría decir que hace diez años y tras tres de producción, lo conseguido sólo puede resumirse con pocas palabras: se hizo un clásico.

Difícil de superar para el actual cine dramático/histórico y cubriendo todo lo propuesto sin caer en ambiciones de autor, Satoshi Kon entrega una película que ha influido hasta nuestros días en muchos de sus estudiantes y admiradores más reconocidos: la temática del amor a pesar del tiempo que exportó Darren Aronofsky en ‘The Fountain’ ó la destrucción y terremotos como algo previo a los saltos en el tiempo que fué utilizado en ‘Inception’ de Christopher Nolan, ejemplos de un legado contundente y elegante que apenas comienza, como la última escena de Chiyoko, su gran viaje estelar.

Un precioso AMV de ‘La Actriz del Milenio’

Sigue el especial de Satoshi Kon en el blog:

Satoshi Kon: ‘Perfect Blue’; obra visionaria del horror psicológico

Satoshi Kon: El guión de ‘Rosa Magnética’ dentro de ‘Memorias’

Satoshi Kon: ‘Roujin Z’, animador para un relato de dignidad en la tercera edad

Nuevo especial se aproxima: el gran Satoshi Kon

‘Linterna Verde’, sobre los temores y las inseguridades

2011-09-13T23:35:00.001-04:00

“ Existe un dicho en mi planeta, decimos ‘soy sólo un humano’. Lo decimos porque somos vulnerables, lo decimos porque sentimos miedo, pero todo eso no significa que somos débiles!”.

Una de las carreras más irregulares en el mundo del cine, ésa es la carrera de Martin Campbell, alguien que pudo ser capaz de dirigir un film redondo de James Bond (‘GoldenEye’, 1995), una actualización exitosa (‘The Mask of Zorro’, 1998), una historia de aventura (‘Límite Vertical’, 2000), una film que llevó a Angelina Jolie a su nominación al Razzie (‘Beyond Borders’, 2003), un remake innecesario (‘The Legend of Zorro’, 2005), un grandioso y espectacular reboot (‘James Bond Casino Royale’, 2006) y un intento de resurrección (‘Edge Of Darkness’, 2007). Con semejante currículum que podíamos esperar de un director experimentado pero impersonal al frente de un film de superhéroes?

Por otro lado tenemos a Linterna Verde, bueno, en rigor estricto al primer Linterna Verde, un humano llamado Hal Jordan adicto al riesgo, poco expresivo en cuanto a exteriorizar temores, polémico piloto de pruebas sujeto a la sombra de su padre muerto en accidente aéreo. Hal es el arquetipo normal de un humano, con sus debilidades explotadas en cierta forma de fortaleza (su personalidad arriesgada) como mecanismo de vida. Por otro lado los cómics de la DC configuran a este personaje como el único representante humano de la liga de las linternas, una especia de asociación del universo de defensores místicos y espaciales cuyo gran poder reside en el manejo de anillos encargados que fluyen como conductores de sus energías, transformando las mismas en armas poderosas y objetos de protección. En el guión de ‘Linterna Verde’ se cuenta el escape de Parallax, un ser poderoso cuya fuerza proviene de la absorción del miedo de sus oponentes, como si se tratara de un agujero negro del temor que desea vengarse de su aprisionamiento. Un miembro de las linternas (Abin Sur) desfallece tras su encuentro, choca en la Tierra y como último deseo encomienda la elección de su sustituto, que recae en Hal; el primer humano en acceder a esta legión.

Apresurada sin motivo

El guión también intenta presentarnos la humanidad del héroe en su faceta romántica, su relación con Carol implica la primera persona por la que él lograría preocuparse y asumir de pronto su responsabilidad de protector. Empero su primer entrenamiento con Sinestro y otras linternas le provocará decepción. Luego se sucederán en arribo y ataque de enemigos espaciales (Parallax) y terrenales (Dr. Hammond) que obligan a cambiar la situación de Jordan en un abrir y cerrar de ojos. Abarcar los entrenamientos, los ataques en la Tierra y las escenas en Oa junto con los conflictos del héroe en nacimiento, su tratamiento del miedo y la forma en que asume tan (pero tan) rápidamente su gran responsabilidad se nota con el ritmo apresurado de la película.

Inentendible considerando el elenco del film: Ryan Reynolds, Blake Lively, Peter Sarsgaard, Tim Robbins, Angela Bassett y Mark Strong; quienes aparecen por episodios cercanos a cortometrajes. Además el protagonista no explota en el dramatismo que le ofrece el guión a un personaje como Linterna Verde. Si bien Reynolds es muy inexpresivo como actor muchas veces se le ha visto muy correcto y en otras producciones, dicen en consenso, se le vió soberbio. Por otro lado uno piensa que el caché de semejante cast absorbió la mitad del presupuesto y los efectos especiales se comieron el otro 50%, serviría de plena justificación para esos giros argumentales sacado de los pelos (como la captura invisible de Carol) y las situaciones aceleradas sin coherencia (como la cercanía al sol) pero tiene un problema mayor: que este año la Marvel estrenó otro título con más héroes de cómics como protagonistas y con mayor duración y menor presupuesto!

Odiosas comparaciones con la Marvel

Es que ‘X-Men First Class’ de Matthew Vaughn es un punto de comparación muy fuerte, costó 140 millones de $ frente a los 200 millones de ‘Linterna Verde’ y dura 132 minutos en total contra los 114 minutos del héroe de la DC, pero el film de los X-Men sale más completa y redonda. Qué salió cómo no debía? Parece que el recorte del guión, de vestuario y de montaje final han sido decisiones duras que pasan factura. Diez minutos más de Hal Jordan ó diez minutos más de Linterna Verde hubieran logrado comprometernos con su conflicto, pero por lo visto comprobamos la inseguridad existente tratando un tema tan interesante como el temor humano a nivel universal, con esta historia de búsqueda de personalidad de un hombre a quien le han encomendado una labor demasiado grande.

En cuanto a la dirección de Martin Campbell podemos afirmar que no será de lo mejor de su filmografía tras no lograr sacar lo mejor de actores consagrados como sí pudo con Daniel Craig en ‘Casino Royale’, no es firme en el montaje ni en la edición y sus planos no sorprenden. Aún así llegará a entretener, los fanáticos no se molestarán ya que se ha respetado el cómic, están los efectos especiales dignos de cine (en DVD seguró que no asombra), la fotografía sin chispas y la música (sin ser su mejor trabajo) de James Newton Howard.

Especial: el cine y los ataques del 11-S

2011-09-11T08:54:00.001-04:00

Hace 10 años que cambió el mundo.

El 11 de septiembre de 2001 se demostró de una manera muy dramática que ningún país y en especial los Estados Unidos pueden ser considerados invencibles, los antecedentes del ataque terrorista son complejos y las consecuencias después de los ataques han sido aún más complejos en cuanto a terrorismo religioso, político, internacional se refiere; también en cuanto a oportunismo, manipulación, oportunismo del imperialismo y ocupación de otros países; no ha sido el mismo mundo.

El cine ya retrata este nuevo orden mundial todos los años, pero las películas sobre los acontecimientos del mismo ataque han ido presentándose entre la necesidad comercial y la prontitud social de no olvidar esas tragedias, no todas tienen el mismo alcance ya que algunas no toman conclusiones y se refieren sólo a los hechos mientras que otros toman partido del emotivo nacionalismo herido y retratan exageradamente a los americanos como las víctimas, que seguro lo son; precisando siempre a las 3000 muertes de ese horrible acontecimiento. Repasemos sólo 5 títulos indispensables:

‘Vuelo 93’, un telefilme oportunista

No es un gran título, es un cine directo a la televisión por lo que adolece de mucho criterio cinematográfico y exagera lo televisivo. Peter Markle trata de entrar en la initimidad de las familias de los secuestrados en el Vuelo 93 de la United que como saben fué intervenida por los pasajeros inmolándose con el mismo avión. (Mi amigo JP Sucre aprecia otra versión más cruda de los hechos). En todo caso es un título realizado a la antigua, inadecuada para el cine de los últimos 10 años y que se dirige al sentimentalismo fácil.

‘102 Minutos que cambiaron América’, un documental crudo

Un documental vendido con la estrategia de mostrar tapes nuevos e inéditos sobre el ataque a las Torres Gemelas. El collage de imágenes junta situaciones íntimas de varias personas cerca del área de Manhattan y sus grabaciones sin editar de los ataques. Quieren realismo? pues véanla, no será estrictamente un documental bien elaborado porque no tiene la estructura del mismo; pero sirve para ofrecer otros testigos visuales. Nada más.

‘World Trade Center’, un film de Oliver Stone que no parece de Oliver Stone

La película de Stone (todavía no puedo creer que estuve a 5 mts de él!!!!) fué un fracaso de taquilla y de crítica. Se esperó con mucha expectación debido a la figura siempre indómita de Stone con un material que no había tocado. Sin embargo entrega una película simplona con Nicolas Cage y Michael Peña desaprovechados así como el resto del elenco. Nada ó casi nada de cine protestá ó cine con mensaje cínico hacia el sistema; ni la aventura de los dos bomberos atrapados se dirigía con la potencia necesaria para brillar, no parece un film de Stone y para el momento de su estreno confirmaba que el gran director entraba en una fase de crisis creativa. Pueden pasar de ella.

‘Fahrenheit 9 11’, el mejor cine protesta sobre el 11-S

Y es documental. Michael Moore tenía el material adecuado sobre la administración más cuestionada en el gobierno americano: la presidencia de George W. Bush. Moore reúne las noticias, los eventos, los documentos y las relaciones de poder que existieron entre gobiernos árabes y americanos antes de los ataques. Un producto que llena de mucha indignación a los espectadores (más si no son republicanos) y que se convertirá en una referencia histórica y crítica sobre los sucedido. Otros ya se dieron cuenta como Quentin Tarantino y el jurado de Cannes cuando le entregaron la Palma de Oro.

‘United 93’, la perturbadora búsqueda de lo real

Gran película, que sin tomar partido de ningún lado es capaz de dejarnos al final con el nudo en la garganta. Soberbio trabajo de aproximación a la realidad con la óptica frenética de uno de mis directores favoritos: Paul Greengrass, quien logra que este trabajo sea alabado por unos y atacado por otros debido a su calculada dirección (señor Aguilar le estoy hablando a usted cuando no le gustó la nominación de Paul en los Oscars 2006 en la categoría de Mejor Director). Ya tomamos nuestra posición y pensamos que en el futuro mucho de ese cine que será cine histórico ó cine documental aprenderá de esta obra. Ya dijimos que nos gustó mucho aquí y aquí.

10 años desde los ataques terroristas a víctimas inocentes del pueblo americano y que a la fecha nos trae de nuevo el debate sobre el papel de la primera potencia mundial en la política mundial, si aprendieron como gobierno de lo vivido y si sabrán diseñar un futuro junto con los pueblos y gobiernos de medio oriente. Estas 5 muestras son recordatorios que espero, sirvan de algo en el futuro.

Seth McFarlane: ‘Family Guy’ y sus homenajes a la música contemporánea

2011-09-04T20:18:00.001-04:00

Y vamos a continuar con de una forma un poco desordenada mostrando las distintas vertientes del trabajo de Seth McFarlane, insigne creador de series animadas de culto que se encuentran aún en emisión. ‘Family Guy’ (también llamado ‘Padre de Familia’) aquí en Bolivia es una serie difícil de seguir en cable y en la red Unitel la pasan en horarios mal ubicados. Es una serie para adultos y la mayoría de los chistes, de las situaciones cómicas y los diálogos punzantes sólo los entendería algún entendido en la cultura pop tv musical anglo de los últimos 40 años. O sea gente como yo, 7,66 millones de televidentes americanos por episodio y muchos más en el resto del mundo.

Pero hablaremos de la serie y sus características en otro momento. Veremos en este pequeño post 5 parodias ó adaptaciones de canciones populares insertadas en distintos capítulos de la famosa serie, estrategia de mucho éxito desde los inicios de la serie allá por el año 1999 y que lograba el enfado y luego la aceptación de la industria musical así como la alegría de los televidentes al recordar hits clásicos. No era nada nueva este esfuerzo que ya se hacía en ‘Los Simpson’, pero… a quién le importa ahora esa aburrida familia de Springfield??? A continuación sólo 5 de estos ejemplos (click en el título):

1. Stewie Griffin realiza su video de ‘Everything I do I do it for you’ (Bryan Adams). Al nacer la hija de Joe el siniestro bebé se enamora y en un capítulo memorable donde Brian le responde varios nombres de canciones famosas con títulos de nombres de mujer Stewie responde plagiando varios otros vídeos en este sensacional trabajo desvergonzado de plagio musical.

2. Chris es protagonista de ‘Take On Me’ (A-Há). Pues graciosa y cómica de principio a fin debido a la situación presentada y el respeto del vídeo original, qué más se puede decir?

3. Peter sustituye a MC Cat en ‘Opposittes Attract’ (Paula Abdul). Similar al anterior y utilizada en forma resumida, otra genial cápsula de humor puntual.

4. Chris en ‘Time Of My Life’ (Bill Medley & Jennifer Warnes). Para el especial de su versión de ‘La Guerra de las Galaxias’ (‘Blue Harvest’) tuvimos un musical precioso con coreografía y protagonismo del viejo verde ‘amigo’ de los infantes. Homenaje nostálgico en amplio sentido.

5. Peter enloquece con “B-b-b-bird is a word” (‘Surfin’ bird’ de The Trashmen). Nooo, sobran las palabras para esto. Y cuántos premios ganó este episodio? 50? 100? no son suficientes!!! Vean el contador de youtube de este vídeo. Sip, estan en lo correcto…casi 50 millones de visitas. Trágate eso Ricardo Arjona!

Gracias de todo corazón por las 40.000 visitas!!!! (contados desde hace 1 año), que este blog sea parte de su tiempo me complace mucho y me motiva a seguir!!! gracias!! gracias!! cuarenta mil veces graciassss!!!!!

‘Super 8’: bella retronostalgia sin originalidad

2011-09-04T12:15:00.001-04:00

“ Ella solía mirarme a mí… de esa manera… y yo tan sólo sabía que estaba ahí con ella… que yo existía”.

- Joe Lamb.

J.J. Abrams, va camino a convertirse en el sucesor del legado de Steven Spielberg; cada paso que da sólo confirma el tremendo respeto que le tiene a Steven en tonos, formas y contenidos. Ya está incursionando en terrenos nuevos y acelera su transformación en director todo terreno tras dejar huella en la TV (‘Felicity’, ‘Alias’, ‘Lost’, ‘Fringe’) y tras haber dirigido la vibrante ‘Mission Impossible III’, la brillante ‘Star Trek’ y haber producido las desconcertantes ‘Joy Ride’ y ‘Cloverfield’ va en rumbo para hacer obras de autor con respeto hacia sus ya conocidas coordenadas. Tiene todo un futuro para sorprendernos aunque en su última obra he de decir, sin ánimo de bajarle la moral, no ha rendido a la plenitud ya que sus ganas de homenajear sus influencias pudo más que su propia personalidad.

Cuatro homenajes en uno
En ‘Super 8’ asistimos a la historia de Joe, quien ha perdido a su madre trágicamente. La relación con su padre es tensa evidentemente por la tristeza del evento ocurrido pero en una edad tan complicada como la suya encuentra distracción en la maquetería y la asistencia técnica para su amigo Charles, quien sueña con ser cineasta. Estamos en Ohio en pleno verano de 1979 y los amigos de Charles convencen a la bella Allie para sumarse al proyecto de filmación de un película casera de zombies. Filman de noche en una estación de tren y de repente ocurre un accidente espectacular donde un tren militar es descarrilado, un profesor es hallado culpable y una extraña criatura escapa al pueblo, inicio de las aventuras de Joe y sus amigos.

Pues sí, es un cóctel que se nutre de un guión homenaje a ‘E.T.’ (Steven Spielberg, 1982); ‘The Goonies’ (Richard Donner, 1985), ‘Encuentros Cercanos del Tercer Tipo’ (Steven Spielberg, 1977) y mucho cine de ficción y contacto alien de principios de los 80s. Estamos con los muchachos a quienes les sucede un montón de situaciones para suspenso y entretenimiento del espectador y que gracias a la pericia técnica de Abrams logra retrotraer un sentimiento fuerte de nostalgia y recuerdos frente a la película: los decorados, las vestimentas, la música (tanto las composiciones del habitual Michael Giacchino como las canciones de época : ELO, The Knack, etc.) y las escenografías; sumados a una apropiada fotografía, edición y sonido correctísimos.

Primera vez que baja la originalidad
Abrams homenajea en exceso siempre que puede (por ello que asumió dirigir films de remakes televisivos que le gustan) dando su particular toque con esos diálogos punzantes y confrontadores abusando del close up, pero lo que no pensábamos era cómo iba a abordar el asunto central, misterioso y atrayente de ‘Super 8’ que era el alienígena. Que el mismo Abrams nos viera la cara y nos presente una variación de su amada criatura. para quienes hayan visto ‘Star Trek’ en la escena del planeta helado ó el film de destrucción de Matt Reeves sabrán a que me refiero, no quiero entrar en spoilers pero el desenlace de ‘Super 8’ deja una sensación de estar muy incompleta. Estira la fórmula del sentimentalismo y la inocencia juvenil y ata todos los cabos de una forma apresurada.

No me entiendan mal, no es un final incoherente ya que el guión está medido con pinzas pero la forma en que cuenta los eventos nos hace sentir impaciencia y a cansarnos de ver a los humanos, tras muchas aventuras finalmente veremos al alien y las expectativas deberán volverse a calibrar: éste es un punto muy importante ya que debemos recordar que Joe es el personaje del film, así como su solitaria tristeza, de su corazón que extraña a su madre y que empieza a sentir cerca del suyo a Ellie. En ésto hay que volver a felicitar a Abrams como el excelente director de actores que es, no defrauda sacando partido de las actuaciones de estos muchachos. Pero por lo que el mercado (hablo de muchos curiosos aquí en Bolivia) de seguro se quejará por la estrategia de promoción del film vendido como una película de aventuras y ficción humano-espacial cuando en realidad se trata de una película intimista, sobre la soledad, la relación, el crecimiento, la tolerancia y el entendimiento. ¿Y el tema de la amistad? nop, ahí le falló su intento de abarcar mucho a Abrams.
Eso sí, con éste su nuevo éxito no hay quien le quite lo bailado.

Opening: 'Lucky Star', burla divertida e inocente

2011-09-02T23:49:00.001-04:00

Sabía que no eras del tipo moe."
- Kona-chan.

Tenemos que hacerle justicia a esa obra rara de los estudios Kyoto, dirigida el 2007 por Yasuhiro Takemoto, los 24 episodios de la serie mostraban la vida de Konata Izumi, las hermanas Hiiragi y Miyuki Takara, chicas provistas de una inteligencia superdotada en distintos campos de la cotidiana prejuventud: los mangas, los videojuegos, las computadoras, la comida, la música, los eventos escolares, los asuntos que en verdad importan!

Toda la declaración de intenciones se encuentra descrita con su brillante e hilarante opening, con la canción 'Motteke sailor fuku' traducida como 'Adiós traje de marinero' en alusión a los uniformes escolares japoneses e interpretado por Aya Hirano, Emiri Katou y Kaori Fukuhara y que muestra lugares reales dibujados para el mismo animé (y que elevaron el turismo en los mismos!). Estamos ante la presencia de un opening realizado con gran cariño para un público que ha seguido con impaciencia la emisión de los episodios, el OVA, los mangas, los CDs, los pósters, las presentaciones en vivo; en fin, 'Lucky Star' más que una franquicia y a pesar de los altibajos en su calidad narrativa va camino a los clásicos de un público muy selecto, que recuerda el modo de vida de la anterior década.

Qué pensarán de nosotros en el futuro?

‘El Avispón Verde’: película muy irresponsable

2011-08-29T22:19:00.001-04:00

- Yo nací en Shangai. Conoces Shangai?

- Sí! Me encanta Japón!

Michael Gondry era un director afamado, todo un hombre de cine totalmente forjado en este terrible pero bellísimo arte: ya a sus 25 años dirigía videos musicales y en su haber tiene un currículum impresionante: los Rolling Stones, Bjork, Foo Fighters, Kylie Minogue y The White Stripes. Su primer cortometraje lo hizo a los 22 años y realizó muchos aún cuando dirigía films mayores. En este último aspecto maravilló a todos con el tratamiento visual y narrativo de la poética ‘Eternal Sunshine of the Spotless Mind’ (2004) demostrando cómo un francés hacía cátedra con un guión americano. Siguió maravillando con la profunda ‘La Ciencia de Dormir’ (2006) y quedamos descolocados con la rara ‘Be Kind Rewind’ (2008). Cuando se supo que iba a dirigir la nueva versión de ‘El Avispón Verde’ quedamos con la pregunta… será posible que Michael pueda colocar su estilo al servicio de un personaje poco conocido y salir adelante?

Un rotundo no. Columbia Pictures ha logrado encadenar toda una serie de irresponsabilidades que talvez hayan sido concebidas como buenas intenciones para este proyecto pero viendo el resultado podemos afirmar que no lo han logrado, aquí la pregunta es ¿porqué?

Britt Reid es el heredero del emporio de medios de su padre; Britt sólo conoce una sola forma de vivir: irresponsablemente. Empero gracias a la muerte de su padre su vida encuentra un rumbo utilizando la marginalidad de su identidad a un lado, cazando criminales en Los Angeles y convirtiéndose en un héroe marginado, una especie de Bruno Díaz irresponsable, inmaduro y con apoyo: tiene a Kato, un mayordomo multiusos que además sabe de pelear y maquinar cosas y también cuenta con la ayuda de Lenore, secretaria de ‘The Daily Sentinel’, periódico que hereda tras morir su padre.

Digamos que no nos entusiasmaba la serie del Avispón Verde ni su pequeño universo, digamos que nunca le vimos perspectiva a esa comedia de los 60s que aparecía a veces de crossover en la antigua ‘Batman’ y digamos que se puede ir al cine yendo a ver lo último de Michael Gondry, ni aún asi!!! Estamos frente a un guión irresponsable, poco trabajado y simplón que en ningún momento se toma en serio y afecta a las actuaciones y a la misma dirección, este proyecto tenía unido antes a Stephen Chow (el que iba a introducirlo al mercado americano tras ser estrella en ‘Shaolin Soccer’) pero abandonó el proyecto renegando y alegando diferencias creativas. El mismo Seth Rogen se encarga del guión y Evan Goldberg, un tipo que tuvo un golpe de suerte con ‘Superbad’ y otro con 'Pinneaple Express’, todos los involucrados son amigos; no se tomó con seriedad y Gondry intentó maquillar una comedia sin contenido. No es más.

Irresponsable de principio a fin, con una música olvidable de un desconocido James Newton Howard, la participación insípida de Chris Waltz; el poco carisma en el film de Rogen y la forma postiza en que Cameron Díaz aparece. Todo mezclado en una historia sin potencia y sin alma; ver ‘El Avispón Verde’ y ver que es de Michael Gondry sólo puede causar algo muy horrible: decepción.

Vamos a reinvidicar a este director, pronto revisaremos esa obra maestra que hizo con Jim Carrey y Kate Winslet.

Escenas Inolvidables: el gran inicio de ‘Watchmen’

2011-08-22T22:07:00.002-04:00

El orden desaparece rápidamente. Y el que ahora es primero luego será el último. Porque los tiempos están cambiando”.

(Bob Dylan - The times they are a-changing)

Zack Snyder sigue siendo un director sin consolidarse, su filmografía que parecía ascendente ha sufrido muchas críticas por sus últimas obras pero yo le seguiré dando el beneficio de la duda, se lo ha ganado con esa pequeña obra maestra del nuevo terror como fué su versión de ‘El Amanecer de los Muertos’ y mereció un apoyo por su manejo de las artes plásticas en la tremebunda ‘300’. No pudo soportar el peso que le daban sus seguidores y tras proclamarle como un visionario quedamos en fuera de línea con su dirección en ‘Watchmen’. Pero no se preocupen, que seguiremos confiando en su estilo hasta que el nuevo Superman llegue y si aún así no se consolida, pues recién le bajo el pulgar.

En el guión de ‘Watchmen’ se retrata la historia de dos generaciones malditas de héroes norteamericanos, el primer grupo que sufrió la guerra mundial y un segundo grupo que sufre la guerra fría. Basada en la grandiosa obra de Alan Moore, respeta las coordenadas originales y sus variaciones son bien acogidas. El inicio del film muestra 22 escenas flashback en algo más de 5 minutos y nos trae una previa sobre la situación de los héroes y su relación en un mundo paralelo hasta los 80s. No creo que lo encuentren en otro blog así que aquí mencionaremos cada una de estas 22 escenas:

El primer Nite Owl golpeando.
La primera Silk Spectre junto a policías.
El Comedian en acción.
Los Minutemen, la primera generación de los héroes.
El avión Elona Gay rumbo a Japón a soltar la bomba atómica, guiada por Silk Spectre.
Silhoutte besando a una chica y robando la historia de la foto del marine y la enfermera tras la rendición de Japón en la Segunda Guerra Mundial.
Dollar Bill asesinado por culpa de su capa atascada.
Fiesta de despedida de Sally (Silk Spectre) debido a su embarazo, el encuadre parodia a ‘La Ultima Cena’ de Da Vinci.
Otro Minutemen enloqueciendo.
Horrenda muerte de Silhoutte y su amante.
Rorschach, de niño.
John F. Kennedy y el Dr. Manhattan, ‘el super hombre existe y es norteamericano’.
Muerte de Kennedy en Texas y… qué? quién? el Comedian????
La niñez de la nueva Silk Spectre (Laurie/ Miss Jupiter) viendo las peleas de su padre (!) y su madre mientras la TV muestra el sacrificio de un monje en Vietnam (ocurrió de verdad!).
Rorschach unos años más tarde y dos de sus víctimas.
Leonid Brezhnev y Fidel castro, juntos presenciando el poderío soviético en Moscú.
La represión a los hippies.
Andy Warhol presenta a su nueva estrella en Nueva York: el ícono del traje del nuevo Nite Owl.
El hombre llega a la luna: Neil Armstrong camina por suelo lunar pero el Dr. Manhattan ya estaba haciendo picnic, jeje.
Ozymandias, héroe y estrella llegando al Studio 54 y siendo recibido por los Village People, Mick Jagger y David Bowie (en su personalidad de Ziggy Stardust).
Los Watchmen, la segunda generación de los héroes.
Nixon reelegido por tercera vez y violencia urbana.

Y la canción? Bob Dylan cantando la profética ‘The Times they are a changing’, que era señalado en las viñetas de la obra de Moore y que en el film hace presagiar un gran comienzo. Es que es Bob Dylan!

Maestros y Discípulos: ‘Coach Carter’ de Thomas Carter

2011-08-21T21:10:00.001-04:00

“ Vine aquí a entrenar a jugadores de básket y ustedes se convirtieron en estudiantes. Vine a enseñar a muchachos y se convirtieron en hombres”.

-Entrenador Carter

En este miniciclo de películas con trasfondo en la relación entre maestros y sus discípulos llegó el momento de comentar un film del ámbito deportivo. ‘Coach Carter’ es de reciente data: 2005 y fué dirigida por Thomas Carter y fué basada en la historia real de Ken Ray Carter, a pesar de lo que pueda aparentarse ninguno de los Carter está emparentado, jeje.

Samuel L. Jackson encarna a un entrenador de basketball que acepta el cargo de coach de baloncesto para la Richmond High School; acepta motivado entre varias cosas en la nostalgia y responsabilidad de devolverle prestigio a su preparatoria. En cuanto arriba se le presenta un diagnóstico lamentable: la juventud está dividida, los chicos no son responsables frente a los estudios y desperdician su talento en actividades peligrosas. Conciente del difícil entorno en que asume su cargo el coach no se deja intimidar y prepara una estrategia tras otra para sus dirigidos.

Entonces Carter se enfrenta de manera directa con los conflictivos adolescentes. Gracias a una poderosa personalidad que le sirve para emanar mucha autoridad, consigue que los estudiantes adapten (con muchas dificultades) ciertas reglas de protocolo más allá del deporte; por ejemplo: ir bien trajeados a las canchas de los partidos. Su grupo no es sencillo, existen muchachos con grandes capacidades pero con mucha inclinación a los problemas, padres jóvenes, drogas, delincuencia y rebeldía. Carter ya conoce todo esto debido a su juventud en Richmond y arriesgadamente utiliza una estrategia basada en la disciplina; le resulta todo un éxito pero luego deberá afrontar las consecuencias del entrenamiento: los pocos padres se enojan, los muchachos no pueden lidiar con su eventual fama, es pues pura adolescencia!

Técnicamente lograda, su elevado presupuesto (casi 30 millones de $) desconcierta por la apariencia de telefilm clase B, suponemos que buena parte del financiamiento fué para el salario de Samuel L.Jackson que para regocijo, interpreta a un personaje interesante y no sobreactúa en la nota (como muchas veces nos tiene acostumbrado). Los sonidos, planos y música de prepa están presentes y son adecuados pero dejan ese sabor a cliché (película de basket con negros? sí, ya han inventado la pólvora) que se ve ratificada con un guión lineal. La historia no desmerece la enseñanza de un deporte y de un estilo de estudiante que Carter transmite a los jóvenes pero tampoco debe distraer en su producción: no todas las preparatorias del mundo depositan sus sueños y direccionan a sus jóvenes por sus clubes de básket; excusa para esta película pero que se da con pocas probabilidades en el mundo real.

El especial de Maestros y Discípulos en el blog de Alxdangelo:

‘El Tigre y El Dragón’ de Ang Lee

‘Con Ganas de Triunfar’ de Ramon Menendez

'El Abogado del Diablo' de Taylor Hackford

Michael Bay: director de videos musicales

2011-08-14T22:58:00.001-04:00

El californiano Michael Benjamin Bay se graduó en Literatura Inglesa y Cine en 1986. Fué un interno de la industria para George Lucas pintando y rellenando los storyboards de ‘Indiana Jones y el Tesoro del Arca Perdida’ cuando era un adolescente y tras su título tuvo que trabajar en la producción de comerciales de TV y consiguió relacionarse con la industria de la música donde tuvo sus primeras experiencias dirigiendo videos para cantantes varios.

A sus 24 años dirigía el retorno de Donny Osmond en el video de ‘Soldier Of Love’ y llegó al top 10 de Billboard, ese año dirigió ‘Angelia’ de Richard Marx y consiguió buenas decisiones al asumir la dirección de la polémica ‘I touch myself’ de los Divinyls. Fracasó con el inefable ‘I Love You’ de Vanilla Ice y laburó con más inteligencia escogiendo mejores contratos: Lionel Ritchie, Wilson Philips, Tina Turner y Meat Loaf.

Precisamente fué Meat Loaf quien catapultó a la fama mundial a Michael Bay, una noticia que también se aplica al revés: con Michael explotando visualmente el retorno de Meat Loaf; de una forma ú otra en 1993 se comprobó con sorpresa el gran éxito del audio e imagen del áhora clásico ‘I’d do anything for love (But I won’t do that)’; adaptando una canción de 11 minutos en un pequeño corto metraje de 7 minutos y que rememoraba a ‘La Bella y la Bestia’ en un contexto muy gótico. Llegó el 1er. lugar en Billboard, Grammys y MTVs. La asociación duraría por 3 canciones más y cuando un ya famoso Michael comenzó a dirigir películas sólo repetiría dos veces más para artistas musicales: con Aerosmith y Faith Hill, quienes también serían arrastrados a ciertos soundtracks.

Aquí el famoso vídeo de Meat Loaf.

Escenas Inolvidables: ‘Up’ comienza. Felicidades Mónika!!!

2011-08-13T12:08:00.001-04:00

No hay diálogos en los primeros minutos de ‘Up’, incluso se puede decir que hay pocas letras; pero hay una emoción ahí, en cada imagen y cada cada nota musical; que le llega a uno muy dentro. Al corazón.

Carl y Ellie se conocieron a temprana edad, niños con personalidades opuestas que se entienden a la perfección y comparten su pasión por la aventura. De repente el tiempo vuela y les acompañamos como privilegiados espectadores en su matrimonio y en su vida íntima. Aquí comenzamos con un clip que tiene mucha belleza y simbolismo en cada secuencia: la construcción (literal , jeje) de un hogar, los contrastes entre el frío Carl y la positiva Ellie, las alegrías y las adversidades, los momentos calmados y los momentos complicados, los sueños de viajar y al final… los momentos tristes.

Cine tremendamente hermoso, emotivo y sentimental, también es el regalo 2011 de cumpleaños de una excelente amiga; Felicidades Mónika!!!!

‘Cars 2’, Pixar retrocede demasiado

2011-08-07T11:21:00.001-04:00

“ - Mis disculpas, no me presenté adecuadamente. Finn McMissile, Inteligencia británica.

- Yo soy Mate, inteligencia promedio.”

Y aquí estamos, debiendo hablar de la peor película de Pixar, algo que pensé no me iba a suceder este año; pero seamos a la vez francos, si había una franquicia del estudio del luxo que podía estropear su hasta ahora impecable currículum, ése era injustamente ‘Cars’ y no lo digo por el film sino por motivos económicos que veremos más adelante. Y es que uno puede tener varios puntos de vista que pueden o no justificar las terribles decisiones adoptadas en ‘Cars 2’; cuando se realizan paso a paso veremos que al final no había punto de escapatoria, la película debía hacerse, la estrategia visual y ejecución técnica era la adecuada, pero las bases donde nace y sigue el film son débiles y en muchos puntos, muy pobres.

Esta vez Pixar no quiere riesgo

1. El riesgo, qué ha sucedido con el estudio que nos trajo obras valientes y que a primera vista no parecían llamar la atención ni en lo comercial ni artístico? porque ‘Wall-E’ y ‘Up’ e incluso ‘Toy Story 3’ son mucho riesgo, no mueven expectativas averiguar sobre robots viejos moviendo basura ó viudos que arrancan casas para darse de viajes, no no. Pero fueron lo que fueron por sus poderosos guiones y su estupenda y emotiva puesta en escena! ‘Cars 2’ no tiene riesgo porque usa historias ya contadas y harto conocidas para el público adulto: rallys mundiales, detectives, complots internacionales, humor de secundarios, el público infantil está asegurado, hay poca autoexigencia.

2. La excusa comercial, se dice que este film ha sido producto de la presión que desde el 2006 cargaba Pixar con el éxito comercial de los juguetes de ‘Cars’, en especial del Rayo McQueen y del gracioso Mater (ó Mate como le conocemos aquí), es decir que este film ya estaba programado este año para saldar esa deuda y aprovechaba la debilidad de Lasseter por los autos, pero comparando su gran trabajo en la primera parte podemos decir que su secuela no es más que un episodio largo de una serie con sus mismos protagonistas, que se podría ver un sábado en la mañana en Disney Channel, muy bajo peso específico.

3. Protagonista? quién se lleva el film? pues del humor accidental de Mate, quien incurre gracias a su ignorancia en chistes y eventos accidentales, agravando las cosas, destruyendo cualquier plan y al final siendo insoportable más de que agradable. Por favor, no hay discusión sobre el comportamiento de Mate, querían exprimir su carisma que ya nos había encantado y deleitado haciéndole ‘el cuate’ del Rayo en la primera parte pero les ha salido el tiro por la culata, no es inocencia amigos, es tontería. Es el Jar Jar Binks de Pixar.

4. Guión? de qué va el film? pues de un asunto desastroso a otro. La aparición del personaje de Finn McMissile como un agente encubierto estilo 00algo, la señorita Holly como su asistente; de los malosos como el profesor Zundapp y otras nuevas incorporaciones (barcos, aviones, movilidades) eran un signo de expansión de lo visto en la primera parte; pero todos caen en una aventura mundial sin pretensiones, con más excusas de globalizar las ventas de los juguetitos luego de la película, con acción poco novedosa, diálogos poco profundos, se hace todo muy previsible y latoso; hasta el mismo final.

5. Y hay algo que rescatar? pues sí, existen dos y uno es el inicio ó los 5 primeros minutos; claro que no se acerca a la épica del inicio de ‘Up’ pero se notaba que ahí andaba la intención. Nuestros amigos de Radiator Springs esperan con ansias el regreso del Rayo McQueen de la última de sus carreras; éste es un sentimiento bien oculto a primera vista y traslada los sentimientos que los niños tienen cuando un papá ó una mamá les prometen llevarlos al cine, esa bella expectación de espera para la reunión y el viaje fué lo que sentí cada año al ir fielmente a ver cada película de Pixar y es similar a lo que seguramente siente Mate cuando su amigo regresa y vuelven a las andadas en ese lejano y bello paisaje americano. Deseo sentir esa sensación el año que viene, este estudio no se merecía este retroceso pero ahí está, demostrando que son muy humanos.

La segunda cosa positiva? pues que gracias a ‘Cars 2’ ahora todos valoraremos la verdadera maravilla que es la primera ‘Cars’.

Michael Bay: director de entretenimiento ó mercenario visual?

2011-08-04T00:21:00.002-04:00

Pronto volveremos con muchas novedades, estamos un poco alejados pero ya estaremos de nuevo con lo que más nos gusta: escribir (ó expresar opiniones) sobre este apasionante asunto del cine.
Justamente al retornar tendremos un especial demasiado polémico ya que retrataremos la carrera de un director polémico de nombre Michael Bay. Este director nacido hace 46 años en Los Angeles es conocido mundialmente por ser una máquina de blockbusters, de éxitos de taquilla que arrasan con la audiencia y por recaudar billones de dólares por sus films y por sus anexos comerciales.

También se ha vuelto en un director muy discutido a nivel de crítica, Michael encuentra el consenso de todos los críticos que dicen que él es capaz de entregar cine de palomitas con films que rozan las situaciones más tontas, ó estúpidas ó in-creíbles en sus argumentos, así es capaz de exagerar en las escenas emotivas con tal de impresionar y sensibilizar a los espectadores; será entonces que él sabe que lo es? ó entiende de otra forma al cine?

Desatado de todo fanatismo (cosa que sí ocurrió con otros directores) revisaremos la carrera de Bay en busca de la respuesta a la gran pregunta: Michael... es? ó ... se hace?

Volveremos, volveremos

Escenas Inolvidables: ‘Forrest Gump’ y los años que pasan corriendo

2011-07-25T00:12:00.001-04:00

Hemos vuelto!

Sí que tenemos muy poco tiempo para bloguear estas últimas semanas pero eso no nos quita las ideas. Recordemos la obra cumbre de Robert Zemeckis: la sentimental, conmovedora, eficiente pero también ultracomplaciente ‘Forrest Gump’ que arrasó con los Oscars en la gestión 1994.

Forrest es dejado nuevamente por Jenny y se le ocurre la (grandiosa) idea de pasar sus siguientes años corriendo, comenzando en su natal Alabama viaja a tocar el océano Pacífico y de ahí corre por toda la unión americana hasta tocar el el océano Atlántico, lo hace tres veces y lo hace sin motivo. ¿Cuál el mensaje de esta escena?, recordemos cómo iba el film y el detalle tanto en parodia como en drama cuando toca la década de los 60s y los 70s. Cuando llegan los 80s simplemente … no tenemos nada que contar.

El guión es exactamente una referencia a la llamada ‘década perdida’, donde los americanos dejaron pasar el tiempo libremente y se abstrayeron de los cambios en el mundo, fueron los años que pasaron corriendo y Forrest ejemplifica esta época rara de los yankees, no lo entendí la primera vez que la ví por las escenas cómicas y todo eso que distrae pero ahora veo con sorpresa semejante trasfondo. Como Forrest que no tuvo razón en correr y correr su propio país tuvo unos años muy extraños, donde corrían y corrían, descuidando muchas cosas.

Bello montaje y fotografía, con canciones tan épicas y apropiadas tales como ‘Running on empty’ de Jackson Browne ó ‘Go your own way’ de Fleetwood Mac, recordemos pues esta escena:

La Saga Potter: ‘HP y las Reliquias de la Muerte parte 2’; final épico e inseguro

2011-07-18T22:52:00.001-04:00

“ Harry Potter, el muchacho que sobrevivió, vino aquí a morir… Avada kedavra!”.

(Lord Voldemort)

Y se acabó, este especial que nos ha conducido por 10 años de magia en el cine, de muchas películas comerciales que deseaban también ser artísticas, con muchas más luces afortunadamente que sombras y que ha dejado ya un legado importante en una época en la que el cine necesitaba de una saga de este calibre para ver de lo que es capaz esta industria, de lo que es capaz el sector para entretener y emocionar al respetable, al soberano.

La historia del final

Encadenamos directamente con los sucesos de ‘Las Reliquias de la Muerte parte 1’ donde Harry hja reunido la información suficiente para ir por el siguiente horrocrux, Voldemort tampoco está tranquilo ya que se apodera de la varita de Dumbledore y planifica la intervención contra sus enemigos. Harry procede a ingresar y luego salir del banco de los duendes y junto a Ron y Hermione logran infiltrarse en Hogwarts. Snape es retado por Harry quien a su vez anima a la escuela a rebelarse, pero Voldemort no tendrá consideración y prepara la toma de todo el castillo, cueste lo que cueste y caiga quien caiga, porque desea la muerte de Potter y el dominio de su mundo. Harry descubre las conexiones con los demás horrocruxes en una tensión terrible y contra el tiempo, el poco tiempo.

La lucha en el castillo se realizó con la dosis muy cuidada de drama para provocar preocupación entre los espectadores, los amigos de Potter tanto los jóvenes como los adultos se predisponen a pelear y luchan de manera digna, empero vuelve a salir (y por última vez al fin) la terrible falta de personalidad del director. Y es que David ya no tenía excusas! con una fotografía y unos efectos exquisitos, comienza a dudar en la interpretación de un guión que debía ayudarle a no pensar demasiado. Las escenas de la batalla son mixtas siendo capaz de presentarnos secuencias increíbles (como la marcha de los tres amigos en medio del fragor del combate) y siendo capaz también de aburrir soberanamente con cortes de los montajes de acción (Ron y Hermione en una escena romántica vergonzosa con el basilisco).

Orgullo técnico y actoral

Nada que objetar en la dirección de actores, todos cumplen y todos están inmersos en la historia. Sólo que algunos aparecen ya como viñetas de una historia de por sí compleja, dado que ahora todos deben encontrarse: los buenos contra los malos. Se sale en forma satisfactoria de esta labor que en otros films puede provocar disgustos y se agradece que a todo este esfuerzo la parte final de la película presente una labor técnica encomiable: el sonido, los efectos, la música del contundente Alexandre Desplat y la fotografia de Eduardo Serra. Aquí permítanme rendir mi tributo particular a ese gran actor de nombre Alan Rickman; cuya presencia como Severus Snape hace creíble su personaje tan complejo y que dice tanto sin siquiera usar diálogos, sin duda que ya le deben una nominación a cualquier premio que deba recompensar a alguien.

Inseguridad y falta de decisión en esas muertes de cristal

Duele pensar después del gran espectáculo vivido con el film que tal vez habría alcanzado una cota de película de lujo si se hubieran tomado ciertas decisiones más firmes, más seguras. Empero Yates apenas logra empatar el esfuerzo de ‘Parte 1’, y dándonos muchas cosas que sí deseamos ver: el conflicto, las peleas y el drama de la muerte por una causa personal, por una creencia, todo eso sí está bien elaborado. Pero su manejo de otras escenas igual de dramática no es suficiente, mucho apresuramiento (al menos a la hora de contar las tragedias después de la primera noche) y mucha ausencia de recursos (como en el blanco limbo) y la casi nula ecplicación de la motivación del señor oscuro, tantos detalles me hacen pensar que en manos de otro director hubiera quedado mejor. Asimismo se muestra poco seguro en los combates mano a mano ya que la decisión de cuidar del visionado a los más peques con muertes sin recurrir al cutrerío de la sangre ha sido una decisión valiente, no sorprende el sinsabor que me deja, pero valiente debo reconocerlo.

Conclusión: un final y un legado.

Mucha alegría y muchos cabos sueltos que fueron atados en esta entrega superan la dirección impersonal de Yates, alegra ver un film que crece a cada minuto y que salvo esos detalles del tipo ‘otra forma hubiera quedado mejor’ tenemos una película homenaje, que ha respetado el crecimiento normal y natural de los espectadores en 10 años y que trata muy bien el tema de la responsabilidad (en especial en la complicada decisión de Harry) y el enfrentamiento a la muerte, un film sobre el paso a la madurez y también del respeto a los mentores y héroes de otros tiempos. La escena del final queda tan hermosa que desearíamos volver al principio y vivir las aventuras de un niño mago, huérfano y que arrastra la marca de la persona que quiso destruirle, deseamos vivir de nuevo esas emociones que no podrán ser porque ya se acabó todo.

Y con los críticos (sobrevalorando) este cierre y el público agradeciendo esta conclusión otorgándole cifras astronómicas, estamos a tiempo de seguir disfrutando este film bien elaborado y que cierra una época en la historia del cine, a la expectativa de que otra saga la iguale. Lo dudo mucho, pero siempre hay que creer.

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